Elton John Band Featuring John Lennon And The Muscle Shoals Horns (1981)

Elton John Band Featuring John Lennon And The Muscle Shoals Horns es un disco sencillo (single) de 12" y 45 rpm que contiene 3 canciones extraídas del concierto del 28 de Noviembre en el Madison Square Garden parte de la gira Elton John Caribou Tour. Las tres canciones: "I Saw Her Standing There", "Whatever Gets You Thru The Night" y "Lucy
In The Sky With Diamonds" fueron publicadas juntas por primera vez en 1981 por DJM Records en un disco EP de 7" y 33⅓ rpm titulado 28th November 1974... El sencillo presentado aquí fué editado y publicado por DJM Records también en 1981 pero en tamaño de 12" y 45rpm con una portada ligeramente diferente.

Las canciones

Lucy In The Sky With Diamonds

Elton John grabó previamente "Lucy In The Sky With Diamonds" como un sencillo en su estudio de Caribou Ranch en el verano de 1974 en donde John Lennon hizo su aparición como invitado interpretando coros y guitarra bajo el seudónimo de Dr. Winston O´Boogie & His Reggae Guitars. El lado B del sencillo también fué una composición de John Lennon: "One Day (At a Time)", del álbum de 1973 Mind Games. Al igual que con el lado A, Lennon aparece en el lado B, tocando la guitarra. El sencillo encabezó las listas pop Billboard de EE. UU. Durante dos semanas en enero de 1975, así como la lista nacional de sencillos de la publicación canadiense RPM durante cuatro semanas que abarcando enero y febrero. Esta versión de "Lucy In The Sky With Diamonds" también apareció en el musical documental All This and World War II de 1976.

Whatever Gets You Through The Night

Durante la grabación del album Walls and Bridges de John Lennon (a principios de 1974), Elton John contribuyó tocando el órgano, el piano y armonías vocales para "Whatever Gets You Thru The Night" y con armonías vocales para "Surprise Surprise (Sweet Bird Of Paradox)".  -Elton estaba seguro de que "Whatever Gets You Thru The Night" llegaría al numero 1 y desafió a Lennon a interpretarla en vivo en el concierto previsto para el Día de Acción de Gracias. John Lennon jamás imaginó que la canción ocuparía el primer puesto y se vio obligado a pagar la apuesta cuando descubrió que se había equivocado.-

I Saw Her Standing There 

Por otro lado, la canción cantada por John Lennon en el concierto, "I Saw Her Standing There",  fué publicada originalmente en 1975 en el lado B del sencillo de Elton John: Philadelphia Freedom.

Realizaciones 

Como ya se mencionó anteriormente fué hasta 1981 que las tres canciones fueron publicadas por primera vez juntas, en un EP de Elton John titulado 28th November 1974 y algunas variaciones del mismo. En 1990 las tres canciones estuvieron disponibles en el box set de 4 cds titulado "Lennon" -en el CD3- el cuál fué publicado por Parlophone-EMI. En 1995 las tres canciones se publicaron nuevamente ahora en el Maxi-CD de Elton John titulado Made In England lanzado en el Reino Unido por el sello Mercury Rocket. En 1996 las tres también fueron incluídas en la edición remasterizada del album Here And There de Elton John. La versión de "Whatever Gets You Thru The Night" del concierto se incluyó en una versión remezclada y remasterizada del album Walls And Bridges de John Lennon que se publicó en el año 2005.

 

Notas curiosas

La inspiración para la canción "Whatever Gets You Thru The Night" provino de la televisión nocturna. En diciembre de 2005, May Pang, compañera sentimental de Lennon durante dicho periodo, comentó a Radio Times: "Por la noche a John le gustaba cambiar de canal, y recogía frases de todos los espectáculos que veía. Una vez, estaba viendo al Reverendo Ike, un evangelista negro famoso, que decía: "Permítanme decirles a ustedes, no importa, lo que sea que te lleve a través de la noche" (lo que te permita atravesar la noche). A John le encantó y dijo: "Tengo que escribirlo o lo voy a olvidar". Él siempre mantenía una libreta y un bolígrafo junto a la cama. Ese fué el comienzo de "Whatever Gets You Thru The Night"."

