Tesla - The Great Radio Controversy (1989)
Tesla salió de la caja con dos grandes álbumes de estudio seguidos. Su debut Mechanical Resonance está casi cercano a la perfeción. Dos años más tarde se volvieron aún más fuertes con The Great Radio Controversy, que los vió extenderse aún más. Dejaron caer algunas de las influencias más evidentes del heavy metal que se escucharon en “Modern Day Cowboy” y fueron por las raíces. The Great Radio Controversy proporcionó a Tesla su mayor éxito, "Love Song", la canción que me metió en la banda para siempre.1989-90 fue la época de las baladas más poderosas y las amaba tanto como lo haría cualquier chico solitario de la escuela secundaria. Bob Schipper fue el primero en ser fan de Tesla, pero una vez que decidí dar el paso, fui hasta el final y conseguí ambos álbumes en CD en lugar de en casete. Aunque el gran éxito fue la balada, The Great Radio Controversy es un álbum más duro en general que el debut. Una vez enganchados por “Love Song”, otras melodías se hicieron prominentes de inmediato. Desafortunadamente, la balada probablemente no transmitió una imagen precisa de Tesla al público en general.Tesla era excelente para escribir ganchos, y el abridor "Hang Tough" golpea de inmediato con una pequeña introducción de bajo asesina de Brian Wheat. Este pegador es una canción espectacular con dos guitarras, y Jeff Keith acaba de ceder en el micrófono. Es una melodía desafiante con el tipo de coro gritado que corearía muy bien a una multitud de concierto. Guitarras en abundancia cortesía del sr.Hannon y Skeoch. Continuando con el tema lírico de "Hang Thoug” está "Lady Luck". El coro contundente: "Lady Luck took a walk", tiene una vibra de Def Leppard alrededor de Pyromania. El convincente sonido de Jeff Keith es como un instrumento contundente para lanzar ganchos.
La primera pista que realmente mostró que Tesla estaba por encima de la basura de Hollywood fue "Heaven's Trail (No Way Out)", una pista adelantada a su tiempo. Con un groove grungy grueso y una acústica con capas eléctricas, wah-wahs y slides, Tesla está haciendo lo suyo. Esta rola es una mezcla entre rock sureño y plomo fundido. En este punto, Frank Hannon y Tommy Skeoch estaban en camino al estatus de "dúo de guitarras serio".Tesla se anima un poco con "Be a Man", pegadizo y lo suficientemente simple para la radio. Muy bien compuesto para fácil consumo, completo con un solo de guitarra considerablemente canoso. Los cielos se oscurecen de nuevo rápidamente en "Lazy Days, Crazy Nights", que suena como si fuera una rola rockera para fiesta, pero no lo es. "Estoy bien aquí en tiempo prestado", canta Jeff en este canto fúnebre memorable. Las cosas se ponen calientes de nuevo en "Did it For the Money", un tema de slammin ’ con otro riff que recuerda a cierta banda británica de Sheffield. No disminuyen la velocidad en "Yesterdaze Gone", el lado más cercano, que solo es más rápido e intenso.Un sólido "Makin’ Magic"de apertura lateral devuelve el tempo al centro. Resoplando junto con las guitarras en alto, este es una buena rola rockera para restablecer el tono. Esto nos lleva a otro single, "The Way It Is", que es un rock ligero pero no del todo una balada. El lado sureño de Tesla brilla a travésde ella. Suena como una celebración con un poco de Skynyrd.
Portada posterior del album The Great Radio Controversy en formato LP
La única debilidad que tiene The Great Radio Controversy es su extensión. Estamos en la pista 11 y recién ahora llegamos a "Love Song". Como “Little Suzi” en el LP anterior, este se abre con un pasaje instrumental acústico único. Es una mini composición propia, sin relación con "Love Song" con un ambiente vagamente neoclásico. Sin embargo, sigue siendo parte de ella, ya que una parece incompleta sin la otra. De cualquier manera, “Love Song” es una fuente inagotable, una balada poderosa definitiva y una de las mejores de un período que sufrió un exceso de ellas. A mitad de camino va a un nivel completamente nuevo con un líder de Frankie Hannon que revienta las tripas.Todo después de esto, lamentablemente, se siente como un anticlímax debido a la presencia masiva que tiene "Love Song" en el segundo lado. “Paradise” es una buena melodía, que en realidad sonaba mejor cuando se rehizo acústicamente en el próximo álbum Five Man Acoustic Jam. El original es un poco exagerado, como el torpe Aerosmith. La canción final es, apropiadamente, "Party’s Over". El riff rebota del altavoz izquierdo al derecho con un efecto genial, y una vez más me recuerda a otra banda de cinco miembros del otro lado del charco con la misma dirección (Q-Prime).
Insert o funda interior del disco LP, The Great Radio Controversy de Tesla. Lado A.
Aunque canción por canción, The Great Radio Controversy parece igual a Mechanical Resonance, es solo un indicio más desigual debido a su mayor tiempo de ejecución. Pequeña objeción. Tesla ya había hecho dos álbumes de rock destacados seguidos y seguía creciendo. Algunos dicen que The Great Radio Controversy es el mejor álbum de Tesla. Yo digo, tú eres el juez.
Opiniones:
-El álbum debut de Tesla, "Mechanical Resonance", me dejó alucinado. Rara vez había escuchado un sonido de rock duro tan directo y de calidad. Bueno, con este segundo esfuerzo las canciones son igual de buenas. Por supuesto que me encantan las canciones de radio: la balada de la mejor calidad (no cursi) "Love Song", el tempo también más lento pero excelente "The Way It Is", y la cruda "Heaven's Trail (No Way Out)". Sin embargo, ¡todas las demás canciones de este álbum son la ley también! Al igual que con el primer álbum, podría hablar maravillas de todos y cada uno de los temas. "Hang Tough" es un comienzo increíblemente pesado para el álbum, "Lady Luck" simplemente grita con actitud, "Lazy Days, Crazy Nights" es un buen rocke de fiesta, y "Paradise" es solo un himno increíble con un lado más suave pero un final muy uptempo - una verdadera obra maestra de una canción. Cualquiera a quien le guste el rock and roll directo, pesado y, sin embargo, melódico definitivamente debería poseer este album. Un clásico verdaderamente subestimado.
