Monsters Of Rock - Castle Donnington - [16 de Agosto de 1980]
Monsters of Rock fue un festival anual de música hard rock y heavy metal que se llevó a cabo en Castle Donington, Inglaterra, de 1980 a 1996, todos los años excepto 1989 y 1993. Más tarde se expandió a otros lugares como los Países Bajos, Polonia, España e Italia, Alemania, Francia, Suecia, Argentina, Brasil, Chile, Estados Unidos y la Unión Soviética.
En 1980, el promotor Paul Loasby, junto con Maurice Jones, planeó un festival de un día dedicado específicamente a bandas del género hard rock y heavy metal. Loasby fue un promotor establecido y exitoso que trabajó ese año en la gira Rainbow UK y escribió el festival como el espectáculo final de la gira para que la banda encabezara. Jones conocía al propietario de la pista de carreras de Donington Park, Tom Wheatcroft, ubicada junto al pueblo de Castle Donington en Leicestershire, Inglaterra, y se eligió el sitio para albergar el evento.
(Un año antes, el Day on the Green Festival del promotor Bill Graham en julio de 1979 en el Oakland Coliseum en California también se denominó espectáculo "Monsters of Rock". Este concierto contó con Aerosmith, Ted Nugent y AC/DC).
Donington Park era desconocido como una ubicación importante, pero su ubicación en East Midlands junto a la M1 y la A42 permitió un mejor transporte al sitio desde todo el país. Además, el nivel del suelo del sitio se inclinó, lo que permitió una mejor visualización para la audiencia en todo el sitio.
La primera formación de Monsters of Rock consistió en una mezcla de bandas británicas e internacionales y fue un éxito con la asistencia de 35.000 fanáticos del heavy metal. Aunque solo se concibió como un evento puntual, en la jornada se mencionó la idea de que el festival regresaría el año siguiente y la primera edición dio a luz lo que se convertiría en un festival regular durante los próximos 15 años, convirtiéndose en sinónimo de meca para los fanáticos. del género y estableciendo aún más las Midlands como el hogar del heavy metal.
1980
16 Agosto 1980
- Rainbow - Stargazer, All Night Long
- Judas Priest -
- Scorpions - Loving You Sunday Morning, Another Piece Of Meat
- April Wine - I Like To Rock
- Saxon - Backs To The Wall
- Riot - Road Racin´
- Touch - Don´t You Know What Love Is?
(Lanzado como el álbum en vivo semioficial Donington: The Live Tracks. "Todavía me encuentro con personas", señaló Biff Byford, "que vienen y me cuentan su propio pequeño giro del día: 'Justo cuando empezaste 747 (Strangers En la noche), pasó un avión'. Por supuesto, escribimos una canción sobre [el evento]: And the Bands Played On.)
John Lennon - Double Fantasy (17 de Noviembre de 1980)
Double Fantasy es el quinto álbum de John Lennon y Yoko Ono, lanzado en noviembre de 1980 por Geffen Records. Producido por Lennon, Ono y Jack Douglas, fué el séptimo y último álbum de estudio lanzado por Lennon durante su vida. El álbum marcó el regreso de Lennon a la grabación de música a tiempo completo, luego de su pausa de cinco años para criar a su hijo Sean. Las sesiones de grabación se llevaron a cabo en Hit Factory en la ciudad de Nueva York entre agosto y octubre de 1980. El álbum final presenta canciones de Lennon y Ono, alternando en gran medida entre los dos en su lista de canciones. Ono compiló otras pistas grabadas por Lennon de las sesiones para su lanzamiento en Milk and Honey en 1984.
Tras su lanzamiento, el álbum se estancó en las listas musicales y recibió críticas en gran parte negativas de los críticos musicales, y muchos se centraron en la idealización del álbum del matrimonio de Lennon y Ono. Sin embargo, luego del asesinato de Lennon tres semanas después de su lanzamiento, se convirtió en un éxito comercial mundial y ganó el premio Grammy de 1981 al Álbum del año en la 24 entrega anual de los premios Grammy en 1982. En las décadas siguientes, el álbum ha sido visto favorablemente. , con las canciones de Lennon en particular obteniendo elogios como algunas de sus mejores.