Elton John dijo una vez que: " "Lucy In The Sky With Diamonds" es una canción que nunca toco en un concierto simplemente porque me recuerda demasiado a John Lennon. Es igual a lo que pasa con "Empty Garden" ". Fué parte de su repertorio estándar desde 1974 hasta 1976, y ocasionalmente hasta 1998.

Abbey Road - Datos sobre la portada del album

El diseñador de la portada del álbum Abbey Road fue el director creativo de Apple Records, John Kosh, de 22 años. La fotografía de la portada fue tomada por el fotógrafo Iain Macmillan, a sugerencia de John Lennon. Macmillan era fotógrafo independiente y amigo de John Lennon y Yoko Ono. Según Kosh, la asignación llegó el lunes y se suponía que la cobertura final debía entregarse el miércoles. ¡Así que la portada del álbum más imitada e icónica que se podría haber hecho fue un trabajo apresurado! A Iain Macmillan se le dio solo diez minutos el viernes 8 de agosto de 1969 alrededor de las 11:30 de la mañana para tomar la foto en el paso de la cebra en Abbey Road.

Según el impresor de Macmillan, Richard Heath, Iain más tarde lo recordó como un domingo. Aún así, el diario de Mal Evans, así como los recuerdos de las chicas fanáticas que solían pasar el rato en el estudio en Abbey Road, confirman que el viernes 8 de agosto de 1969 era la fecha.

De todos modos, a Iain le fué dado este boceto hecho por Paul Mc Cartney un par de días antes de la sesión mostrando dónde y cómo debería verse la imagen, y Iain agregó su propio boceto en la esquina superior para confirmar el diseño.

Macmillan recordó: "Toda la idea era de McCartney. Pocos días antes del rodaje, dibujó un boceto de cómo el se imaginó la portada, la cuál llevamos a cabo casi exactamente ese día".

"Tomé un par de fotos de los Beatles cruzando Abbey Road en una dirección. Dejamos que pasara parte del tráfico y luego ellos cruzaron la calle en la otra dirección, y tomé algunas fotos más".

"La elegida finalmente para la portada fue la número cinco de seis. Era la única que tenía las piernas de todos en una perfecta formación de "V", lo cuál es lo que yo quería estilísticamente".

Extracto de un libro electrónico de Kevin Harrington, "¿Who´s The Redhead On The Roof ...?":

"Hacia el final de las sesiones de grabación nos pidieron, a Steve Brendell y a mi, que nos reuniéramos un domingo por la mañana en los Estudios EMI. Iain Macmillan, el fotógrafo, quería tomar algunas fotos de cuatro personas que cruzaban el paso de la cebra fuera del estudio en Abbey Road para mostrarles a los muchachos cómo se vería la idea de la portada del álbum. Para formar el cuarteto, también se reclutaron dos porteros del estudio. Sé que existe una foto de nosotros cuatro, pero no tengo posibilidad de publicarla."

"Iain entonces procedió a mostrarles a los muchachos la foto para la próxima portada del álbum y una semana después la icónica fotografía de la portada del álbum fué tomada. Esta vez Ian trajo una escalera con él, y afortunadamente un policía pasó caminando y amablemente detuvo el poco tráfico que había en esa temprana mañana de domingo un par de veces mientras los chicos cruzaban la calle. Todo terminó en unos 30 minutos más o menos ".

Junto a Mal Evans, Kevin Harrington trabajó como asistente de The Beatles en los álbumes que hicieron en 1968-69. Como verás, el VW Beetle blanco está en el lugar exacto donde quedó para la portada del album y las tomas descartadas. El historiador de los Beatles, Mark Lewisohn, dijo en una serie de conferencias llamadas "Hornsey Road" en 2019 que el propietario había estacionado el Beetle allí, ¡y luego se había ido de vacaciones! Así que permaneció allí por varios días.