-Uno de los mejores álbumes de Tesla, lo compré porque amo el rock clásico y el rock de los 80. Sí, sigo escuchando las prohibidas del glam y el rock clásico de los 70 y los 80. Creo que este álbum no tiene ninguna canción mala, bueno, al menos eso creo. Si te gusta el rock de los 70 y 80 este es para ti. Si eres nuevo en el género del rock escucha alguna muestra de Tesla, es posible que te guste el grupo.
Insert o funda interior del disco LP, The Great Radio Controversy de Tesla. Lado B.
Uno de los mejores álbumes de la banda, The Great Radio Controversy conserva la típica producción de gran sonido y los himnos del pop-metal de los 80, pero Tesla agrega un toque más atrevido y blues a su música que la mayoría de sus compañeros. Como en la mayoría de sus discos, la composición de Tesla es consistentemente buena pero nunca del todo excelente; sin embargo, "Love Song", "The Way It Is" y "Heaven's Trail (No Way Out)" se encuentran entre las mejores, con melodías y riffs que no son productos predecibles ni convencionales. The Great Radio Controversy amplía un poco el sonido de Mechanical Resonance con un mayor uso de instrumentos acústicos, lo que proporciona más contrastes de textura y dinámicos, y los momentos más débiles todavía están animados por el ataque de dos guitarras de Frank Hannon y Tommy Skeoch. Considerándolo todo, un buen esfuerzo.
Rod Stewart - Every Picture Tells A Story (1971)
Every Picture Tells a Story (Cada Imagen Cuenta Una Historia), es el tercer álbum de estudio de Rod Stewart. Fué lanzado el 28 de Mayo de 1971. Incorpora estilos de hard rock, folk y blues. Llegó al número uno en las listas de éxitos del Reino Unido y Estados Unidos y terminó tercero en la encuesta de críticos de Jazz & Pop al mejor álbum de 1971. Ha sido un éxito de crítica duradero, incluído el puesto 172 en la lista del 2003 de la revista Rolling Stone de los 500 Mejores Álbumes De Todos Los Tiempos.
El álbum es una mezcla de rock, country, blues, soul y folk, e incluye el gran éxito de Stewart, "Maggie May", así como "Reason to Believe", una canción del álbum debut de Tim Hardin de 1966. "Reason to Believe", con Pete Sears al piano, fué lanzado como el primer sencillo del álbum con "Maggie May "como cara B del disco; sin embargo, "Maggie May" se hizo más popular y fué un éxito número uno tanto en el Reino Unido como en los Estados Unidos.
Reason To Believe - 1971 Vinyl 7" Single - Mercury 6052 097 UK
El álbum incluye una versión de "That's All Right (Mama)" de Arthur Crudup (el primer sencillo de Elvis Presley) y una versión de la canción de Bob Dylan "Tomorrow Is a Long Time", una versión descartada del álbum de Dylan de 1963, The Freewheelin 'Bob. Dylan (esta versión se lanzaría en 1971, en el album Bob Dylan's Greatest Hits Vol. II).
Reverso del desplegable incluído en el album Every Picture Tells A Story
¿Qué estaba pensando Rod Stewart cuando lanzó el álbum Every Picture Tells A Story? Stewart relata: "Creía firmemente que no necesitaba a nadie más que a mí", y para este álbum su confianza superó su miedo a las críticas. Sin disculpas, hizo un barrido limpio con géneros musicales como rock, blues, country, folk y soul. Él y Ron Wood tenían una historia que contar y si escuchas este álbum de principio a fin, la siguiente canción siempre es un hitazo.Este álbum fue grabado en diez días lo que se suma a la continuidad y rigidez de las voces y los instrumentos. Los instrumentos parecen competir por la atención de Stewart y se abren paso al ritmo de la letra. Justo cuando crees que Ron Wood no está prestando atención, lanza un riff de guitarra como si él y Stewart estuvieran en una conversación privada.
Jean-Paul Sartre dijo: “Words are loaded pistols.” "Las palabras son pistolas cargadas". En este álbum, Rod Stewart disparó las letras, su voz liderando cada nota instrumental. En la canción, “Maggie May”, que escribió Stewart, la letra romantiza la anécdota de que a los 16 años perdió su virginidad con una mujer mayor. Stewart canta, "Me robaste el alma y eso es lo que realmente duele", pero se puede detectar fácilmente un poco de arrogancia en su voz. Y luego está, "Every Picture Tells A Story", que Stewart y Wood escribieron juntos, donde Stewart bromea: "Me peiné de mil maneras, pero salí con el mismo aspecto". En la melodía folk, con influencia británica y estadounidense, "Mandolin Wind", Stewart escribió y cantó, “Ningún viento de mandolina podría cambiar nada”. La letra tiene sentido si alguna vez has estado en una relación sin salida.
Anverso del desplegable incluído en el album Every Picture Tells A Story
Y luego están las canciones que Stewart toma prestadas que canta como si fueran suyas. En, "Seems Like A Long Time", es fácil imaginar a Stewart y su banda con túnicas de coro profesando un mensaje espiritual. Stewart se apega al rock en la canción de John Lennon, "I'm Losing You", mientras su banda tararea detrás de la letra de Stewart, "Your Love Is Fading". El arreglo de Bob Dylan, "Tomorrow Is A Long Time", refleja un estilo country que hace que la voz de Stewart cante cada palabra con su alma.