En 5 años, desde 1975, la vida de John Lennon había visto una desacostumbrada tranquilidad. Por primera vez desde el rápido ascenso de The Beatles, el estaba libre de todas las obligaciones con las grabaciones. Sus largas luchas de esfuerzo con la inmigración estadounidense fueroncon cconcluídas satisfactoriamente. Reunido con Yoko, la pareja fué al final bendecida con el niño que ellos habían esperado tanto.
En 2010, Ono y Douglas lanzaron un remix del álbum, titulado Double Fantasy Stripped Down, que contó con una producción menos lujosa que la original.
Lo más distintivo de Double Fantasy, el último álbum que John Lennon lanzó durante su vida, es precisamente lo que evita que sea un regreso elegante del cantautor, que regresa al servicio activo después de cinco años de exilio autoimpuesto. . .
Según cuenta la leyenda, Lennon pasó esos años en la felicidad doméstica, siendo esposo, criando a un bebé y, por supuesto, horneando pan. Double Fantasy fue diseñado como una ventana a esa dicha y, en esa medida, decidió convertirlo en un álbum conjunto con Yoko Ono, para ilustrar cuán completa era su unión. Por su parte, Ono decidió probar el pop y, si bien estos son relativamente melodiosos para ella, interrumpen la sensación y el flujo del material de Lennon, que tiene un tono y un tema consistentes.
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Es sorprendentemente sentimental, no solo cuando expresa su amor por su esposa ("Dear Yoko", "Woman") y su hijo ("Beautiful Boy [Darling Boy]"), sino cuando acepta sus años tranquilos ("Watching the Wheels", "Cleanup Time") y su regreso a la vida creativa. Estas son melodías realmente agradables, y lo especial de ellas es su amabilidad: es una dulce aceptación de la mediana edad, lo que, por supuesto, hace que su asesinato sea aún más triste.
Solo por eso, Double Fantasy es digno de mención, pero es difícil no pensar que es una oportunidad perdida, principalmente porque sus temas serían más fuertes sin las canciones de Ono, pero también porque la producción es un poco demasiado hábil y restringida, sonando muy de su tiempo. Al final, estas quejas quedan en el camino porque las mejores canciones de Lennon aquí cimentan la última parte de su leyenda, retratándolo en paz y enamorado. Según algunos informes, esa percepción era un poco una fantasía, pero a veces la fantasía significa más que la realidad, y ese es ciertamente el caso aquí.
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Cuidado con confundir al ídolo con su obra. Esto es particularmente cierto en el caso de John Lennon, ex Beatle, cuyo asesinato en las afueras de The Dakota en diciembre de 1980 lo transformó instantáneamente en mártir y santo secular. Más importante aún, oscureció efectivamente el hecho de que, como artista, Lennon había alcanzado un punto más bajo creativo con Double Fantasy de 1980, en mi opinión, uno de los álbumes más sobrevalorados en la historia de la música popular.
No es necesario contar las brillantes contribuciones del Beatle John a la música. Ellas hablan por sí mismas, al igual que su producción temprana posterior a los Beatles. Pero desde esas primeras alturas, Lennon cayó en un precipitado declive artístico que culminó con el deslucido Walls and Bridges de 1974 y el Rock'n'Roll de 1975, un álbum de clásicas viejitas, el último refugio de un músico al que se le acabaron las ideas originales. Fué en este punto que Lennon se retiró a The Dakota y se “retiró” de la música.
Double Fantasy marcó su regreso a la música. En gran parte olvidado ahora es que las ventas iniciales del tan alardeado "regreso" de Lennon fueron lentas, y el público comprador de discos lo evitó en masa. También se ha olvidado en gran medida el hecho de que la mayoría de las revistas musicales de primer nivel, incluidas Rolling Stone, The Times y The Village Voice, criticaron al Double Fantasy.
Pero todo cambió con el asesinato de Lennon. Posteriormente, muchas de las críticas negativas fueron retiradas, las ventas del Double Fantasy se dispararon —la respuesta predecible de un público curioso por escuchar el LP de despedida de Lennon y deseoso de honrar la memoria de un gran hombre— y el LP conjunto de John y Yoko terminó ganando un Grammy.
