Kansas - Audio-Visions (1980)

Séptimo album de estudio de la banda estado unidense de rock progresivo Kansas. Fué lanzado al público en 1980 bajo el sello Kirshner.

Audio-Visions fué el último album realizado con la alineación original de la banda y el último album certificado como Disco de Oro por la RIAA en Diciembre de 1980.

"Hold On", la tercera canción del album fué el primer sencillo del album y la última canción grabada por la alineación original del grupo en obtener un lugar - 40 - en los Top 40.

El segundo sencillo del album fué la canción "Got To Rock On", puesta al público solamente como disco de 12" y con una versión en vivo de la misma canción en el lado B del disco promocional.

La canción número 8 del album "No One Together" originalmente se compuso para el album previo Monolith pero fue eliminada de ese álbum debido a una discusión entre Walsh y Livgren sobre cuál canción debería ser incluída (con Walsh ganando la discusión quedando su canción, "How My Soul Cries Out You" incluída) y quedó en este álbum en su lugar.

Musicalmente, prácticamente continuó lo que se había comenzado con "Monolith": simplificando el sonido de la banda en un híbrido AOR / hard rock más directo.

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Jorge Reyes - Comala (1986)

Comala es el tercer disco del músico y compositor Jorge Reyes, fué publicado en el año 1986 bajo el sello Producciones Exilio.

Género: Etnorock.

Comala es uno de los CD más importantes de Jorge Reyes. Es, como de costumbre, una profunda música chamánica mexicana nativa americana. El aumenta su acústica étnica con sintetizadores, procesadores y otros accesorios electrónicos. Esos implementos modernos intensifican la espiritualidad y la profundizan. También le dan a la antigua música ritual un sentimiento más contemporáneo y un aura que permiten e invitan a participar a más oyentes. En general, los extras mejoran la experiencia total. Hay algunos oscuros sobretonos para estos procesos. Reyes usa un drone profundo para acentuar esas texturas. Las misteriosas grabaciones de campo y los sampleos lo llevan al límite.  Este clásico difícil de encontrar atraerá a los fanáticos de Harald Grosskopf, Robert Rich, Steve Roach y Suso Saiz. Para coleccionistas serios, es esencial.

allmusic.

Lstn

“COMALA” MUSICAL DE JORGE REYES
Roberto Ponce
¿Por qué no simplemente la muerte y no esta música tierna del pasado? (Juan Rulfo, Pedro Páramo)
Tiene razón Jorge Reyes cuando explica Comala, su grabación más reciente como “música sugerente”, como “un intento de restituir a la música su carácter ritual, perdido al ser concebida (cual) simple mercancía de entretenimiento que se oye de fondo y sin exigir ninguna creatividad del escucha” (Tiempo Libre, 24 septiembre de 1987)

Y es que Comala no sólo rebasa el término de “música de programa” acuñado por Liszt (Gesammelte Schriften, 1880-1883), así como la mera utilización de instrumentos prehispánicos y aquellos otros electrónicos de hoy

Comala demanda la atención del escucha, a la vez que reta su capacidad para imaginar y evaluar este disco.

Como bien sugiere Gaetan Picon (La estética y la crítica, 1957), elegimos concientemente una obra artística para amarla y gustarla, más que para dictar juicios, sin embargo, las explicaciones abundantes que Jorge Reyes ha emitido a la prensa acerca de Comala sobrarían, si no estuviesen dirigidas a que público y crítica comprendamos mejor su intención al grabar el acetato

Por principio, Reyes partió de las citas sonoras y musicales contenidas en Pedro Páramo (1955), para recrear la atmósfera del valle de Comala, aquello que Rulfo sitúa “sobre las brasas de la tierra, en la mera boca del infierno”.

En el entendido de no intentar la musicalización de la novela ni de una ópera rock rulfiana, pidió a Saide Sesín (Danza macabra, UAEM, 1983 y danzante de concheros desde 1970), la elaboración de los poemas que vibran en tres de los seis cortes (“Comala”, “Hekura”, “El ánima sola”)

“Reyes necesitaba meter voces contó a Proceso —para que en pocas palabras se dijeran muchas cosas que provocaran y evocaran sonidos: que fueran breves y que la gente jugara con ellas y las identificara como quisieran que la voz fuera parte de la composición”

“Ese es el sentido de los poemas: quedaron medio ocultos para que el escucha los recree Pero la fuerza de la palabra ahí está, utilizada en la música”

Saide Sesín ejecuta una danza con coyolis durante Nadie se libra de Tamohuanchan (paraíso terrenal azteca: “buscamos nuestro morada” según Sahagún) y su voz se escucha en otros de momentos de este viaje de Reyes, que ella define como “su lado oscuro” en contraposición a los que grabó anteriormente, Ek-Tunkul y A la izquierda del colibrí (con Antonio Zepeda, en Proceso 490).

Y así como en Pedro Páramo el orden cronológico se fractura, Reyes llamó a músicos que van “siempre con la idea de recrear un concepto: la estructura de Comala se basa en patrones rítmicos repetitivos, circulares, que detienen el tiempo, traslocan la secuencia temporal para dar un ambiente sobrenatural”.

La voz zen de Arturo Meza (Suite Koradí, 1985; Sin título, reedición 1987) participa, así como su tañido en el tambor rarámuri y su grito de eco En Nadie se libra pulsa el “mezáfono”, instrumento que él mismo define:

“Es el principio de reverberación acústica; un circuito de alambres, barras metálicas y barras en espiral, montado sobre una estructura de madera”

El pianista Humberto Alvarez, exintegrante de los Grupos de rock MCC y Casino Shangai, colabora en la mitad de discos, donde destaca su composición Adiós mi acompañamiento

El piano preparado de Alvarez ofrece sonidos de notas altas y bajas que Reyes marca con ritmos de teponaztle; el chicahuastle y los efectos de viento redondean la única pieza incidental no escrita por Reyes.