La banda que grabó Every Pictures Tells A Story
Los cinco miembros de The Faces (con quien Stewart en ese momento era el vocalista principal) aparecieron en el álbum, con el guitarrista / bajista Ronnie Wood y el tecladista Ian McLagan en el órgano Hammond B3 siendo los más empleados. Debido a restricciones contractuales, las listas de personal eran algo vagas y no estaba claro que la alineación completa de Faces grabó la versión del éxito de Motown "(I Know) I'm Losing You". Otros contribuyentes incluyeron a Ray Jackson en la mandolina (aunque Stewart supuestamente olvidó su nombre y solamente mencionó a "el jugador de la mandolina en Lindisfarne" en la portada interior). Micky Waller a la batería. Maggie Bell interpretó los coros (mencionados en la portada como "vocales abrasivos") en la pista principal, y Madeline Bell cantó el respaldo en la siguiente pista, "Seems Like A Long Time". Pete Sears tocó todo el piano en el álbum excepto una pista, "I'm Losing You", que tenía a Ian McLagan en el piano, junto con los Faces como banda.
El álbum alcanzó la posición número uno tanto en el Reino Unido (durante seis semanas) como en los Estados Unidos (cuatro semanas) al mismo tiempo que "Maggie May" encabezaba las listas de sencillos en ambos territorios.
Portada frontal del sencillo promocional de 7" Maggie May- Reason to Believe.
Nota: El cover de The Temptations, "I Know I'm Losing You", alcanzó el top 40, en el puesto 24 en el Billboard Hot 100 en los Estados Unidos.
La camaradería de instrumentos y voces está dirigida por el guitarrista Ron Wood. A veces parece que Rod Stewart tiene algo más que decir y Wood responde intuitivamente con cada nota de guitarra. Después de pasar muchos años siendo eclipsado por Jeff Beck, con Stewart, la licencia creativa de Ron Wood es flexible e intuitiva.
Y ahora a la batería tocada por Micky Waller. En cada pista la batería tiene un impacto. Es obvio que Stewart y Waller tienen una conexión del pasado con el grupo de Jeff Beck. En la canción "I'm Losing You", el solo de batería vale el precio de la entrada.
Hay que mencionar al que toca la mandolina, Ray Jackson, porque Rod Stewart olvidó su nombre para las notas del liner e improvisó con: “La mandolina la tocó el que tocaba la mandolina en Lindisfame. El nombre se me escapa ”. Esto fue una lástima porque la mandolina es prominente en "Mandolin Wind" y "Maggie May".
Este álbum pinta una imagen completa. La única canción que parece fuera de lugar es "Eso está bien". La banda de Stewart hace una excelente interpretación, pero no hay nada que distinga a su versión. "Cada imagen cuenta una historia", es el tipo de álbum que desea escuchar de una sola vez. Stewart parece estar diciendo que la vida es difícil, nunca se sabe lo que vendrá después, así que arriesgue, porque después de todo, "cada imagen cuenta una historia, ¿no es así?"
Portada Trasera del album Every Picture Tells A Story 
Recepción del album
En su reseña original en la revista Rolling Stone, John Mendelsohn escribió: "Por aburrido que sea la mitad, hay suficiente que es increíblemente magnífico en la otra mitad". Sin embargo, el crítico de Village Voice, Robert Christgau, le dió al álbum una crítica entusiasta, escribiendo : "Rod "El Pistolero de las Palabras" está mucho más alfabetizado que el típico bloozeman inglés, Rod "El Cantante" puede convertir las palabras en carne, y aunque la música de Rod "El líder de la Banda" es literalmente eléctrica, es la mandolina y el pedal de acero los que se escuchan con más nitidez".
El álbum ha sido un éxito de crítica duradero, incluido el puesto 172 en la lista de la revista Rolling Stone de 2003 de Los 500 Mejores Álbumes de Todos los Tiempos, manteniendo la calificación en una lista revisada de 2012. En 1992, el álbum fué premiado con el primer lugar en el libro de Jimmy Guterman The Best Rock 'N' Roll Records of All Time: A Fan's Guide to the Stuff You Love. Ocupó el puesto 99 en una encuesta de 2005 realizada por el Canal 4 de la televisión británica para determinar los 100 mejores álbumes de todos los tiempos.
En una revisión retrospectiva de AllMusic, Stephen Thomas Erlewine escribió: "Sin alterar mucho su enfoque, Rod Stewart perfeccionó su mezcla de hard rock, folk y blues en su obra maestra, Every Picture Tells a Story".
Art Streiber fotografió a Rod Stewart para Billboard en la casa de Stewart en Los Ángeles. En la ocasión de la realización de su primer álbum con material nuevo en 15 años, Stewart aprovechó la ocasión para dar una mirada retrospectiva a su carrera.
Waking Up the Neighbors es el sexto álbum de estudio del cantautor canadiense Bryan Adams, lanzado el 24 de septiembre de 1991. Originalmente el album fué lanzado como un album doble vinyl con un insert desplegable con una foto de Bryan por un lado y las letras de las canciones por el otro y con las respectivas fundas de papel de cada disco LP. El álbum fue grabado en Battery Studios en Londres, y en The Warehouse Studio en Vancouver, mezclado en Mayfair Studios en Londres, y masterizado por Bob Ludwig en Masterdisk en la ciudad de Nueva York.
El álbum alcanzó la posición número uno en las listas de álbumes en al menos ocho países. Su primer single, "(Everything I Do) I Do It for You", fue número uno en la lista de singles del Reino Unido por un récord de dieciséis semanas consecutivas. El álbum también fue notable en Canadá por crear controversia concerniente al sistema de Contenido Canadiense.