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Al escuchar Double Fantasy ahora, unos 34 años después de la muerte de Lennon, está claro que las respuestas iniciales del público y la crítica estaban en el dinero. Las canciones de Lennon en particular son enervadas, blandas y vergonzosamente uxorias. Cuando todo está dicho y hecho, una o dos canciones decentes en Double Fantasy son de Ono, quien, a diferencia de John, sacó algunas y se dio cuenta de que el panorama musical había cambiado por completo desde 1975, cuando el tiempo se detuvo para Lennon, y que los clubes y las discotecas y las tiendas de discos estaban inundadas de nuevos sonidos e ideas radicales.
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Un último pensamiento antes de llegar a las canciones. La dependencia enfermiza de Lennon, incluso podría llamarse infantil, de Yoko Ono es tan evidente en Double Fantasy como en la famosa fotografía de Anne Leibovitz de un Lennon desnudo aferrándose desesperadamente, como un niño a su madre, a una Ono vestida. Y estropea el álbum. Muchas de las "canciones de amor" de Lennon en el LP suenan aduladoras y abyectas, menos tratamientos adultos del amor romántico que casos de desarrollo detenido.
El tema que abre el LP, "(Just Like) Starting Over", se ve empañado principalmente por las letras pedestres de Lennon, desde "Nuestra vida juntos/Es tan preciosa/Juntos" hasta "Es tiempo de extender nuestras alas y volar", su dudoso acompañamiento doo-wop voz, y su melodía de segunda mano, esto del tipo que nos regaló “A Day in The Life” y la genial “Ballad of John and Yoko”. ¿Y dónde diablos está el maravilloso Earl Slick, guitarrista extraordinario? Lennon, el rockero preeminente de los Beatles, no incluye una buena melodía de rock de cantante en Double Fantasy, y ninguna de sus canciones incluye ni siquiera un solo de guitarra decente.
El seguimiento de Ono, "Kiss Kiss Kiss" es un número de baile New Wave de ritmo rápido que me gusta debido a su pura rareza. Puede que Yoko no cante bien, pero seguro que sabe cómo ulular, y no sé qué decir sobre lo que suena al principio como un niño pequeño para transformarse lentamente en una mujer con orgasmo. Y oye, ¡está Earl Slick! Patear traseros! En cuanto a las letras de “Kiss Kiss Kiss”, son tontas, tontas, tontas, pero funcionan en el contexto de la danza, donde las malas letras parecen considerarse una señal de buen gusto.
En comparación con la pura insipidez del seguimiento de Lennon, el débil y olvidable "Tiempo de limpieza", las extrañas travesuras de Ono son un soplo fresco de aire No Wave. “Cleanup Time” cuenta con una melodía trillada y un arreglo de trompeta muy cliché, dejándote nada para escuchar excepto la guitarra de Slick. Y las letras de Lennon ("La reina está en la casa de contabilidad/Contando el dinero/El rey está en la cocina/Haciendo pan y miel") tocan exactamente la nota equivocada: son la fanfarronada de un hombre rico ensimismado, y no hables precisamente a los que no somos reyes y reinas y cuyas cuentas bancarias hacen irrisoria la idea de una “casa contable”.
"Give Me Something" de Ono es un número de baile propulsor con un conjunto de letras bastante molesto, una voz de fondo tan atroz que en realidad es un poco adictiva, y un thump thump thump muy formulado por Newmark. Ono no es un cantante, lo que deja al oyente con el solo de guitarra de Earl Slick, que volvería a escuchar si pudiera descubrir cómo separarlo del resto de la canción.
"I'm Losing You" de Lennon es lo más cercano que Lennon se acerca a un rockero. Desafortunadamente, la melodía no es nada del otro mundo, y difícilmente suena como un huracán. Dicho esto, John se las arregla para expresar una emoción además de aduladora gratitud hacia Ono. Vaya, incluso parece estar... atacándola. Si nada más, la canción es interesante psicológicamente, ya que revela el dee de Lennon. presentimiento de Yoko, al mismo tiempo que reconoce que dicho resentimiento es inútil, ya que todavía está desesperadamente esclavizado por ella. Pero "I'm Losing You" no es una cancelación completa: los breves segundos de Slick de trituración milagrosa de guitarra al final de la canción son una maravilla, y lo mejor con diferencia en Double Fantasy.