The Beatles - Abbey Road (1969)

Abbey Road es el undécimo album de estudio de la banda de rock inglesa The Beatles. Fué lanzado al público el 26 de Septiembre de 1969 bajo el sello Apple. Fué grabado en los estudios EMI, Olimpic y Trident los tres ubicados en Londres. El productor fué George Martin. Se lanzó un sencillo de 2 canciones, "Something" en el lado A y "Come Together" por el lado B de un 45 rpm como promocional del album LP el 6 de Octubre de 1969. Este alcanzó el número 1 en las listas Billboard Hot 100 en los Estados Unidos al siguiente mes.

Abbey Road incorpora géneros como el blues, el pop y el rock progresivo, y se destaca el uso del sintetizador Moog y el altavoz Leslie. El lado dos contiene un popurrí de fragmentos de canciones editados juntos para formar una sola pieza. El álbum fue grabado en medio de una atmósfera más agradable que las sesiones de Get Back / Let It Be a principios de año, pero todavía hubo desacuerdos frecuentes dentro de la banda. Cuando el album fué por fin lanzado al público John Lennon había dejado el grupo secretamente, y Paul McCartney renunció públicamente al año siguiente.

Abbey Road fué un éxito masivo-comercial inmediato (se mantuvo en la punta de las listas de álbumes del Billboard 200 durante 12 semanas) y su estatura ha explotado con los años. Inicialmente recibió críticas mixtas, y algunos críticos describieron su música como no auténtica y se lamentaron de los efectos artificiales de la producción. El New York Times lo calificó de "desastre no mitigado" y Rolling Stone dijo que era "complicado en lugar de complejo".
Sin embargo los fanáticos a menudo lo citan como el mejor disco de los Beatles, y los críticos lo clasifican con frecuencia como uno de los más grandes álbumes jamás realizados. Las contribuciones de George Harrison en "Something" y "Here Comes the Sun" se consideran entre las mejores canciones que escribió para el grupo. Por otro lado la portada del álbum, la cuál presenta a los cuatro miembros de la banda caminando a través de un paso de la cebra fuera de los Abbey Road Studios se ha convertido en una de las imágenes más famosas e imitadas de la música popular y una referencia de la cultura pop. Todos, desde Kanye West hasta Sesame Street, han rendido homenaje a la imagen icónica.

Abbey Road -el último album que grabaron Los Beatles-  

Sesión de fotos.

Las sesiones de grabación de Abbey Road fueron las últimas en las que participaron los cuatro Beatles. Let It Be fué el último álbum que los Beatles completaron y lanzaron antes de la disolución de la banda en Abril de 1970, pero la mayor parte del álbum Let It Be había sido grabado antes de que comenzaran las sesiones de Abbey Road.

La existencia de Abbey Road es prácticamente un milagro: cuando los Beatles salieron de las sesiones de Let It Be, el grupo estaba lleno de tensión y estaba a punto de separarse.

Discutían no solo por la música, su infelicidad con la mezcla de Let It Be retrasó su lanzamiento hasta ocho meses después de que salió Abbey Road, sino también por los negocios. Su sello, Apple Records, estaba demostrando ser una pérdida de tiempo profesional, y el grupo estaba duramente dividido sobre a quién contratar como su nuevo gerente comercial. Pero según la mayoría de los reportes, la grabación de Abbey Road fué relativamente indolora y libre de dramas, tal vez porque los Fab Four sabían que sería su último álbum juntos. "Nadie estaba seguro de que fuera el último, pero se sintió como si fuera así", recordó el productor George Martin en The Beatles Anthology. George Harrison estuvo de acuerdo: "Una vez que terminamos Abbey Road, el juego terminó y creo que todos lo aceptamos".

En lo que respecta a las canciones de despedida, estas podrían ser las mejores que hayan existido. Desde el icónico bajeo de apertura de "Come Together" hasta el ambicioso popurrí del lado 2 y la solemne subversión de "Her Majesty", todo el álbum es un triunfo sin reservas. 