Los cinco integrantes de La Tribu (Agustín Pimentel, Alejandro Néstor Méndez, David Méndez) apoyan en cuatro temas con instrumentación y efectos múltiples

El espectro creativo de La Tribu se manifiesta con danza y música del cuerpo; percusiones varias, cantos, guitarras, violines huicholes, chirimía y otros, hasta una voz telefónica.

Hay dos intenciones evidentes en la adhesión de Héctor Rovirol: su fuego encendido en el estudio durante La diosa de las águilas recuerda la línea de Rulfo: “lluvia, intermitente, fría hirviendo en su propio hervor” Y el agua de Nadie se libra corresponde a esa otra “lluvia menuda, extraña para estas tierras que sólo saben de aguaceros”.

También, aquí, como en el tema del disco, los cantos ceremoniales de María Sabina tomados de una grabación de campo y adecuados a la tecnología moderna mediante un samplin, llevan el rezo y el rito.

Grabado por Francisco Miranda en el estudio Crystal de Polygram, Comala atrajo el reconocimiento Pieter Boer (sonido de Siguiendo la línea, el elepé con música de Kerygma) para la afortunada mezcla final.

Como Juan Preciado en búsqueda del cacique Pedro Páramo, Reyes alguna vez también inició la senda hacia Comala, y atrapado por varias lecturas de la novelas, se lanzó a “el lugar de la ruptura de los vientos” con música.

Rumor del silencio en un pueblo lleno de ecos; de risa ya viejas con cansadas de reír; con días de viento arrastrando hojas donde no hay árboles Palabras sin sentido como las que se oyen durante los sueños Lugar donde se ventila la vida cual murmullo, donde rezan las mujeres y se oyen los goznes de la tierra que giran enmohecidos.

Reyes se adentró a la recreación de Comala para hallar la libertad de creación a partir de un concepto, para encontrar al público y reencontrarse otra vez en la senda independiente, autogestiva que lo caracterizó cuando tocaba con el grupo de rock Chac-Mool.

Su música ha sido utilizada en promocionales televisivos (aparece de fondo en la telenovela El rincón de los prodigios, de Televisa) sin que él lo haya consentido Esta grabación independiente lo ha hecho más popular que cuando Polygram distribuyó su trabajo anterior con Zepeda.

Comala: Jorge Reyes (con Humberto Alvarez, Arturo Meza, Saide Sesín y La Tribu) Producción Emilio LEX 001, 1987

Proceso.

Notas Originales del CD

El collage musical para viajar por rutas desconocidas al umbral del tiempo Comala, lugar de la ruptura de los vientos. Espacio incierto en donde deambulan los muertos vivientes al paso de murmuraciones que se escuchan por ráfagas. Fragmentos de un recuerdo, voces que se desprenden de las ruinas, caer del agua por los tejados, gota a gota, sonido a sonido, como la memoria de Pedro Páramo en la Media luna.

Para lograr esta atmósfera nocturna, fantasmal, no exenta de sentido del humor, Jorge Reyes recurrió al collage de sonidos, instrumentos, épocas, ritmos, voces, danzas, poemas y, usando todos los medios de grabación como un instrumento más, consiguió una estructura musical muy diferente a la de sus trabajos anteriores. Comala, tercer disco solista de producción independiente, presenta la otra (estructura musical) de este compositor mexicano, su lado oscuro, más experimental.

La reunión de gritos primigenios con voces computarizadas, cantos ceremoniales de María Sabina, crepitar del fuego, clavados de pigmeno (registrados durante sus rituales de agua), danzas bailadasen el estudio de grabación, música del cuerpo, cantos y violines huicholes de La Tribu, tambores tarahumaras, voces y mezáfono de Arturo Meza, piano preparado de Humberto Alvárez, poemas de Saide Sesin, desde la portada hasta los textos, pasando por la idea de usar la voz como base rítmica, Comala es la recreación del mito del eterno retorno, tomado a partir de la novela Pedro Páramo de Juan Rulfo.











COMALA  (El lugar de la ruptura de los vientos)

Limbo donde solitario        Páramo sin aire
se transforma                       donde el tiempo
lo vívido en polvo                no respira

ADIÓS MI ACOMPAÑAMIENTO (*)

HEKURA

Despiertan los muertos
a la oscuridad
del silencio

NADIE SE LIBRA EN TAMOHUANCHAN

LA DIOSA DE LAS AGUILAS

EL ÁNIMA SOLA  (Ya se llegó la hora y tiempo)

Da otra vuelta                         A lo lejos
el infernal círculo                   suena el eco
sobre la podredumbre          del reposo
del olvido

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David Bowie

Blackstar apareció el 8 de Enero del 2016, justamente el día que el artista británico cumplía 69 años. Luego, el domingo 10 de Enero falleció después de una lucha de 18 meses contra el cáncer. Siete días más tarde, Billboard anunció en su sitio web que el disco había escalado hasta el tope de las ventas. Hasta ese entonces, el célebre músico había colado 7 de sus albumes en el Top 10 de Estados Unidos, pero nunca había puesto su bandera en la cima.

Cuando Blackstar llegó a 181 mil copias vendidas en aquel país, se pudo afirmar que había sobrepasado a 25, de Adele. De paso, toda su extensa discografía fué objeto de la curiosidad de los compradores, quienes propiciaron un alza inesperada en las adquisiciones de la producción musical de este fenómeno de la cultura del siglo XX. Fué así como esa misma semana la recopilación de The Best Of Bowie, de 2002, trepó hasta el número 4 de esa lista.