No tengo mucho que decir sobre "I'm Moving On" de Ono, además de que suena sospechosamente como "I'm Losing You", la voz de Ono es forzada y rígida, y sus letras son execrables (línea de muestra: "Don't mete tu dedo en mi pastel/Sabes, veré a través de tu jive.”) Pero no te desesperes; ¡al final de la canción parlotea como un mono! Olvídate de la trituración de Earl Slick: ¡este es el mejor momento en Double Fantasy! Tampoco tengo mucho que decir sobre el título redundante de Lennon “Beautiful Boy (Darling Boy)”. Claro, es bonito a su manera, pero sospecho que tienes que ser un fanático o un padre para disfrutar de su sensiblería descarada. La gente tiende a recordarlo por la línea: "La vida es lo que te sucede mientras estás ocupado haciendo otros planes", que es lo único profundo que Lennon tiene que decir en Double Fantasy. O lo sería si realmente hubiera acuñado el dicho, que apareció por primera vez en una copia de 1957 de Reader's Digest.
"Watching the Wheels" es lo más parecido a una canción escuchable de Lennon en Double Fantasy. No es muy emocionante, eso sí, pero al menos se mueve y tiene una melodía decente. Y Lennon está de un humor enérgico, incluso si sus letras son fastidiosas. Si realmente ha renunciado al juego, ¿de dónde diablos salió Double Fantasy? Y que "La gente hace preguntas/Perdidos en la confusión/Bueno, les digo que no hay problema/Solo soluciones" es casi tan arrogante e hipócrita como "Imagínate sin posesiones/Me pregunto si puedes". ¿Por qué la hiel absoluta! ¿Se pregunta si nosotros, los pobres proles, podemos imaginarnos sin posesiones? Por supuesto que podemos, no tenemos ninguno. Y esto de un hombre que murió con $ 150,000,000 en riqueza personal, poseía pianos de media cola blancos y negros a juego, un piso completo de The Dakota, más vacas que Old MacDonald, un yate, una máquina de discos muy cara, y Dios sabe qué más .
“Yes, I’m Your Angel” de Yoko es una mala canción de un horrible musical que preferiría clavarme un tenedor en el ojo que ir a ver. Y no diré más sobre eso. Mientras tanto, "Woman" de Lennon tiene una melodía agradable (aunque un poco flácida), pero es un ejemplo excelente del argumento que hice anteriormente, con su "Mujer, espero que entiendas / El niño pequeño dentro del hombre / Por favor, recuerda / Mi vida está en tus manos.” Esta no es una canción de amor; es el grito desesperado de un infante que entiende que su propia vida depende de su madre. En cuanto a “Beautiful Boys” de Ono, es un canto fúnebre lento y una canción de amor tanto para su hijo Sean como para su esposo John, con algunas voces de Yoko realmente malas, un conjunto de letras muy sensibleras y una flauta muy molesta. Dicho esto, sí incluye la línea perceptiva, "Y ahora tienes 40 años/Tienes todo lo que puedes cargar/Y todavía te sientes de alguna manera vacío". Lennon pudo haber profesado alegría perfecta en Double Fantasy, pero como de costumbre, la esposa lo sabía mejor.
"Dear Yoko" de Lennon es una tontería alegre, tocada en doble tiempo, supongo, por piedad, es como si los músicos supieran que cuanto antes terminara, mejor. Una vez más, Lennon se postra líricamente ante Ono, de quien no puede soportar estar lejos por un día, una noche o incluso una hora. ¿Podría manejar un minuto, uno se pregunta? Mientras tanto, el arreglo de metales es una mierda total, la melodía consiste en un riff bastante monótono que se toca una y otra vez, y Earl Slick, pobrecitos de nosotros, no se encuentra por ninguna parte.
En cuanto a "Every Man Has a Woman Who Loves Him" de Ono, en realidad me gusta, a pesar de la voz incómoda de Ono, porque tiene un ritmo funky y sinuoso que suena francamente "High Art" en comparación con el montón de melodías trilladas de Lennon. Slick hace algunas pequeñas cosas geniales con la guitarra, Newmark en realidad gana el pago de sus sesiones con la batería, y el trabajo del sintetizador es ingenioso. ¡El mejor corte del álbum! De hecho, ¡el único corte bueno del álbum! Lo que nos lleva a "Hard Times Are Over" de Ono, que tiene un toque de gospel, con su órgano y coro que aplaude y canta. Desafortunadamente, la melodía es entrecortada y forzada, y hubiera sido bueno que Yoko se hubiera ceñido a John en esta, porque su voz no es adecuada para la canción, sin mencionar la mayoría de las canciones. El coro es casi soportable, pero desafortunadamente es la voz de Yoko la que domina, y en cuanto al saxo que suena aquí y allá, es forraje de una banda de jazz de la escuela secundaria.