Emerson, Lake & Palmer - Trilogy (1972)

Trilogy es el tercer album de estudio de la banda inglesa de rock progresivo Emerson, Lake & Palmer. Su lanzamiento publico fué el 6 de Julio de 1972, fué publicado por el sello discográfico Island Records. Fué grabado en los Advision Studios en Londres, de Octubre de 1971 a Enero de 1972. El tiempo de reproducción musical es de 42:23 min.

Trilogy fué recibido con los brazos abiertos. Tarkus, su predecesor, fue conceptualmente brillante, pero Trilogy refinó el sonido de la banda y mezcló el repertorio con piezas épicas de forma larga y canciones más cortas y accesibles. Lograr este tipo de equilibrio es quizás la razón por la cual Greg Lake ha dicho repetidamente que Trilogy es su álbum favorito de ELP. Ciertamente no está solo en esa evaluación.

Después del bajo pesadamente distorsionado y el órgano de la iglesia del día del juicio final del  album debut de Emerson, Lake & Palmer, el estimulante rock progresivo de proporciones épicas en Tarkus y la eliminación violenta del aura sagrada de las melodías clásicas en Pictures At An Exhibition, Trilogy, el cuarto álbum de ELP, presenta al trío estableciéndose en pastos más agradables para la multitud. En realidad, el grupo estaba ganando en madurez lo que perdieron en energía bruta. Cada pista de este álbum ha sido cuidadosamente pensada, organizada y realizada a la perfección, un proceso que también incluyó alguna forma de esterilización. La balada acústica de Greg Lake "From the Beginning" puso al grupo en las listas por segunda vez. La adaptación de "Hoedown" de Aaron Copland también produjo un gran placer. Los fanáticos del rock progresivo tuvieron para satisfacerse con "The Endless Enigma" y "Trilogy", ambas composiciones muy fuertes pero con ritmo. Para 1972, las técnicas de grabación y producción de Eddie Offord habían alcanzado su punto máximo. Proporcionó un término exuberante y cómodo al álbum que lo hizo particularmente adecuado para escucharlo en la sala de estar y en la radio FM. Sin embargo, el material carece de un poco de emoción. La trilogía aún pertenece al período clásico de Emerson, Lake & Palmer y no debe pasarse por alto. Para los recién llegados al rock progresivo, incluso puede ser un punto de entrada menos amenazante.

 

ELP ciertamente no tuvo escasez de talento: Keith Emerson tiene que clasificarse como uno de los intérpretes de teclado más talentosos en la historia del rock; Greg Lake siempre fue un excelente bajista y vocalista; y Carl Palmer fue uno de los mejores bateristas de la época. En su mayor parte, esos talentos se fusionaron maravillosamente en Trilogy. La sinergia acumulada en sus dos primeras grabaciones generó confianza y una sensación de alegría en el estudio que ayuda a que Trilogy parezca menos pesado que otros esfuerzos de rock progresivo. Sí, se van por la borda en algunos puntos y pierden mi interés, pero en su mayor parte, Trilogy es una experiencia auditiva atractiva y a menudo emocionante.

El sonido de un latido abre "The Endless Enigma", una costumbre que luego abriría "A Passion Play" de Jethtro Tull, "The Dark Side of the Moon" de Pink Floyd y "Queen II". No estoy seguro del propósito del latido del corazón en las dos últimas obras, pero en la obra de Tull, el latido del corazón es un dispositivo de trama utilizado para describir la desaparición de Ronnie Pilgrim cuando se detiene al final del pasaje de apertura. El propósito de "The Endless Enigma" es enmarcar el tema del significado de la vida misma, no en un sentido cósmico sino en la vida en el contexto de la cultura humana. Llegaremos a la historia en un momento, pero quiero pasar un tiempo en la introducción, que es uno de mis pasajes de apertura favoritos en cualquier álbum. Los sonidos espeluznantes que Keith Emerson crea en el Moog, combinados con ejecuciones repentinas de piano y bongos que se desvanecen, establecen una sensación de misterio: la manifestación musical de un enigma, de incertidumbre dentro del alma. Cuando los bongos se estabilizan para cambiar la dirección y Greg Lake entra con un bajo insistente y lineal, lo que escucho es la inquietud del alma despierta; Cuando la música cambia de nuevo a un ritmo constante de rock con teclas deliciosamente rápidas, el alma está lista para desafiar el enigma. Después de que la banda ralentiza el tempo para proporcionar una presentación adecuada, Greg Lake comienza su voz. Su papel no es del todo común en el sentido del hombre común, sino de la humanidad personificada, que abarca la experiencia de la historia humana. Lo interesante es la perspectiva. Al principio, no sabemos con quién está hablando el narrador; sin embargo, en los últimos versículos de la secuencia, el narrador admite que todos los pecados que parece atribuir a otros son suyos. Esta es la humanidad mirándose en el espejo.