Waking Up the Neighbors fue co-producida por Adams y Mutt Lange, y alcanzó el puesto número seis en el Billboard 200. El álbum fue lanzado en septiembre de 1991 y el álbum y el sencillo encabezaron las listas de éxitos en muchos países con "(Everything I Do) I Do It for You" pasando 16 semanas sin precedentes en el número uno en la lista de singles del Reino Unido y encabezó las listas en 17 países. También logró un récord de ventas de 4 millones de copias en los Estados Unidos. Las reglamentaciones canadienses sobre contenido se revisaron en 1991 para permitir que las estaciones de radio reconozcan la reproducción al aire de este álbum como parte de sus requisitos legales para reproducir música canadiense. El álbum se ha convertido en el segundo álbum más vendido de Adams en todo el mundo. Adams ganó un premio Grammy en 1992 a la mejor canción escrita específicamente para una película o televisión por "(Everything I Do) I Do It for You".
Waking Up the Neighbors incluyó otros sencillos exitosos como "Can't Stop This Thing We Started", "There Will Be Another Tonight", "Though I´d Die And Gone To Heaven", "All I Want Is You", "¿Do I Have To Say The Words?" y "Touch The Hand" y todos tenían videos musicales de acompañamiento. Todas estas canciones, incluido "¿Do I Have To Say The Words?" colocado en el Billboard Hot 100. "(Everything I Do) I Do It for You" posiblemente se convirtió en la canción más reconocida y popular de Adams. Su video musical recibió una gran difusión en la televisión musical.
Un lado del insert incluído en el album, con las letras de las canciones 
El lado del poster del insert incluído en el album, con los dos discos LP´s y sus respectivas fundas de papel.
Las Canciones
"(Everything I Do) I Do It for You" fue el sencillo más exitoso del álbum y se ha convertido en una de las canciones más exitosas de todos los tiempos, habiendo pasado siete semanas en el número uno en el Billboard Hot 100 de Estados Unidos. dieciséis semanas consecutivas en el número 1 en la lista de singles del Reino Unido, once semanas en el Top 40 holandés y nueve semanas en el número 1 en la lista de singles canadienses en Canadá. La canción ganó un premio Grammy a la mejor canción escrita específicamente para una película o televisión en los premios Grammy de 1992, y fue nominada para un premio de la Academia a la mejor canción de 1991.
Portada del album: Waking Up The Neighbours en formato CD editado en México, promocionando la versión en español de (Everything I Do) I Do It for You - Todo Lo Que Hago Lo Hago Por Tí
La canción surgió cuando los productores de la próxima película de Kevin Costner, Robin Hood: Prince of Thieves, se acercaron a Adams para que escribiera algo, y se le pidió que trabajara en un tema musical. Se le proporcionó una cinta de orquestación escrita por el compositor de la banda sonora de la película, Michael Kamen. Con esto, él y Lange utilizaron una sección de la orquestación de Michael y crearon "(Everything I Do) I Do It for You", que luego se colocó en lo profundo de los créditos finales de la película cuando se estrenó el 14 de junio de 1991. La canción llegó al número 1 en el Reino Unido la semana antes del lanzamiento británico de la película y llegó a encabezar las listas de éxitos en 16 países y vendió más de 10 millones de copias en todo el mundo, convirtiéndose en uno de los sencillos más vendidos de todos los tiempos. La canción fue nominada a un premio de la Academia, pero ganó un premio Grammy a la mejor canción de una película. Años más tarde, cuando la BBC le preguntó a Bryan (sobre la reciente versión acústica en vivo de su CD Bare Bones), "¿Alguna vez te aburriste de escuchar tu éxito récord 'Everything I Do'?" Bryan dijo
"Por supuesto que no. Qué pregunta más tonta".
Julien Temple dirigió el video musical de "(Everything I Do) I Do It for You"; se rodó en Sheffield, Inglaterra entre el 17 y el 18 de mayo de 1991.
"Can't Stop This Thing We Started" fue el segundo sencillo del álbum. Una canción de rock en contraste con "(Everything I Do) I Do It for You", alcanzó el puesto número 2 en el Billboard Hot 100 detrás de "Cream" de Prince. "Can't Stop This Thing We Started" recibió dos nominaciones en los premios Grammy de 1992 por Mejor Canción de Rock y Mejor Interpretación de Rock Solista, sin ganar ninguna.
"There Will Never Be Another Tonight" fue el tercer sencillo del álbum. El título proviene de un fragmento que Bryan Adams y Jim Vallance escribieron a fines de la década de 1980. La frase se escribió en la canción a finales de 1990 y se publicó en el álbum de Adams en 1991.
"Pensé que había muerto e ido al cielo" fue el cuarto sencillo lanzado por Waking up the Neighbors. Escrita por Mutt Lange y Bryan Adams, la canción fue la primera que se escribió para el álbum. "Pensé que había muerto e ido al cielo" alcanzó el número 13 en el Billboard Hot 100 y el 14 en Mainstream Rock Tracks. En el Reino Unido, alcanzó el número 8.
"Todo lo que quiero eres tú", "¿Tengo que decir las palabras?" (número 11 en el Billboard Hot 100) y "Touch the Hand" también se lanzaron como sencillos, pero no consiguieron una gran rotación cuando se lanzaron los primeros cuatro sencillos.
Los Hechos alrededor de Waking Up The Neighbours
Bryan Adams entró en la década de los 90 decidido a recuperarse después de la decepción de Into the Fire de 1987, y lo hizo a lo grande con su sexto LP de estudio, Waking Up The Neighbors de 1991.