Es posible que la sorpresa haya tenido que ver con esa oleada de renovado interés por el cantante, quién tuvo una inmensa exposición a lo largo de su carrera, pero mantuvo en secreto su enfermedad y lento deterioro. Blackstar fué recibido, además, como el mensaje de un hombre moribundo que se despedía de sus millones de fans. Y no es que las letras de este disco póstumo sean menos abstractas que los de toda su producción anterior, caracterizada por versos que admiten muchas lecturas, sino que al escucharlas trás saber que fueron escritas por un enfermo terminal, se tiene la impresión de estar ante una salida de escena.

El hombre que exhibió hasta el cansancio muchos aspectos de la vida, tanto los luminosos como los oscuros, escogió la mayor discreción para afrontar la muerte. Solo su familia y sus colaboradores más cercanos estaban al tanto del avance de la enfrmedad; y algunos de estos últimos fueron notificado solo porque debían tener una explicación respecto de sus ausencias en lo que, sin embargo, fué un intenso trabajo al que Bowie se sometió en sus últimos días. Tenía que terminar su proyecto musical y una obra teatral que se estrenaría en el off Broadway, en Diciembre del 2015, llamada Lazarus, igual que el del personaje del Nuevo Testamento que vuelve de la muerte. Su Lázaro es un extraterrestre varado en la Tierra, que alberga la esperanza de la inmortalidad.

La noche del estreno, el 7 de Diciembre, Bowie y el director de la pieza salieron a recibir el aplauso del público. Ya estaba muy débil y tuvo que ir a reponerse detrás del telón, pero cuando recuperó el aliento, le pidió al realizador: "Salgamos otra vez". Sería su última ovación. Y la frase postrera para el publico la consignó su esposa, la modelo somalí Imán, quién aquel 8 de Enero compartió en las redes fotos de su marido, acompañadas de una cita suya: "No se a donde voy después de aqui, pero prometo que no será aburrido".

Origen humilde

David Robert Jones nació en Brixton, al sur de Londres, el 8 de Enero de 1947, en una familia humilde. Su madre, Margaret Maggy "Peggy" Burns, de ascendencia irlandesa, trabajaba como acomodadora de cine cuando conoció a su padre, John, tras ser desmovilizado del servicio de la segunda guerra mundial en el Royal Fusiliers. Posteriormente, el señor Jones trabajaría en la publicidad de Barnardo´s, una ONG de caridad para niños.

Ya en el kinder ganó fama de niño superdotado y de gran personalidad. Jamás pasó inadvertido. A los 10 años aprendió a tocar el piano,a los 13, el saxofón (alto, tenor y barítono), teclados (piano, sintetizadores, mellotrón, armónica, stylophone, xilófono, vibráfono), batería, percusión e instrumentos de cuerda, como la viola o el violonchelo, y hasta en el ukelele y el bajo tea-chest (de una sola cuerda y caja de las utilizadas para té).

Naturalmente, también era un gran cantante, con registro de barítono, No solo fué un inovador compositor, productor discográfico y arreglista, sino también una figura fundamental de la música popular por más de medio siglo. E incluso su imagen rebasó los confines de la música para constituir un referente de la cultura por la incorporación a su obra de elementos del teatro, el diseño, las artes plásticas y su actitud personal con respecto al sexo.

Cuando tenía 15, David formó su primera banda, los Kon-rads, de la que se ha dicho que tocaban un primitivo rock´n´roll. Luego pasó de un grupo a otro, hasta que le llegó la hora de hacer una carrera en solitario. Y después de ser mundialmente famoso, todavía volvió a sumarse a agrupaciones. En total, formaría parte de una decena de bandas en toda su vida.

A los 16 años ocurrió algo que lo marcaría. Tuvo una furiosa pelea con su amigo George Underwood, quien llevaba un anillo y le asestó un puñetazo en el ojo izquierdo. Temerosos de que perdiera el ojo, lo tuvieron hospitalizado durante cuatro meses para someterlo a una serie de operaciones. El ojo se salvó, pero quedó con una percepción de la profundidad defectuosa y esa pupila dilatada que le daba una mirada singular y la impresión de que tenía ojos de distinto color. Lo que sí conservó intacta fue la amistad conUnderwood, quien diseñó las portadas de sus primeros discos.

Quizá la prolongada ausencia de la escuela le dio la idea de dejar los estudios. Así lo hizo, y comenzó su carrera musical. En esa etapa de tanteo cayó en cuenta de que su nombre podía ser confundido con el de otro músico, el del cantante de los Monkees, Davy Jones. Decidió entonces cambiarse el apellido y tomó el de Jim Bowie, creador del cuchillo con el mismo nombre.

Difícil comienzo

 En los primeros siete años de incursión en la música, no le fue bien. Sin dejar de insistir en su vocación, trató de ganarse la vida como actor de comerciales y, de hecho, apareció en una publicidad de helados Lyons Maid, pero ese no era su camino: fue rechazado en un casting de Kit Kat.

El éxito llega rápido

En 1969, todo cambió. Su canción ?Space Oddity?, una balada mítica que narraba la historia de Major Tom, astronauta que se pierde en el espacio, salió el 11 de julio, cinco días antes del lanzamiento del Apolo 11. El hit fue usado por la BBC para la cobertura de la llegada a la Luna. Y con la velocidad de un cohete entró en el top 5 de Reino Unido. Lo que siguió no siempre fue como él quería, pero no hay duda de que su carrera entró en una línea ascendente que nunca declinó.

Durante los años 70, David Bowie atornilló su reputación de músico rompedor, siempre capaz de arriesgarse por cotos insospechados y de asombrar a las audiencias con su creatividad. Después de tres años de intensa experimentación, irrumpió en 1972, en plena era del glam rock, con su álter ego Ziggy Stardust,personaje andrógino que se creó a su medida.