En su perspicaz reseña de Double Fantasy en NME, Charles Shaar Murray escribió: "Suena como una gran vida, pero es un disco pésimo" y "Ojalá Lennon hubiera mantenido su gran trampa feliz cerrada hasta que tuviera algo que decir". fue incluso vagamente relevante para aquellos de nosotros que no estamos casados con Yoko”. Murray tiene razón acerca de que Double Fantasy es un LP pésimo, pero se equivoca tanto sobre la gran vida de la pareja como sobre la felicidad de Lennon. En cuanto a Double Fantasy, de hecho es una fantasía: un matrimonio perfecto que estaba tan jodido como la mayoría de los matrimonios en todas partes. Pero grcomer registros no tienen ninguna obligación con la verdad. El problema real con Double Fantasy es que es un LP verdaderamente malo, y eso no es fantasía, sino un hecho.
Booklet del CD Double Fantasy
Portada exterior frontal y tasera del CD de John Lennon: Double Fantasy, publicado en el año 2010 por Capitol Records
Portada interior desplegada del CD de John Lennon: Double Fantasy, publicado en el año 2010 por Capitol Records
Lionel Richie - Can´t Slow down (11 Octubre 1983)
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| Portada frontal del album lp Can´t Slow Down de Lionel Richie |
Can't Slow Down es el segundo álbum de estudio en solitario del artista estadounidense Lionel Richie. Fue lanzado el 11 de octubre de 1983 por Motown Records. Ha vendido más de 20 millones de copias y es el álbum más vendido de Richie de todos los tiempos. Se lanzaron cinco sencillos de Can't Slow Down, todos los cuales llegaron al top ten de la lista Billboard Hot 100, incluidos dos que alcanzaron el número 1: "All Night Long (All Night)" y "Hello". El álbum también ganó el Premio Grammy por Álbum del Año en 1985.
El álbum alcanzó el número 1 en la lista de álbumes de Billboard. También pasó 59 semanas consecutivas dentro del Top 10 (incluido todo el año de 1984) y un total de 160 semanas (durante tres años) en el Billboard 200. Después de ser el tercer álbum más vendido de 1984, Luego ganó un premio Grammy por el Album del Año en 1985, superando a contendientes de peso pesado como Born in the U.S.A. de Bruce Springsteen y Purple Rain de Prince. Para 1986, el álbum había vendido 15 millones de copias, eventualmente vendiendo más de 20 millones.
Portada trasera del album lp Can´t Slow Down de Lionel Richie
Can't Slow Down logró la hazaña de que cada sencillo lanzado alcanzara los diez primeros en la lista Billboard Hot 100. Dos canciones, "Hello" y "All Night Long (All Night)", llegaron al número 1. Otros éxitos incluyen "Stuck on You" (EE. UU. n.º 3), "Running With the Night" (EE. UU. n.º 7) y "Penny Lover" (EE. UU. n.º 8). La balada "The Only One" fue un canción importante del álbum que nunca se lanzó como sencillo, pero sigue siendo un elemento básico popular de las presentaciones en vivo de Richie.
El sencillo "Stuck on You" también alcanzó el puesto 24 en la lista Billboard Hot Country Singles & Tracks (ahora Hot Country Songs).
Gatefold ó Funda interior desplegable del album lp Can´t Slow down de Lionel Richie
Para 1983, Lionel Richie se había convertido en la estrella más grande de Motown casi por defecto. Con Stevie Wonder siempre como una ley en sí mismo cuando se trata de lanzar álbumes y Diana Ross, Marvin Gaye y Michael Jackson dejando el sello, se necesitaba un lanzamiento significativo en el muy elogiado 25º año del sello.
El album Thriller de Jackson fué la nueva marca de agua en el pop/soul comercial. Richie, posiblemente el rival más cercano de Jackson en ese momento, había visto a Jackson regresar a su antiguo sello solo por una noche en el 25 aniversario de Motown en mayo de ese año y eclipsar a todos con su versión de Billie Jean. Aunque su álbum debut en solitario homónimo de 1982 había sido un paso seguro lejos de los Commodores, Richie sabía que el listón había subido para su segundo álbum en el que estaba trabajando actualmente.