Why do you stare

Do you think that I care?

You’ve been misled

By the thoughts in your head

Your words waste and decay

Nothing you say

Reaches my ears anyway

You never spoke a word of truth

Why do you think

I believe what you said

Few of your words

Ever enter my head

I’m tired of hypocrite freaks

With tongues in their cheeks

Turning their eyes as they speak

They make me sick and tired

Are you confused

To the point in your mind

Though you’re blind

Can’t you see you’re wrong

Won’t you refuse

To be used

Even though you may know

I can see you’re wrong

Please, please, please open their eyes

Please, please, please don’t give me lies

I ruled all of the earth

Witnessed my birth

Cried at the sight of a man

And still I don’t know who I am

I’ve seen paupers as kings

Puppets on strings

Dance for the children who stare

You must have seen them everywhere

Scorpions _ Blackout - Portadas

Portada frontal del album Blackout de Scorpions, primera edición, Alemania, Mercury Records.

Vista del Disco LP del album Blackout de Scorpions, primera edición, Alemania, Mercury Records, lado A.

Vista del Disco LP del album Blackout de Scorpions, primera edición, Alemania, Mercury Records, lado B.

Funda interna del disco LP del album Blackout de Scorpions, primera edición, Alemania, Mercury Records, letras.

Funda interna del disco LP del album Blackout de Scorpions, primera edición, Alemania, Mercury Records, foto de la banda.

Portada trasera del album Blackout de Scorpions, primera edición, Alemania, Mercury Records.

Elton John - Captain Fanastic And The Brown Dirt Cowboy (1975)

Captain Fantastic and the Brown Dirt Cowboy es el noveno álbum de estudio de Elton John. El álbum es un relato autobiográfico de las primeras carreras musicales de Elton John (Captain Fantastic) y su letrista a largo plazo Bernie Taupin (Brown Dirt Cowboy). Fué lanzado al publico en Mayo de 1975 por MCA en Estados Unidos y DJM en el Reino Unido y fue un éxito comercial instantáneo.

El álbum alcanzó el número 1 en su primera semana de lanzamiento en el Billboard 200 de EE. UU., El primer álbum en lograrlo, según los informes, vendió 1,4 millones de copias dentro de los 4 días posteriores al lanzamiento, y se mantuvo en esa posición en la lista durante siete semanas. Aunque todos aparecerían en álbumes posteriores como músicos invitados, este fue el último álbum con la formación original de Elton John Band (el guitarrista Davey Johnstone, el bajista Dee Murray y el baterista Nigel Olsson). Murray y Olsson, que habían formado la sección de ritmo de John desde 1970, fueron despedidos antes de la grabación del álbum de seguimiento Rock of the Westies, mientras que Johnstone se iría en 1978. Este fue el último álbum hasta Too Low for Zero que Elton John y su banda clásica tocaría juntos.

Fué certificado Gold basado en pedidos previos al lanzamiento a principios de mayo de 1975, dos semanas antes de que fuera lanzado oficialmente, y fue certificado Platino y Triple Platino en marzo de 1993 por la RIAA. En Canadá, también debutó en el número 1 en la lista nacional de RPM Top Albums y solo rompió una racha de lo que habría sido quince semanas consecutivas en la cima al caer una posición al número 2 en la novena semana (31 de mayo al 6 de septiembre) . En la lista de álbumes del Reino Unido, alcanzó el número 2. En 2003, el álbum ocupó el puesto número 158 en la lista de la revista Rolling Stone de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos, manteniendo la calificación en una lista revisada de 2012. 