El lanzamiento de su quinto álbum, The Rise and Fall of Ziggy Stardust constituyó el génesis del extravagante Ziggy, que llevaba el pelo pintado de rojo y cortado a modo que el copete siempre lucía como un penacho. Iba vestido de llamativos trajes, con botas de plataforma y capas de flecos. Este performance lo catapultó al estrellato. Se volvió una poderosa referencia en la moda, y se ha dicho que su influencia duró más y ha sido más creativo que, quizá, ningún otro ente dentro del pop.

Ver a Bowie actuar como Ziggy fue una experiencia tan impactante que cambió la percepción de una generación en la década de los 70. Su estilo vino a subvertir el concepto de lo que era una estrella. Se transformó en un ícono. Sus actuaciones como Ziggy eran tremendamente teatrales y escandalosas. Podía desnudarse en escena hasta quedar con un taparrabos de luchador de sumo o simular sexo oral con una guitarra.

Con su sexto disco en 1973 vino Aladdin Sane, nombre derivado de un juego de palabras: ?A lad insane? (Un tipo loco). Según él, era una evolución de Ziggy, y también un homenaje a su hermano, que padecía esquizofrenia; de allí que incluyera un característico maquillaje con forma de rayo, que simbolizaba una dualidad tormentosa de la conciencia. Luego apareció otro personaje, El duque blanco. Vestido impecablemente, con camisas de cuello blanco y claras reminiscencias del cabaret alemán de los años 30. Esta caracterización surgió cuando Bowie vivía en Berlín, adonde fue en busca de su rehabilitación de las drogas. Fue una etapa polémica por su vinculación al nazismo, que más adelante atribuiría a los delirios por sus adicciones.

Efectivamente, alguien muy cercano a él afirmó que había llegado a estar ?realmente desquiciado, por sus malas experiencias con las drogas duras?. En 1974 pasó de consumidor de cocaína a una verdadera adicción, que recrudeció en 1976. Ya en diciembre de 1975 había aparecido en una entrevista en televisión completamente intoxicado, casi incapaz de decir una frase coherente. Tras varias sobredosis entre 1975 y 1976, cuando ya mostraba un aspecto alarmante, se fue a Berlín a seguir un tratamiento contra la adicción. Cuando estuvo sobrio, se divorció de su primera esposa, con quien había tenido a su hijo Duncan.

En 1972, cinco años después de que la homosexualidad hubiera dejado de ser un crimen en Reino Unido, David Bowie se declaró gay. Cuatro años después, en 1976, dijo en entrevista con Playboy que era bisexual. En 1983 confesó a una revista inglesa que lo de ser bisexual se lo había inventado para rodearse de un mayor misterio. Y definió esto como el mayor error que había cometido.

Siempre he sido un heterosexual en el armario. Su biógrafo, David Buckley, ha dicho que las declaraciones de Bowie con respecto a su sexualidad han respondido más a una compulsión por burlar los códigos morales que por un verdadero estado biológico y psicológico del ser. Según el escritor, Bowie es un rompe tabúes juega con la intriga sexual por su capacidad de sobresaltar.Probablemente sea cierto que Bowie nunca fue gay, ni siquiera activa y consistentemente bisexual, lo hizo, de vez en cuando, como un experimento, aunque sólo fuera por un sentido de curiosidad y una alianza genuina con la transgresión. Sus comentarios públicos sobre el sexo no tenían otro propósito que no fuese hacer marketing y así recibir más atención a su obra transgresora.

Lo cierto es que Bowie sólo hizo pareja con mujeres. Estuvo casado, entre 1969 y 1980, con Angela Barnett, quien lo estimuló a usar las vestimentas extravagantes que caracterizaron esos años. Y luego con Iman, desde 1992 hasta su muerte. Entre ambas uniones, el Camaleón del rock sostuvo relaciones con Elizabeth Taylor, Bianca Jagger, Marianne Faithfull y Susan Sarandon, entre otras. Con Iman tuvo otra hija, Alexandria Zahra Jones, que nació en 2000.  Original Vanidades.

Deep Purple - Who Do We Think We Are! (1973)

Who Do We Think We Are es el séptimo album de estudio de la banda inglesa de hard rock Deep Purple. Este fué realizado en 1973 y fué el último album en donde participaron el cantante Ian Gillan y el bajista Roger Glover hasta que vino el album Perfect Strangers en 1984.
Who Do We Think We Are fué grabado en Roma en Julio de 1972 y en Walldorf cerca de Frankfurt en Octubre de 1972, usando el Rolling Stones Mobile Studio.

Orientación Musical del Album
Musicalmente, el disco mostró una tendencia hacia un sonido más basado en blues, incluso presentó la técnica del scat singing. Aunque su producción y el comportamiento de la banda después de su lanzamiento mostraron al grupo en crisis, con el vocalista Gillan comentando que "todos habíamos tenido indisposiciones importantes" y que se sentía bastante fatigado, el álbum fue un éxito comercial. Deep Purple se convirtió en el artista más vendido de Estados Unidos en el año de 1973. El álbum también contó con el enérgico sencillo de hard rock "Woman from Tokyo", que ha sido interpretado en varias giras por la banda a lo largo de los años.

Notas Sobre El Album
-Acerca de 'Mary Long', Gillan dijo: "Mary Whitehouse y Lord Longford eran particularmente figuras de alto perfil en ese momento, con actitudes muy reaccionarias ... era acerca de los estándares de la generación anterior, el completo marco moral, vandalismo intelectual - todas las cosas que existen a lo largo de las generaciones ... Mary Whitehouse y Lord Longford se convirtieron en una sola persona, fusionándose para representar la hipocresía que vi en ese momento ".
-A pesar de las ventas masivas, el grupo se desintegró entre muchas luchas internas entre miembros de la banda así como también conflictos con sus managers. La alineación del álbum llegaría a su fin luego de un concierto final en Osaka, Japón, el 29 de junio de 1973.
-"Woman from Tokyo", la primera canción grabada en Julio, es acerca de la gira por Japón por primera vez (aui una parte de la letra como ejemplo: "Fly into the Rising Sun").
-Además de Woman From Tokio, la única otra canción grabada en las sesiones en Roma fué la descartada Painted Horse. El resto fueron grabadas en Frankfurt, después de haber realizado más giras, incluida la de Japón.