Into The Fire estuvo lejos de ser un fracaso, vendiendo un millón de copias solo en los EE. UU. Y alcanzando el puesto número 2. Pero no alcanzó el estándar establecido por su predecesor, el enormemente popular Reckless. Si bien las ventas ciertamente no lo son todo, particularmente después de que has alcanzado el pináculo establecido por un disco como Reckless, todavía había una sensación de potencial insatisfecho en torno al álbum Into The Fire, y Adams no se arriesgó cuando se dispuso a armar su seguimiento.
De hecho, el incansable enfoque de Adams en escribir y grabar el mejor material posible puede haber contribuido al eventual descarrilamiento de una asociación creativa que había ayudado a definir su carrera hasta ese momento. Jim Vallance, colaborador de la composición de canciones desde hace mucho tiempo, colaboró con Adams a lo largo de 1988 y 1989, haciendo demostraciones de una gran cantidad de canciones nuevas que se clasificaron en listas de pistas especulativas dos veces: una con el productor Steve Lillywhite y luego con Bob Clearmountain, quien había manejado las juntas de Reckless. En ambas ocasiones, Adams sintió que a los resultados finales les faltaba algo y, en el verano de 1989, decidió empezar de nuevo.Desafortunadamente, tendría que hacerlo sin Vallance, quien para entonces era un escritor solicitado para una serie de otros actos, y no quería o no podía dedicar una cantidad de tiempo aparentemente interminable a pulir un solo disco. Más tarde, Adams atribuyó su separación a su propia falta de voluntad para estar en el horario de Vallance, pero cualesquiera que sean las razones de la separación, tuvo un gran impacto. Adams, que tradicionalmente había escrito con un colaborador, necesitaba encontrar un nuevo compañero para la composición.
El vacío dejado por Vallance se llenó finalmente con un nombre bastante impresionante: Robert John "Mutt" Lange, el productor multiplatino cuyos créditos anteriores incluían discos de gran éxito para AC / DC, Foreigner y Def Leppard. La llegada de Lange cambió el álbum de varias maneras importantes, dando a Adams un coproductor además de un colaborador, y uno cuyo proceso creativo difería significativamente del propio Adams.
"Solía ser muy valioso con las canciones", le dijo Adams a Q. "Cuando surgió la idea, eso fue todo. Pero cuando entré al estudio con mis canciones esta vez, Mutt dijo: 'Sí, está bien, pero ¿dónde ¿Cuáles son los otros 10? Realmente cambió mi forma de pensar, me hizo darme cuenta de que realmente no había reglas, y que una canción solo tiene que tener algo especial, no importa lo que sea, que tienes que inventarlo, hacer que funcione, estirarlo. , rómpelo, quítelo, quítele la ropa y vea cómo se ve ".
Aunque Waking Up the Neighbors terminó llevando más de cuatro canciones de las demos de Adams con Vallance, Lange tuvo un crédito de coautoría en cada una de las 15 pistas del álbum, y las sesiones se trasladaron a Inglaterra mientras el dúo martillaba las grabaciones pista por pista meticulosamente. alargando el proceso de grabación durante más de un año. Inicialmente programado para su lanzamiento en el otoño de 1990, Waking Up the Neighbors retrocedió constantemente en el programa, primero a principios de 1991, luego a la primavera y luego al verano. Mientras tanto, Adams tenía obligaciones de gira que cumplir, y salió de gira mientras el álbum aún estaba en postproducción.
Mientras la espera de Waking Up the Neighbors se prolongó, Adams recibió un impulso de una fuente algo poco probable. Contratado para contribuir con un himno para la banda sonora del drama de Kevin Costner Robin Hood: Prince of Thieves, Adams entregó "(Everything I Do) I Do It for You", una canción que terminaría convirtiéndose en uno de los sencillos más exitosos del año, vendió tres millones de copias y ocupó el primer lugar durante siete semanas solo en los EE. UU. La canción ganó un Grammy y una nominación al Oscar, y le dio a Waking Up the Neighbors un impulso increíble en su camino hacia las tiendas, pero Adams admitió que no era exactamente lo que estaba buscando el compositor de bandas sonoras Michael Kamen.
"Querían que se usaran más instrumentos de época en la partitura, para que se mezclara con la película. Yo dije: 'No queremos laúdes y mandolinas en esto, este es un disco pop'", dijo Adams a Q. "Creo que probablemente estén muy contentos con la forma en que han salido las cosas, pero aún así enterraron la canción lo más atrás posible en la película, a la mitad de los créditos, eso es un reflejo de lo decepcionados que estaban".
Al final, como todo lo demás que Adams hizo en nombre de Waking Up the Neighbors, resultó producir inmensos dividendos comerciales. El álbum encabezó las listas de éxitos en varios países de todo el mundo, alcanzando el puesto número 6 en los EE. UU., Donde vendió más de cuatro millones de copias, y lo devolvió a la radio a lo grande, generando cinco sencillos Top 40. Irónicamente, el único lugar en el que Waking Up the Neighbors fue algo más que un éxito rotundo fue su Canadá natal, donde las impresionantes ventas del álbum se vieron ensombrecidas por una controversia sobre si era lo suficientemente canadiense para pasar revista bajo el aire del país.
Triumph - Thunder Seven (1984)
Thunder Seven es el séptimo album de estudio de la banda canadiense de hard rock Triumph. Su fecha de publicación fué el 10 de Noviembre de 1984 en USA y el 19 del mismo mes en el Reino Unido. El sello fonográfico bajo el cuál fué lanzado es MCA Records. El album tiene una duración total de 40:51 minutos. Fué producido por Eddie Kramer y Triumph y grabado en los estudios Metal Works Studios en Ontario, Canadá y Producers Workshop en Los Angeles California.