Escrito, según el letrista Bernie Taupin, en orden cronológico, Captain Fantastic es un álbum conceptual que da una idea autobiográfica de las luchas que John (Captain Fantastic) y Taupin (Brown Dirt Cowboy) tuvieron en los primeros años de sus carreras musicales en Londres. (de 1967 a 1969), que condujo al avance eventual de John en 1970. Las letras y fotos del folleto adjunto están imbuidos de un sentido específico del lugar y el tiempo que de otra manera serían raros en la música de John. John compuso la música en un viaje en barco desde el Reino Unido a Nueva York.

Cuidado de los discos - Anuncio Columbia Records

A muy pocos años de la creación de los discos estereofónicos de microsurco y vinyl era muy común encontrar en las fundas internas de los discos publicidad impresa de los catálogos de las compañias grabadoras, publicidad técnica sobre los adelantos tecnológicos en los discos de las mismas compañías o consejos para disfrutar al máximo esos adelantos en nuestro hogar, o la forma correcta de cuidar tanto nuestros discos como las agujas de reproducción.

La funda ( o sleeve en inglés) mostrada aqui arriba mostraba dos consejos, uno sobre la forma correcta de cuidar nuestros discos y el segundo la forma correcta de cuidar la aguja fonográfica reproductora de el disco de vinyl. La publicidad estaba impresa en un lado de la funda interna de papel, del otro lado vemos una muestra del catálogo disponible para el amante de la música.

La funda venía dentro del disco de Jo Stafford Swingin´ Down Broadway publicado en 1958. La compañía discográfica editora y productora era Columbia Records.

Paul Rodgers - Muddy Waters Blues -A Tribute To Muddy Waters- (1993)

Muddy Waters Blues es el segundo album como solista de Paul Rodgers, cantante, compositor y multi-instrumentista inglés, ex vocalista de los grupos Free y Bad Company. El album se publicó bajo el sello Victory Music y fué producido por Billy Sherwood. El album presenta muchos artistas invitados incluyendo a Brian May, Buddy Guy, David Gilmour, Jeff Beck, Neal Schon, Gary Moore, Brian Setzer, Richie Sambora, Slash, Steve Miller, Jason Bonham y Trevor Rabin entre otros. Debido a lo anterior los estudios de grabación utilizados fueron varios, One One One, North Hollywood; Record One, Sherman Oaks; Cherokee, Hollywood; The Mill and Metropolis, England; Ocean Way, Los Angeles; Cornerstone, Chatsworth; The Office y Van Nuys.

Paul Rodgers tiene una de las voces más distintivas de la música rock. Su voz ha sido la bandera en Free, Bad Company y The Firm (con Jimmy Page) y las ventas de sus discos alrededor del mundo superan los 125 millones de copias. Ver a Muddy Waters en vivo en Londres fue un momento decisivo en su vida y, finalmente, lo llevó a este álbum tributo. El album Muddy Water Blues fué nominado para un premio Grammy el mismo año de su publicación y contiene versiones impresionantes de 13 canciones que Muddy Waters hizo famosas. Con una banda básica consistente de Rodgers en la voz, Jason Bonham en la batería, Pino Palladino en el bajo e Ian Hatton en la guitarra rítmica, cada canción es embellecida con un guitarrista principal invitado. Se puede interpretar la alineación en turno como una especie de un quién es quién de los guitarristas de blues-rock.

El homenaje de Paul Rodgers a Muddy Waters no es un regreso al blues eléctrico de Chicago de Muddy Waters, sino una continuación del blues-rock de las viejas bandas de Rodgers, Free y Bad Company. Tomado en esos términos, Muddy Water Blues: A Tribute to Muddy Waters solo funciona cuando Rodgers se combina con un buen guitarrista de blues-rock. Jeff Beck, Buddy Guy y Gary Moore juegan bien, mientras que Richie Sambora, Neal Schon y Trevor Rabin suenan un poco perdidos; el resto, incluidos David Gilmour y Brian May, se encuentran en algún punto intermedio.