Lstn

-El grupo, dividido por las luchas internas, tuvo problemas para trabajar con las pistas que acordaron. Los miembros no se hablaban entre sí y muchas canciones se terminaron solo después de que se programaron los horarios para que pudieran grabar partes por separado.
-Ian Gillan dejó la banda después de este álbum, citando tensiones internas, que se cree que incluyen una riña con el guitarrista Richie Blackmore. Sin embargo, en una entrevista de promoción y apoyo al álbum de regreso del Purple Perfect Strangers, Gillan afirmó que la fatiga y el manejo de la banda tenían mucho que ver con eso.
-Ian Paice dijo respecto al título del album en una entrevista para la revista Melody Maker: "Deep Purple recibe montones de apasionadas cartas ya sea violentamente en contra o a favor del grupo. Las furiosas generalmente comienzan con: ¿Esos del Deep Purple quiénes  se creen que son?".

Wiki

Reseñas que contrastan!
Reseñar algo, siempre es controversial, ya que una reseña está sujeta al muy particular criterio de quién la haga, y por mucho que haga por ser imparcial y ecuánime en su criterio, siempre habrá influencias personales en ella.
A continuación expongo los comentarios más concisos escritos en dos sitios diferentes de la red, totalmente contrarios sobre un mismo album, el Who Do We Think We Are?, leánlos, visiten los sitios de los cuáles dejo el link de acceso, lean la reseña completa y saquen sus propias conclusiones.

sputnik
  music
"Lo que ellos nos dejaron es el séptimo album de estudio de Deep Purple, y es un producto que no representa en lo absoluto de lo que la banda es capaz de hacer."
"Esto hace un disco pobre hecho por una banda desgastada, y solamente como tal se recomienda para los ávidos fans del Purple o para los obsesionados con la alineación MkII. Afortunadamente, Deep Purple se revitalizaría un año después y lanzaría el fantástico Burn." La reseña completa aquí.

BC*blogcritics
"En muchos sentidos, el álbum (Who Do We Think We Are) siempre ha sido eclipsado por clásicos de estudio como In Rock, Machine Head, y el álbum en vivo de platino de 1972, Made in Japan. Todo esto es desafortunado, ya que el álbum es uno de los más fuertes de la banda y se encuentra cerca de la cima del catálogo de Deep Purple en términos de calidad."
"Who Do Think We Are We Are es probablemente el álbum de Deep Purple que he escuchado más a través de los años. Sigue siendo un álbum fuerte casi 40 años después de su lanzamiento, ya que ofrece algunos de los mejores hard rock de la época." La reseña completa aqui.

All Flac!

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Heart - Dreamboat Annie (1976)

Dreamboat Annie es el álbum debut de la banda de rock estadounidense Heart. Por esas fechas, la banda tenía su base en Vancouver, Columbia Británica; el álbum fue grabado en la Columbia Británica primero y lanzado en Canadá por la etiqueta local Mushroom Records en el verano de 1975. Fué lanzado en los Estados Unidos el 14 de febrero de 1976 a través de la filial de Mushroom Records en Los Ángeles. El álbum contiene tres sencillos de éxito que fueron esenciales en la radio FM. El productor Mike Flicker ayudó al grupo a pulir su sonido y obtener un contrato de grabación con el sello.

El Album

Heart, originalmente etiquetada como "female Led Zeppelin" lo que sería en español "la Led Zeppelin femenina", tuvo un debut impresionante con Dreamboat Annie. El álbum fué apropiadamente realizado en el Día de San Valentín en 1976. Producido por Mike Flicker, el álbum tiene un sonido simple y directo que acentúa la dinámica del rock dentro de los instrumentos y las voces. La banda con sede en Seattle grabó el álbum en Vancouver y lo lanzó por primera vez en Canadá en 1975 con el sello Mushroom Records, que en ese momento no tenía un sistema de distribución en los EE. UU. Pero debido a las fuertes ventas y ser programados en radio en Canadá, Mushroom se expandió a los Estados Unidos únicamente para promocionar Heart, comenzando en Seattle y luego trabajando ciudad por ciudad a través de los Estados Unidos, a medida que la popularidad de la banda se extendía. El objetivo final era conseguir un contrato de distribución nacional, pero pronto las relaciones entre la banda y Mushroom se deterioraron debido a avisos cuestionables. El resultado fue que Dreamboat Annie nunca llegó a las alturas que legítimamente se merecía como un álbum de rock de primer nivel con un enfoque original hasta la década de 1980 cuando Mushroom cerró y Capitol Records recogió la distribución del material inicial de Heart.

A mediados de los 1970´s, había muy pocas mujeres que interpretaran y grabaran al estilo de rock del Zeppelin que Heart había desarrollado. Dirigida por la cantante Ann Wilson y su hermana menor, la guitarrista y compositora Nancy Wilson, la banda desarrolló algo desaforadamente fuerte y dentro del ámbito previamente exclusivo para músicos y fanáticos masculinos. Estos fuertes pero melódicos rockeros hicieron una combinación potente que sería copiada en las décadas futuras, pero que fue bastante única en el momento en que Dreamboat Annie se publicó. Pero incluso dentro de este nuevo subgénero, Heart agregó cierta variedad de baladas y números con influencia folklórica, haciendo de este álbum una escucha interesante.