El album obtuvo la certificación de Oro de la RIAA por ventas de más de 500,000 copias en Abril 21 del 2003, casi 19 años después de su lanzamiento inicial. El sencillo que se posicionó más alto en las listas fué "Follow Your Heart" alcanzando el #88 tanto en USA como en el Reino Unido. La canción "Spellbound" también se realizó como sencillo aunque sin tanto éxito, entrando en los charts de Canadá solamente y alcanzando apenas el Top 100. Thunder Seven fué el último album en el que las todas las composiciones fueron hechas por los tres miembros de la banda exclusivamente.
El arte de la portada fué ilustrado por el artista Dean Motter y fué una versión mecanizada del Hombre Vitruvio de Leonardo Da-Vinci. La portada es un elemento visible del concepto del album, el cuál analiza las acciones y anormalidades del hombre a la entrada del Siglo 21. Ver portadas, inserts e imágenes del LP del album Thunder Seven click en el escudo de la derecha. ---------------------------------------------------------------------------------------------------------------->
El álbum fué lanzado durante lo que resultó ser un momento crucial en la carrera del trío de poder canadiense.
El disco también celebró la primera década de Triumph (marcada oficialmente con la publicación del doble álbum en vivo del año siguiente Stages), en el que habían cruzado la frontera de ser unos principiantes canadienses a finales de los 70s a héroes de rock conquistadores de las arenas en la primera mitad de los 80s. Detrás solamente de Van Halen y los Scorpions, en el histórico US Festival de los Estados Unidos en Agosto de 1983.
El escenario estaba listo para que Triumph extendiera su racha ganadora en 1984, ya que se pusieron a trabajar en una secuencia de tres discos de Platino sin considerar mucho en cambiar su fórmula exitosa, aparte de su creciente dependencia de los sintetizadores, como muchas bandas de la época.
Como la mayoría de todos los álbumes de Triumph anteriores, Thunder Seven se centró en las dimensiones duales del sonido característico de la banda: un hard rock directo y experimentos artísticos, comenzando con el enérgico pero innegablemente pegadizo heavy metal de "Rock Out, Roll On" antes de continuar a "Cool Down", que presenta una introducción acústica de blues, y los himnos "Spellbound" y "Follow Your Heart".
En todo caso, Thunder Seven encontró a la banda fomentando al progresivo al comprometer a todo el lado dos del disco a una suite de canciones conceptualmente vinculadas, alternando entre el melodicismo de ritmo medio de "Time Goes By", "Killing Time" y "Stranger in a Strange Land" con interludios en forma de puente, como el de la canción inspirada en Emerson , Lake & Palmer "Time Canon", la pieza clásica del hombre frontal Rik Emmett "Midsummer's Daydream" y la instrumental que cierra el album "Little Boy Blues".
La inspiración detrás de todas estas canciones provino de las percepciones colectivas del cantante y guitarrista Rik Emmett, el baterista y cantante Gil Moore y el bajista Mike Levine. Ellos consideraron los torpes esfuerzos de la humanidad para equilibrar la naturaleza y la tecnología a medida que se acercaba el siglo XXI, lo que se refleja mejor en el arte de portada de Thunder Seven el cuál es titulado Borg-Meet-Da-Vinci-Vitruvian-Man, (El Humanoide encuentra al Hombre Vitruviano de Da-Vinci).
Aun así, nada de esto parecía capaz de sacudir el barco de sereno navegar de Triumph, pero tal vez un poco más de "movimiento brusco" hubiera sido una buena idea, porque Thunder Seven terminó perdiendo la meseta de Platino lograda por sus predecesores inmediatos y significó el final de una era para el grupo.
El problema de ventas del grupo fue suficiente para convencer a la compañía discográfica del trío, MCA, de que había llegado el momento de forzar el uso de escritores externos que, al menos en teoría, ayudarían a la banda a producir un éxito y modernizar su sonido.
En cambio, en el Sport of Kings de 1986, este enfoque condujo a una composición de canciones inconsistente, una mayor división dentro del grupo y la aceleración de un entorno deteriorado que expulsó a Emmett de la banda después del album Surveillance de 1987. En cierto modo, Thunder Seven sirve como el último hurra de Triumph.
Un agradecimiento a UltimateClassicRock
Atom Heart Mother y la protagonista de la portada del album
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| Esta imagen fué la propuesta original y primera de Hipgnosis para la portada del album Atom Heart Mother de Pink Floyd |
La historia del origen del mundialmente conocido album con una vaca en su portada se desarrolló más o menos así: La banda le dijo al diseñador Storm Thorgerson que ellos querían algo "no-psicodélico, no-floyd, algo ordinario". Thorgerson se divirtió con una imagen de un hombre sumergiéndose en el agua, pero la banda sintió que no era lo suficientemente ordinario (la imagen se utilizaría más tarde para Wish You Were Here). Después de una conversación con un amigo, quién sugirió que "no hay nada más ordinario que una vaca", Thorgerson condujo al campo y fotografió a la primera vaca que se le cruzó. Una vaca frisona de pedigrí llamada Lulubelle III.
La banda dejó su nombre fuera de la portada del album, resultando en una imagen que Thorgerson apodó "totalmente vaca". Ellos continuaron avanzando en este juego al nombrar secciones de la larga canción que da el título al album, por ejemplo: "Breast Milky" y "Funky Dung".
Luego las compañías tomaron parte discográficas. EMI trajo una manada de vacas a Londres y organizó una sesión fotográfica al amanecer a lo largo del Mall (la larga y majestuosa avenida entre Trafalgar Square y el Palacio de Buckingham), mientras que Lulubelle III se encontró pegada en espectaculares de autopistas en América por Capitol Records.
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| Portada trasera del Atom Heart Mother |
Aqui está el testimonio del cofundador del estudio Hipgnosis, Aubrey "Po" Powell en sus propias palabras:
El título Atom Heart Mother vino después, cuando Roger Waters estaba leyendo el periódico The Evening Standard y vio un artículo sobre la primera vez que se le puso un estent eléctrico a una persona en el corazón. De alguna forma la foto y el título se unieron.