A pesar de que como se mencionó anteriormente no todas las canciones alcanzan un buen nivel en la ejecución de la guitarra (esencial para que una canción de blues transmita lo que se supone debería transmitir), la ejecución en general con el resto de la banda y la buena forma de las cualidades vocales de Rodgers hacen de este album un disco bueno de blues-rock que vale la pena no dejar pasar.

Yellow Submarine -The Beatles Stereo Boxset Booklet- (2009)

 

El 9 de Septiembre del 2009 se lanzó al publico a nivel mundial una caja recopilatoria con la discografía completa del grupo musical británico de rock The Beatles. La colección incluía los 13 albumes del grupo editados en estéreo. Con diseño y orden de canciones iguales a las ediciones originales lanzadas en el Reino Unido. El booklet o libro interior incluido en el album Yellow Submarine se comparte a continuación, para deleite de fans y no fans de The Beatles.

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 Yellow Submarine Librito pág. 01

Yellow Submarine Librito pág. 02 y pág. 03

Yellow Submarine Librito pág. 04 y pág. 05

Yellow Submarine Librito pág. 06 y pág. 07

Yellow Submarine Librito pág. 08 y pág. 09

Yellow Submarine Librito pág. 10 y pág. 11

Yellow Submarine Librito pág. 12 y pág. 13

Yellow Submarine Librito pág. 14 y pág. 15

Yellow Submarine Librito pág. 16 y pág. 17

Yellow Submarine Librito pág. 18 y pág. 19

Yellow Submarine Librito pág. 20

Christone Ingram - Kingfish (2019)

Kingfish es el album debut de Christone "Kingfish" Ingram, guitarrista y cantante de blues estadounidense originario de Clarksdale, Mississippi, Estados Unidos. El album se lanzó al público el 17 de Mayo del 2019 bajo el sello Alligator Records.

Además de su propio álbum, los músicos con los que ha grabado incluyen a Eric Gales, Buddy Guy y Keb Mo. Ha compartido escenario con conocidos artistas de blues y músicos de blues más jóvenes como The Tedeschi Trucks Band, Samantha Fish, Bob Margolin, Eric Gales, Rick Derringer, Guitar Shorty y Buddy Guy. 

Los doce temas de Kingfish se grabaron durante tres días en Nashville con un grupo de seis bluesmen; fueron coescritos y producidos por Ingram y Tom Hambridge, el productor estrella de Buddy Guy que redescubrió el hilo negro del blues. Desde el arranque con la potente “Outside Of This Town”, el mano a mano con Guy, “Fresh Out”, y el blues-rock machacón “It Ain’t Right”, se le aprecia cantar y tocar la guitarra como los grandes pero, al mismo tiempo, como ningún otro. Hay algo único en su sonido e incipiente estilo, su pasión ciega: “No siento nada. Sólo me olvido de mis preocupaciones y toco”. Sorprende con canciones dulces y acústicas, como “Listen”, la enorme “Believe These Blues” y “Been Here Before”, en las que canta sobre ser un espíritu viejo que habita en un joven. Hay melodías arriesgadas, de esas alegres pero con letras cabronas, “If You Love Me” y “Trouble”. Y desbarranques azotados y estremecedores: se deja ir y se pierde en los requintos de “Love Ain’t My Favorite Word”, “Hard Times” y “That’s Fine By Me”.

Kingfish no era uno de los discos más esperados de este 2019, pero el 17 de Mayo Alligator Records publicó este disco, a sabiendas de que está presentaba a una de las nuevas figuras del blues mundial, un fenómeno tanto en vivo como en el estudio. Un fenómeno de tan solo 20 años.

¿Es uno de esos niños prodigio que aparece cada 5 años?