El álbum estalla la puerta con la popular rockera "Magic Man" con un ritmo sencillo y rockero el cuál provee el perfecto telón de fondo perfecto para la voz de Ann Wilson. La canción contiene una larga sección media con acompañamientos extendidos del guitarrista Roger Fisher y el tecladista Howard Leese, lo que le da una sensación más "épica" más allá de su gancho melódico en el verso y el coro. Esta estructura "épica" o "concepto" se extiende al álbum en sí con tres versiones diferentes de la canción principal "Dreamboat Annie". Sin embargo, solo la versión que cierra el lado uno actúa como canción verdadera, una canción folclórica rápida con armonías en capas y guitarra acústica y banjo. Las otras dos versiones con diferentes tipos de sonido son tomas alternativas que se agregaron como relleno.

Lstn

Probablemente la mejor canción que Heart grabaría, "Crazy On You" es una joya absoluta que emplea todos los elementos que hacen a una gran canción de rock. Tiene una introducción acústica en "fingerpicking" que resalta las habilidades de Nancy Wilson, instrumentación divergente en todas partes, ya que la acústica forma un suave colchón para que las dinámicas guitarras eléctricas  penetren melódicamente, un buen riff y un gancho, bellos interludios y una sensación de misticismo ofrecidos por los arreglos de cuerdas. Una vez más, la dinámica y emocional voz de Ann Wilson lleva la canción por encima del tope máximo.

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The Rolling Stones - The Real Alternate Exile On Main Street (2012)

Este es un boxset ultrararo de 6 LP´s/3 cd´s, impreso en Europa, esta edición está limitada a 600 copias y es muy difícil de encontrar por ahora. Contiene sesiones, mezclas alternas, material no realizado, presentaciones en vivo etc...

CD1-1 Get A Line On You (Early "Shine A Light")
Bass – BW* Drums – Ringo Starr Guitar – Chris Stainton Piano – Leon Russell Vocals – MJ* 4:21
CD1-2 Dancing In The Light (Instrumental Outtake) 2:50
CD1-3 Shake Your Hips (Alternate) 4:18
CD1-4 Stop Breaking Down (Alternate) 4:38
CD1-5 Shine A Light (Alternate) 4:01
CD1-6 All Down The Line (Mono) 3:55
CD1-7 Sweet Virginia (Alternate) 4:21
CD1-8 Good Time Woman (Outtake) 3:18
CD1-9 I'm Not Signifying (Outtake) 3:47
CD1-10 Aladdin Story (Instrumental Outtake) 5:16
CD1-11 Potted Shrimps (Instrumental Outtake) 4:02
CD1-12 Loving Cup 2 (Alternate) 5:34
CD1-13 Turd On The Run (Alternate Mix) 2:52
CD1-14 I Don't Care (Outtake) 2:51
CD1-15 Exile On Main Street Blues 1:21
CD1-16 All Down The Line (Alternate) 4:09

CD2-1 All Down The Line (Acoustic Version) 4:37
CD2-2 Loving Cup 1 (Alternate) 6:41
CD2-3 I'm Going Down (Outtake) 3:04
CD2-4 Let It Loose (Instrumental) 5:58
CD2-5 Pass The Wine (Outtake) 4:54 (Taken From Official's "Exile On Main St. Deluxe - Cut)
CD2-6 Plundered My Soul (Outtake) 3:58 (Taken From Official's "Exile On Main St. Deluxe - Cut)
CD2-7 I'm Not Signifying (Alternate) 3:56 (Taken From Official's "Exile On Main St. Deluxe - Cut)
CD2-8 Following The River (Outtake) 4:51 (Taken From Official's "Exile On Main St. Deluxe - Cut)
CD2-9 Dancing In The Light (Outtake) 4:21 (Taken From Official's "Exile On Main St. Deluxe - Cut)
CD2-10 Sweet Black Angel (Instrumental Basis Track) 2:58
CD2-11 So Divine (Aladdins Story) (Outtake) 4:32 (Taken From Official's "Exile On Main St. Deluxe - Cut)
CD2-12 Loving Cup (Alternate) 5:26 (Taken From Official's "Exile On Main St. Deluxe - Cut)
CD2-13 Soul Survivor (Alternate) 3:59 (Taken From Official's "Exile On Main St. Deluxe - Cut)
CD2-14 Good Time Woman (Outtake) 3:21 (Taken From Official's "Exile On Main St. Deluxe - Cut)
CD2-15 Title 16 (Instrumental Outtake) 1:47 (Taken From Official's "Exile On Main St. Deluxe - Cut)

CD3-1 Happy 3:10
CD3-2 Tumbling Dice 5:03
CD3-3 All Down The Line 3:34
CD3-4 Rip This Joint 2:02
CD3-5 Sweet Virginia 4:33
CD3-6 Shake Your Hips 3:03
CD3-7 Rocks Off 4:51
CD3-8 Torn & Frayed 5:00
CD3-9 Shine A Light 5:17
CD3-10 Loving Cup 4:34
CD3-11 Ventilator Blues 3:25
CD3-12 Rip This Joint 2:17
CD3-13 Rocks Off 3:59
CD3-14 Tumbling Dice 5:48
CD3-15 Happy 3:20
CD3-16 All Down The Line 4:02
CD3-17 Loving Cup 5:33
CD3-18 Shake Your Hips 3:29
CD3-19 Bluesberry Jam 3:07
CD3-20 Tumbling Dice 1 4:18
CD3-21 John's Jam 3:32
CD3-22 Tumbling Dice 2 4:13

CD4-1 Instrumental 1972 7:15
CD4-2 Soul Survivor (Early Instrumental Take) 4:04
CD4-3 I Ain't Signifying (Early Take) 4:06
CD4-4 Rocks Off (Pre-Vocal Take) 4:33
CD4-5 Rip This Joint (Early Take) 2:32
CD4-6 All Down The Line (Early Take) 4:01
CD4-7 Sweet Virginia (Taken From Jerry Lewis "Mean Old Man") 3:51
Flac 1, 2, 3

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Motorhead - All The Aces (1998)

All The Aces es un album recopilatorio de la banda inglesa de rock Motorhead realizado en 1993. Con 14 de sus canciones más populares y 8 canciones en vivo nunca antes realizadas originales de The Muggers (una banda formada por "Fast" Eddie Clark y Phil Philthy "Animal" Tatlor de Motorhead con John "Speedy" Keen y Billy Rath.