Richie aceptó el desafío y creó Can't Slow Down, un álbum que se volvió casi tan omnipresente como el hito de Jackson. Hecho por alrededor de 50 personas, es uno de los álbumes más fluídos y producidos de los 80´s.
Can't Slow Down es realmente muy bueno, el último momento verdadero de Richie como baladista de vanguardia. Stuck on You está en la línea de las canciones de amor de Commodores, Sail On y Easy; Penny Lover y The Only One son dulces y seductoras. Aunque se convirtió en el hazmerreír en algunos sectores debido a su video con la niña ciega haciendo una estatua de la cabeza del cantante con plastilina, el cierre del álbum Hello mostró el oficio que Richie había hecho su marca de calidad.
Y aunque prácticamente todo su viejo grano de Commodores se había desgastado, todavía había un mínimo de pinchazos en la canción principal, Running with the Night y el alma nocturna de Love Will Find a Way, es como el equivalente musical de la cocina, una comida gourmet: un chorrito de piano por aquí, una pizca de sintetizador por allá; sabroso y dulce.
Funda-portada del sencillo de 7", 45rpm All Night Long editado en Japón en 1983.
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| Da click en esta imagen para ver otras portadas de discos sencillos 45rpm/7" |
Lanzado justo antes del álbum, All Night Long (All Night) es uno de los últimos grandes sencillos de Motown. Con un ritmo contagioso y cadencioso y un desglose de galimatías, Richie creó una obra maestra de la danza.
Can't Slow Down fué, por supuesto, un gran éxito, vendió más de ocho millones de copias y obtuvo varios premios Grammy. Además, estableció a Lionel Richie como el cantante de baladas favorito de millones y, a diferencia de muchos otros discos realizados a mediados de los 80, todavía es muy escuchable.
Funda interior del lp Can´t Slow down con letras de canciones lado 1
Funda interior del lp Can´t Slow down con letras de canciones lado 2
Breve reseña de las canciones.
Se abre con la canción principal "Can't Slow Down", producida y arreglada por David Cochrane y el mismo Richie, y emana rígido, entretejiendo arreglos rítmicos intrincados con un ritmo sintetizado contemporáneo, y aunque es una canción realmente buena, el álbum no se puso en marcha hasta "All Night Long (All Night)", donde Lionel canta con añoranza sobre un fondo de reggae-disco y la diferencia entre su añoranza y la vivacidad de la canción es muy conmovedora.
La balada "Stuck on You" es la canción más sexy y romántica del disco. La canción difiere de las otras composiciones de Richie, ya que muestra una influencia country pop en lugar de R&B. Como tal, la foto de portada del sencillo muestra a Richie con un sombrero de vaquero y, de hecho, "Stuck on You" alcanzó el puesto 24 en la lista de países. "Stuck on You" alcanzó el número uno en la lista Adult Contemporary, el séptimo tope de la lista AC de Richie.
Sin embargo, el talento de Lionel se muestra realmente con la abrumadora "Penny Lover", una de las mejores y más poderosas canciones jamás escritas sobre una chica que te pasa Desde la primera línea (Richie y su amada esposa Brenda están acreditados como los escritores) hasta el final, es una balada de última generación sobre el amor a primera vista y el verdadero desamor. Es una declaración poderosa y Lionel la canta con una grandeza que se acerca a lo sublime. Su mensaje universal cruza todos los límites e infunde la esperanza de que no es demasiado tarde para encontrar el amor verdadero o encontrar consuelo interior. Dado que a menudo es imposible en el mundo en que vivimos empatizar con los demás, siempre podemos empatizar con nosotros mismos. Es un mensaje importante, realmente crucial, y está bellamente expresado en este álbum.
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Krokus Metal Rendez-vous (1980)
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| Portada frontal del album lp de Krokus Metal Rendez-vous |
Metal Rendez-vous es el cuarto álbum de estudio de la banda suiza de hard rock Krokus, lanzado en junio de 1980. Es el primer lanzamiento de Krokus que presenta al vocalista Marc Storace; Chris von Rohr se había desempeñado anteriormente como el vocalista principal de la banda, pero aparece en Metal Rendez-vous como el bajista de la banda. La pista "Heatstrokes" se ubicó en el número uno en las listas británicas de heavy metal y podría decirse que abrió mercados para Krokus en Gran Bretaña y los Estados Unidos, junto con "Bedside Radio" y "Tokyo Nights". Curiosamente, la canción "Tokyo Nights" presenta un ritmo de reggae en la mitad. El álbum vendió más de 150.000 copias en Suiza y fué certificado Triple Platino.