"Es una de mis portadas favoritas. Con el poder de Pink Floyd detrás de nosotros, fue la primera vez que pudimos hacer una tapa sin ninguna letra: ni título, ni el nombre de la banda. El disco no tenía un nombre cuando se nos ocurrió la imagen."
"Además la banda no nos dio ninguna instrucción para la imagen. Creo que ni habíamos escuchado el disco ni leído las letras. Roger Waters solo dijo “Vengan con una idea. Lo que les guste”. Estábamos hablando con un amigo que se llama John Blake sobre ideas que se alejaran completamente del rock & roll, que fuera irracional y que se notara, que llamara la atención. Y vino la idea de una vaca. Fuimos con Storm a las afueras del norte de Londres y tomamos la foto de una vaca. Decían “Nunca trabajes con niños o animales”, porque es complicado. Pero la vaca estaba ahí mirándonos. Ese día tomamos muchas fotos y en la parte de atrás del disco puedes ver tres vacas en una formación parecida a tres aviones volando. Hay momentos en fotografías que dices “Eso es”. E Hipgnosis tuvo esa suerte muchas veces.
Cuando se lo mostramos a la banda todo dijeron “Esto es. Tal cual. Esto es”.
Porque Atom Heart Mother como título.
El título Atom Heart Mother vino después, cuando Roger Waters estaba leyendo el periódico The Evening Standard y vio un artículo sobre la primera vez que se le puso un estent eléctrico a una persona en el corazón. De alguna forma la foto y el título se unieron.
Siempre recordaré ver una letrero gigante en Sunset Strip en Los Ángeles con una vaca, sin letras ni nada. Y pensé “Esa es una declaración muy valiente”. Y aunque la compañía peleó para ponerle texto y sus créditos, la banda se negó rotundamente. Y fue perfecto porque cuando salió el disco, todos entendieron el concepto. Querían saber qué había adentro, comprar la música. Y obviamente fue su primer gran éxito en Estados Unidos.
EL DUEÑO DE LULUBELL III, EL GRANJERO DE HERTFORDSHIRE AFECTUOSAMENTE RECUERDA A LA VACA DEL ATOM HEART MOTHER - Al Album, Sin Embargo, Lo Llamó: "Razonable, Regular"
Así lo dice el granjero de Hertfordshire, Ian Higson, de la famosa vaca en la portada de la quinta madre de Atp Heart Pink de la banda artística Pink Floyd.
Higson estaba menos impresionado con el Lp en sí mismo, llamándolo "un álbum de transición que traiciona sus lanzamientos hacia la dirección un poco demasiado desesperadamente".
A cambio de permitir que el diseñador de álbumes Storm Thorgerson en su propiedad tomara fotografías de su manada, Higson dijo que el fotógrafo de Hipgnosis le trajo una copia del álbum cuando salió. "Tuvimos una fiesta de escucha en el Hi-Fi ese viernes por la noche, tomamos unas cervezas, sabes", recordó. "Pensé que [la música] era ambiciosa, especialmente la orquestación de Ron Geesin. Para mí, solo "Fat Old Sun" se destacó ".
Según Higson, desaparecieron todos los "caprichos psicodélicos" del fundador Syd Barret, así como (afortunadamente) la "improvisación y la pretensión prolongadas" del Ummagumma del año anterior, para ser reemplazados por una "inclinación pastoral" que se reflejó en la manga. Citó el "Summer ’68" del guitarrista Richard Wright como "típico del álbum. Es bastante bueno, y puedes escuchar fragmentos de melodía y técnicas que se pueden utilizar mejor en discos posteriores más cohesivos; sólo falta algo ".
"Francamente, no veo cómo llegó al número uno en el Reino Unido".
Ted Nugent - Double Live Gonzo! (Enero 1978)
Double Live Gonzo! es un álbum en vivo del guitarrista de hard rock estadounidense Ted Nugent, lanzado como un LP doble en 1978. Además de las versiones en vivo de canciones de álbumes anteriores, este álbum doble también contiene material original tocado en vivo, que incluye: "Yank Me, Crank Me" y "Gonzo". El álbum ha alcanzado el status de Triple Platino en los Estados Unidos.!
Considerado como uno de los mejores álbumes en vivo de hard rock de todos los tiempos, "Double Live Gonzo!" de Ted Nugent es un clásico. En pocas palabras, este es uno de los discos más electrizantes que jamás hayas escuchado."¡Double Live Gonzo!" es uno de esos increíbles álbumes en vivo fundamentales de los 70 que todo rockero que se precie debería escuchar al menos una vez. Es el álbum que generó el nombre "Nashville Pussy" y alberga la toma en vivo definitiva de "Great White Buffalo".
Con Derek St. Holmes en la mayoría de las voces principales, Ted y la pandilla llevan el ruido del rock and roll a la mejor fiesta de la ciudad. Todo lo que tienes que hacer es presionar play y agárrarte fuerte. Es una lista de canciones intimidante al principio: tres canciones duran 10 minutos, y la mayoría sobrepasa los 5:00 minutos. Los éxitos de Ted están presentes: "Catch Scratch Fever", "Stranglehold" y "Yank Me Crank Me" (primer sencillo del DLG), pero se ven eclipsados por orgasmos de rock más épicos. "Great White Buffalo" y su riff increíblemente diestro es la principal atracción. Aunque esta canción fue grabada originalmente por Amboy Dukes de Nugent, esta versión en vivo es la más relevante.