Lstn

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T. Rex - The Slider Anthology - (1972)

The Slider es el séptimo album de estudio de la banda de rock inglesa T. Rex. Fué realizado el 21 de Julio de 1972 por los sellos EMI y Reprise. Se desprendieron 2 sencillos para promocionar el album "Telegram Sam" y "Metal Gurú". The Slider fué aclamado por los críticos y alcanzó el número 4 en las listas del Reino Unido y el número 17 en los Estados Unidos.

Algunas Anécdotas y Algo de Historia
-Por recomendación de Elton John, The Slider fué grabado fuera de París, en el Château d'Hérouville (Castillo de Hérouville), para evitar las leyes de los impuestos británicos.
-La producción comenzó en Marzo del 72 y las grabaciones básicas fueron terminadas en los Strawberry Studios en cinco días.
-Una de las canciones grabadas en el Castillo fué "Metal Gurú". Bolan describió la canción como una "canción del festival de la vida".
-Más grabaciones fueron hechas a finales de Marzo en los Rosenberg Studios en Copenhague, Dinamarca.
-Los coros de Flo & Eddie fueron grabados en los Elektra Studios en Los Ángeles, en Abril.
-Al igual que todos los álbumes anteriores de T. Rex, The Slider fue producido por Tony Visconti.
-El album indica el crédito a Ringo Star por las fotografías de las cubiertas frontal y trasera del album.
- Las fotografías fueron tomadas el mismo día que Starr estaba filmando el documental de T. Rex "Born to Boogie" en la propiedad de John Lennon, Tittenhurst Park.
- El productor Tony Visconti, sin embargo, niega que Starr haya tomado la fotografía, diciendo "Marc [Bolan] me entregó su Nikon motorizada y me pidió que disparara dos rollos de película en blanco y negro mientras estábamos en el set de Born to Boogie. Ringo, el director de la película, estuvo ocupado todo el día alineando tomas. Pero Marc aparentemente vio una oportunidad de "crédito" fotográfico y le dio el crédito a Ringo por las fotos ".

Wiki

Lstn

Críticas
Haré esta reseña corta y dulce. Compré esta grabación en 1973 después de haberla escuchado por recomendación de un amigo. Había escuchado al T-Rex antes, es decir, sus rolas "Bang un Gong", etc. Pero en este disco Marc Bolan parecía hablarme. Con el paso de los años lo he desgastado, todavía lo tengo y desde entonces lo tengo enmarcado (gran foto de portada de Ringo Starr). Cuando volví a verlo en Amazon estaba emocionado !!! Buen trabajo en la versión remasterizada. Simplemente nítido y claro, como lo recordaba. Bolan dio en el blanco en la letra de este! ¡Recomendaría esto a cualquiera que haya escuchado incluso solo una canción de este genio loco! ¡Gracias a Amazon por ayudarme a volver a capturar un poco de mi juventud!

Este CD es un clásico OBLIGADO, casi sin importar qué tipo de música te guste. Marc Bolan redefinió la innovación y la creatividad, incluso junto a sus contemporáneos (Zeppelin, Hendrix, Floyd, Roxy Music, Yes) en el género del Glam Rock. Su influencia única en el aspecto (sombrero negro de tornillo de corcho ala Linda Perry y Slash), zumbidos superpuestos de guitarras chillaban a través de pulsantes tubos de amplificador Vampower, impulsando ritmos de batería de fondo y un rango de voz ilimitado como un sintetizador de armónica eléctrica. También pedí que el CD de Electric Warrior se escuchara por primera vez y de inmediato me vuelvo adicto. Cada CD representa colecciones perfectamente combinadas sin un mal corte en ninguna de las dos. El mío solo juega todo el tiempo una y otra vez.

Portadas y sellos The Slider LP cortesía de rockfiles.co.uk

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Yes - White Yes Album - (1972)

21 de enero de 1972
Este es uno de los mejores bootlegs de la gira Fragile. Lo mejor en calidad de sonido e interpretación, aunque lamentablemente "Heart of the Sunrise" carece del primer verso (pero retiene la mayor parte de la introducción), "The Fish" también está cortada y parte del solo de "Yours Is No Disgrace" ha sido cortado también. Presumiblemente estas ediciones fueron hechas para que cupiera en el vinilo aquel día, aunque no es tan largo, ¡menos de cuarenta minutos en total!
Tal vez Jon Anderson, compositor y cantante supremo, sea responsable de eso, pero todos los miembros de YES son geniales en sus instrumentos. Por ejemplo: Rick Wakeman. Cuando escuches su solo, el cuál está en la primera pista del lado 2, querrás comprar el disco sin siquiera escuchar el resto. ¡El toca el piano, el moog, el órgano y el mellotron al mismo tiempo!
Además de eso, encontrarás las mejores partes del concierto, como "I´ve Seen All Good People" y "Hearts Of The Sunrise" en el lado 1 y la composición de Anderson "Long Distance" y la maravillosa "Yours Is No Disgrace"en el lado 2.
El álbum es un álbum de música completa, no hay largas y aburridas charlas o aplausos interminables, sino música de Yes en estéreo de alta fidelidad muy bien grabada (en el mejor equipo que hay).
Yes ya hizo 4 álbumes fantásticos, este es el primer álbum "absolutamente en vivo", ¡disfrútalo!