La compañía británica Rock Candy Records reeditó el álbum en CD en 2014.
Anuncio promocional del album Metal Rendez-vous de Krokus editado por Virgin Records & Tapes .png)
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Siete de las canciones de Metal Rendez-vous: "Heatstrokes", "Bedside Radio", "Streamer", "Shy Kid", "Tokyo Nights", "Lady Double Dealer" y "Fire", junto con una octava canción, titulado "Sweet Inspiration", se mostró originalmente con el cantante Henry Fries, quien lideró la banda durante un período en 1978/'79 antes de ser reemplazado por Storace. Las demostraciones de Fries están disponibles digitalmente en iTunes bajo el nombre de Henry Fries & Friends. En 1982, Fries y sus compañeros ex alumnos de Krokus, Jürg Naegeli y Tommy Kiefer, lanzaron el álbum Downtown Cocktail bajo el nombre de Henry Freis & The Cityleaders.
Krokus, como los recordamos hoy, nació efectivamente hace 40 años con el lanzamiento de su cuarto estudio de larga duración, Metal Rendez-Vous, el primero con el hombre frontal de origen maltés Marc Storace.
De manera igualmente significativa, este álbum vio a los rockeros suizos abandonar todas sus pretensiones de rock progresivo de principios de carrera para abrazar el hard rock y, digámoslo, simplificar sus canciones para que incluso los fanáticos estadounidenses pudieran entenderlas fácilmente ("Back-Seat Rock ' n' Roll”, ¿alguien?).
Pero siempre me ha parecido extraño que tantas personas se fijen únicamente en AC/DC cuando hablan de las influencias de Krokus, no es que esté negando la deuda sónica obvia en canciones como "Heatstrokes", "Bedside Radio" y "Lady Double Dealer”, o incluso el descarado informe policial de la contraportada de este álbum, claramente copiado de High Voltage.
Portada trasera del album lp de Krokus Metal Rendez-vous
No, solo digo que los Scorpions de Alemania (y más tarde Accept con Headhunter) fueron una gran influencia en los euro-head-bangers como "Come On" y "Fire", así como en los "Tokyo Nights" con sabor a reggae, que no existiría sin “Is there Anybody There?” de Scorpions, del increíble álbum Lovedrive de 1979.
Por cierto, estas dos últimas canciones presentaban solos distintivos, no del guitarrista principal nominal de Krokus, Fernando von Arb, sino de su subestimado camarada Tommy Keifer, y quizás nunca hubiera sabido esto si Storace no se hubiera entusiasmado con ellos en una reciente, retrospectiva súper esclarecedora de Krokus en LouderSound.
Anuncio promocional de gira y album Metal Rendez-vous de Krokus
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Hazte un favor y léelo, porque no tienes que ser un súper fanático (no lo soy) para maravillarte con los altibajos del apogeo de la banda en la década de 1980, o reírte de sus letras a menudo cómicas, escritas con un Diccionario suizo-alemán-a-inglés en mano, según el bajista y fundador Chris von Rohr.
“Fuimos con lo que sonaba bien y encajaba con la música”, se encogió de hombros, una excusa mejor que la que muchas bandas estadounidenses de hair metal podrían esconder.
Y, con letras de mierda o no, Metal Rendez-Vous logró ampliar la audiencia de Krokus, particularmente en el Reino Unido, donde la nueva ola de heavy metal británico estaba de moda en 1980, posicionando al grupo para un ascenso emocionante y una caída traumatizante. en los años que siguieron.
Mierda, y sigo pensando que la imagen de portada es bastante graciosa.
Scorpions - World Wide Live -1985 - (2015, 50th Anniversary Deluxe Edition)
World Wide Live es el segundo álbum en vivo de la banda alemana de hard rock y heavy metal Scorpions, publicado en 1985 a través de Mercury Records. A diferencia de Tokyo Tapes (su primer album en vivo), solo contiene canciones grabadas con Matthias Jabs y además fué el primero de sus registros en vivo en ser lanzado en formato cassette, cd, doble disco de vinilo y en VHS. Por su parte, su grabación se realizó en cinco ciudades durante 1984 y 1985, dentro de la gira promocional de Love at First Sting. La grabación de audio original fue producida por Dieter Dierks.