¿Cómo lo fue Joe Bonamassa o Jonny Lang o Kenny Wayne Shepherd? No creo. Primero de todo, Kingfish bebe directamente del blues del Delta, y se ha criado con ellos. Aún así, está repleto de frescura y de alma de blues, canta con personalidad y sus sonidos suenan como un cañón con sensibilidad. Tiene el virtuosismo, y tiene el sentimiento. Además, este joven compone. Coescribe 8 de los 12 temas del disco, que van del blues lento a algo más movido, o incluso incendiario. Historias sobre él mismo, íntimas, personales, en las que se muestra vulnerable. ¿Puede un chico de 20 años de Clarksdale, Mississippi, saber tan bien de lo que habla? Descubrámoslo.

"Outside Of This Town" es la única oportunidad para darnos una primera impresión que tiene Kingfish. Es un himno de blues/rock, hablando de salir de la ciudad y aspirar a cosas mayores. Empezar una nueva vida. Arrancar. Y es, en cierta manera, una metáfora de lo que es para él este disco. Solos salvajes, un sonido fuerte (pero no pesado) y una voz poderosa. Pregunta rápida ¿qué le dan a este carnalito para desayunar?

El siguiente corte es "Fresh Out", a dueto con el maestro Buddy Guy, un blues mucho más tradicional, pero que mantiene algunos toques frescos. Ver a Kingfish intercambiando licks con Buddy Guy es algo emocionante y divertido. Ingram tiene la confianza y la autoridad que la situación requiere, pero, Buddy Guy es  Buddy Guy!. No es nada menos.

Fotografía del album por Rory Doyle

"It Ain´t Right" con un ritmo rápido y pegajoso que se va entremezclando muy bien pero poco a poco con la guitarra de Mr. Kingfish hasta llegar al inevitable solo, sin mucha pérdida de tiempo va directo al punto álgido musical, te pone a llevar el ritmo con dedos, pies, manos, cabeza o lo que surja primero y casi sin que te des cuenta.

"Been Here Before" permite un respiro acústico, elegante y personal. Donde Kingfish habla de su vida familiar de una forma más sencilla, aunque deja entrever una vision que tiene Ingram de su mismo, el hecho de ser un alma vieja metida en un cuerpo de un adolescente. El ya ha estado ahí antes. Puede ser que creas que se van sumando instrumentos, pero no es más que el tema que avanza y te va tomando. El solo acústico (uno de los puntos donde más se suelen encallar los guitarristas eléctricos) es sencillo y melódico. Adulto, sutíl y sin alardes innecesarios. Como si ya hubiese estado ahí antes.

Ahora, dejemos de verlo como un chico de 20 años. Valorémoslo por lo que escuchamos: el siguiente tema es "If You Love Me, coescrito con Jontavious Willis, otro peso pesado, con Billy Branch a la armónica y Keb’ Mo’ a la guitarra. Un shuffle rápido, divertido y limpio. La calidad de Kingfish ya la desearían muchos guitarrístas adultos. "Love Ain’t My Favourite Word" es un blues lento, en el que la guitarra de Ingram alcanza a tocar tus fibras sensibles. Ingram simplemente toca las notas justas. No grita, sino que canta el blues desde la emoción, con una voz grave y elegante. 

"Listen, Before I’m Old" y "Believe These Blues" son temas tranquilos, llenos de sentimiento y de buen rollo. Adultos, pero de buen rollo. A lo mejor sí que este carnalito ya ha estado aquí antes. "Trouble" es otro de los buenos temas del disco. Un ritmo tropical sincopado. Una historia divertida acerca de un adolescente metiéndose en líos. La base rítmica de Tom Hambridge a la batería y Tommy Macdonald al bajo demuestra en este corte que están a la altura de la situación. Al final, Kingfish se despide con un blues tradicional, "That´s Fine By Me", donde el protagonismo, realmente, lo tiene su voz y la sutileza de su guitarra.

Para más información sobre Christone Ingram puedes visitar aquí, aquí y aquí. 

Créditos correspondientes Wikipedia

Créditos correspondientes web site:  La Razón

Créditos corresponidentes al sitio hermano El Blues Que Viene y a mi amigo J , su creador, a quién agradezco sinceramente su amable colaboración.