Lstn

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John Lee Hooker - The Big Soul of John Lee Hooker (1963)

The Big Soul of John Lee Hooker fué grabado en Chicago en 1962 y realizado a comienzos del siguiente año por Vee-Jay Records. En el, el hombre del blues explora los sonidos del Soul y del R&B de comienzos de los 60´s, mientras mantiene la esencia de su propio estilo boogie-blues. Su arenos voz es tan pesadamente emotiva e inquebrantable como siempre en estas grabaciones.

Hooker está respaldado aqui por la semilla de una de las más exitosas bandas de estudio de todos los tiempos, la que llegaría a ser conocida tiempo después como "The Funk Brothers" (la banda de estudio Motown), así como también por un maravilloso grupo vocal femenino de coros. Aunque se creía que The Vandellas habían sido las responsables por los dulces coros vocales, evidencia reciente sugiere que esos coros fueron en realidad grabados por Mary Wilson, de las originales Supremes y por The Andantes (como se declaró en la autobiografía de Wilson Dreamgirl: My life as a Supreme).

El album fué ensamblado durante dos sesiones que tuvieron lugar en Chicago durante la segunda mitad de 1962.

Lstn

John Lee Hooker (Clarksdale, Mississippi, 1917 - Los Altos, California, 2001) es ampliamente reconocido como uno de los verdaderos gigantes del blues, junto con Muddy Waters, B.B. King y Howlin´ Wolf . Comunmente conocido como el "Rey de el Boogie", La conducción de John, y el enfoque rítmico al tocar la guitarra se han convertido en una parte integral del sonido y el estilo blues. Mientras que se ha dicho que John Lee Hooker nunca necesito más que una cuerda E en su guitarra y su profundo gruñido para transmitir su música, el fué un verdadero pionero del ritmo urbano y del blues que imperó a mediados de los 40´s. Hooker una vez dijo: "Dejé mi hogar yendo a cualquier lugar, tenía 14...llevando una guitarra y unos cuantos harapos de ropas." Hooker no tenía ningún destino en mente; su único objetivo era dejar Mississippi y evadir los campos de algodón y de maíz.
"Yo viajé de aventón, tomé camiones y trenes - cualquier cosa que pudiera llevarme."
Hooker fué inspirado por la escena de Memphis desde su adolecencia, pero no pudo encontrar mucho refugio cuando llegó ahí.
"Me detuve en Memphis por cerca de seis meses y ellos me encontraron [su familia] y vinieron a buscarme. Me quedé cerca de un mes y partí de nuevo. [risas] No me detuve en Memphis en esa ocasión. Me fuí hacia Cincinnati. Tenía un buen gusto por las ciudades grandes y las luces brillantes. Me quedé ahí hasta que tuve unos 18 ó 19 y entonces me fuí a Detroit". En los 50´s cientos de miles de trabajos en la industria del acero automotriz alentaron a los afro americanos del sur a moverse hacia el norte. Los trabajos eran abundantes en Motor City, pero Hooker se alejó de los trabajos en el día en favor de tocar su único y libre tipo de blues.

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Deep Purple - Live On The BBC (1980)

Grabado por primera vez el 9 de Marzo de 1972 para la BBC, Deep Purple en concierto no fue lanzado hasta 1980 y ¡qué lanzamiento! Esto es Deep Purple al máximo de su juego. Para hacer esta colección aún más espectacular, dos de los mayores éxitos de Deep Purple han sido añadidos como bonus tracks. En 1968, Hush llegó a las listas americanas y subió al número 4. En 1969, River Deep Mountain High alcanzó el puesto # 53 en las listas de Billboard. En River Deep Mountain High, la banda se mantuvo fiel al "muro de sonido" de Phil Spector.

Deep Purple Live On The BBC es efectivamente el álbum Machine Head en vivo, con seis de las siete canciones de ese álbum, seguidas del encore del estándarte del rock and roll de Little Richard, "Lucille".

Deep Purple Live On La BBC también presenta el clásico de Deep Purple, Smoke On The Water. Ponlo todo junto y tienes una colección única en su tipo ...

audiofidelity.net

Este show en vivo (previamente difícil de encontrar) captura la clásica alineación del Mark II de Deep Purple en todo su poder incendiario.
Esta actuación -básicamente la totalidad del entonces recién realizado album Machine Head, con la excepción de "Pictures of Home"-, es fácilmente tan bueno, y en ocasiones mejor que el Made in Japan, grabado cinco meses después.
La banda aparentemente sintió que las cintas de Japón eran de inferior calidad, e inicialmente no las querían lanzar, lo que hace de esta grabación argumentablemente el más potente documento  de un show en vivo del grupo en ese año.
Esta  versión híbrida SACD agrega versiones de estudio de "Hush" y "River Deep Mountain High" de la alineación Mark I para completar el tiempo de reproducción, una de las canciones en vivo, su versión de "Lucille" de Little Richard, solo está disponible en el SACD. Eso significa que cualquier persona que no tenga un reproductor SACD no será capaz de escucharlo, pero podrá reproducir las dos pistas de estudio, una decisión desconcertante que no se explica en las notas del libreto incluído. En cualquier caso, en las cintas en vivo de la BBC se encuentra al Purple golpeando a través de estas canciones como si tuvieran algo que probar.
Aunque en el primer concierto grabado por Deep Purple para las series "In Concert" de la BBC llevado a cabo el 19 de Febrero de 1970 tocaron la tremenda "Child in Time", en el concierto gemelo llevado a cabo el 9 de Marzo de 1972 "Child In Time" se sustituyó por "Maybe I'm a Leo" y "Never Before", dos canciones que además de no "hacerla" en el tracklist del Made In Japan, fueron tocadas para promocionar el nuevo álbum Machine Head, lanzado a fines de ese mes (Marzo de 1972).

allmusic.com

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