En 2015 y por motivos de la celebración del cincuenta aniversario de la banda, tanto el disco como el registro audiovisual fueron remasterizados.
Interior del digipack de 50 Aniversario del album World Wide Live de Scorpions
Como ya se mencionó el álbum en vivo se lanzó originalmente como un conjunto de vinilo de 2 LP, con una portada plegable (gatefold) y en un cassette. Las notas del transatlántico contienen una lista de miembros del equipo, información sobre la fecha de la gira y cuándo se grabaron los espectáculos:
Scorpions World Wide Live LP front cover
Scorpions World Wide Live LP back cover
El lanzamiento inicial del CD incluía 15 pistas (dejando caer "Another Piece of Meat", "Six-String Sting" y "Can't Get Enough", partes 1 y 2, debido a limitaciones de tiempo), pero la edición remasterizada de 1997 presenta el álbum original completo.
Tras el éxito que generó Love at First Sting, el sello aprovechó de grabar el segundo disco en vivo de la banda. Para ello escogieron grabar las canciones en varias presentaciones, dadas entre 1984 y 1985, durante la gira Love at First Sting Tour. Las fechas, recintos y ciudades fueron escogidos de la siguiente manera: Palais Omnisports de Paris-Bercy de París, Francia (29/2/84), The Forum de Los Ángeles (California) (24/4/84-25/4/84), Sports Arena de San Diego (California) (26/4/84), Sporthalle de Colonia (Alemania) (17/11/84) y en el Pacific Amphitheatre de Costa Mesa (California)(28/4/84).
Cartel promocional del World Wide Live publicado por PolyGram Records
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Paralelo al registro de audio, el sello además decidió publicar un registro audiovisual con un foto montaje de la gira, entre ellas imágenes de los conciertos dados en el Madison Square Garden de Nueva York, el Rosemont Horizon de Rosemont y en el Reunion Arena de Dallas.
El album de se publicó el 20 de junio de 1985 en Europa a través de Harvest/EMI y en los Estados Unidos por Mercury Records. Fue puesto a la venta en formato disco de vinilo, cassette y disco compacto, pero este último no incluyó las pistas «Another Piece of Meat», «Six Sting String» y «Can't Get Enough», parte uno y dos. Además y solo días después, se lanzó en VHS que incluyó solo diez canciones en vivo y «I'm Leaving You», como canción en los créditos finales.
Parte de la portada frontal-trasera del digipack de 50 Aniversario del album World Wide Live de Scorpions
Hasta el día de hoy es el álbum en vivo más exitoso de la banda, ya que ubicarse en los top veinte en varios países, como por ejemplo en Alemania, donde alcanzó el cuarto lugar en la lista de discos, mientras que en los Estados Unidos llegó hasta la posición 17 en los Billboard 200. Además es el más vendido de sus registros en directo, con un millón de copias vendidas solo en los Estados Unidos, cuya certificación de disco de platino fue otorgada en 1986. Por su parte, el VHS también recibió disco de oro en dicho país tras vender más de cincuenta mil copias.
Anuncio promocionando el album World Wide Live en sus diferentes formatos incluyendo los de video, Beta y VHS
Librillo incluído en la Edición de 50 Aniversario del album World Wide Live
Los Scorpions han realizado numerosos y brillantes albumes de estudio pero en primer lugar y principalmente ellos siempre han sido una fantástica banda en vivo, y probablemente una de las mejores que el mundo haya visto. Sus presentaciones son intensas, electrizantes y llenas de momentos mágicos. Muchas de sus más grandes canciones solamente revelan todo su potencial cuando la banda las interpreta en frente de una audiencia, y entonces, realmente ellos te rockean como un huracán. La idea detrás de World Wide Live, la segunda grabación en vivo de los Scorpions después del Tokyo Tapes de 1978, era atrapar a la banda en la cima.
Funda y portada frontal del sencillo de World wide Live lanzado al mercado.
Anuncio publicado en las páginas de la revista Sounds, el 22 de junio de 1985