Su forma desgarradora de tocar guitarra no se puede imitar y la banda simplemente rockea con Derek St. Holmes brillando en la voz principal, a veces compartiéndola con Ted. "¡Double Live Gonzo!" no es un album solo para guitarristas, pero a los guitarristas les encantarán los increíbles licks y el control de la retroalimentación de Ted. Pocos guitarristas pueden dominar el instrumento como lo hace Ted, los melómanos por otro lado, encontrarán mucho que examinar, mientras que el oyente medio puede esperar una ración doble de rock de arena en vivo, de pura calidad de oro. Sin mensajes líricos, solo masajes sónicos brutales. Hay un terrible Ted en la portada, tapándose los oídos como si le doliera la poderosa retroalimentación contenida en el interior.
"Cualquiera que quiera calmarse", le dice a la audiencia antes de "Wang Dang Sweet Poontang", "puede darse la vuelta y largarse de aquí". Tal charla requiere todo el coraje de Richard Nixon al denunciar a los radicales en la convención republicana: "Damas y caballeros, tengo en mi mano una lista de 207 miembros del Mellow Peril que portan una tarjeta, ahora sentados en este mismo auditorio".
Para ser justos, esta música es el mejor heavy metal en mucho tiempo, y dado el estado generalmente enmohecido del género, no es probable que las cosas mejoren en el futuro previsible. ¡Sé que volveré al Double Live Gonzo! de vez en cuando por una dosis de la energía de Nugent (en particular "Baby, Please Don't Go", su antiguo hit de Amboy Dukes y "Cat Scratch Fever"). La voz de Nugent parece estar madurando, pero sigo pensando que necesita un vocalista u otro instrumentista para desafiar su talento en la guitarra y luchar contra su ego."Esta guitarra está garantizada para volarle las bolas a un rinoceronte que ataca a sesenta pasos (de distancia)", anuncia Ted Nugent antes de "Hibernation".
Portada interior desplegable del album Double Live Gonzo! de Ted nugent
Seleccionado de varios conciertos en los últimos dos años, este LP doble captura la intensidad vertiginosa y la emoción pura de Nugent en vivo en el escenario en su hábitat musical más natural. Un sólido y potente acompañamiento de guitarra, bajo y batería respalda a Nugent al frente, con su guitarra y su carácter convincente llevando todos los riffs básicos del rock al límite para una marca de rock salvaje que es agresivamente duro e incuestionablemente auténtico. Mejores cortes: "Just What The Doctor Ordered", "Great White Buffalo", "Motor City Madhouse", o los que tu quieras!
Lugares en donde fueron grabadas las canciones.
Lado 1 No. Título Grabado en Duración 1. "Just What the Doctor Ordered" Nashville Municipal Auditorium, July 1977 5:26 2. "Yank Me, Crank Me" Taylor County Coliseum, Abilene, Texas, November 1977 4:28 3. "Gonzo" Freeman Coliseum, San Antonio, November 1977 3:59 4. "Baby Please Don't Go" Taylor County Coliseum, Abilene, Texas, November 1977 5:58
Lado 2 No. Título Grabado en Duración 5. "Great White Buffalo" Municipal Auditorium, Dallas, July 1976 6:23 6. "Hibernation" San Antonio Convention Center, July 1976 16:54
Lado 3 No. Título Grabado en Duración 1. "Stormtroopin'" Seattle Center Coliseum, August 1977 8:46 2. "Stranglehold" Springfield Civic Center, June 1976 11:14
Lado 4 No. Título Grabado en Duración 3. "Wang Dang Sweet Poontang" Nashville Municipal Auditorium, July 1977 6:18 4. "Cat Scratch Fever" Nashville Municipal Auditorium, July 1977 4:49 5. "Motor City Madhouse" Municipal Auditorium, Dallas, July 1976 10:35
Portada trasera del album Double Live Gonzo! de Ted Nugent
Algo más sobre las canciones
La inicial “Just What the Doctor Ordered” es un rock and roll muy muy potente del que siempre me impresionó el principio. El grupo calentando antes de lanzarse a la yugular del oyente, como si fueran una orquesta afinando los instrumentos, generando esa sensación de que se nos viene encima algo muy, pero que muy grande.
Las dos rolas inéditas, “Yank Me, Crank Me” y “Gonzo”, van subiendo el tono, con un ritmo rápido y pegajoso y un requinto que gime obligándote a seguir el ritmo con los pies. esto es hard rock&roll y lo demás son tonterías.
“Baby Please Don´t Go” es un viejo tema de Big Joe Williams, que AC/DC también incluyeron en el Ep en vivo “´74 Jailbreak”. Atentos al final, cuando el vocalista Derek St. Holmes agradece la respuesta al público, y de pronto interviene el cafre de Nugent silenciando a todo el mundo con un demencial alarido.
“Great White Buffalo”, rescatada de los días de Amboy Dukes, más rock blues acelerado que el guitarrista utiliza aún hoy día para cerrar sus conciertos con un penacho indio en la cabeza, e “Hibernation”, dieciséis minutos de be bop guitarrero, con las cuerdas del hacha del Jefe como únicas voces. Siempre me impresionó ese momento hacia la mitad, cuando Ted alarga una nota, y desde atrás se va escuchando el crescendo de la batería, que entra a trompicones.
El Lado 3 del disco 2 abre con “Stormtroopin´”, ocho minutos soberbios donde el cuarteto parece poseído por el baile de San Vito, y a continuación es presentado el contundente blues rock ralentizado de “Stranglehold”, uno de los momentos culminantes de su recordado disco de debut en el 75, e inmediatamente después “Wang Dang Sweet Poontang”. En esta pieza, cuyo título suena a algo así como echar un polvo en argot Cherokee, se juntan todas las características de la música de Nugent: La alucinada verborrea de sus discursos introductorios –de la parrafada inconexa que suelta al principio tomaron Blaine Cartwright y Ruyter Suys el nombre para su banda Nashville Pussy-, el ataque de guitarra despiadado, la sensación general de desmadre y descontrol en nombre de la vida y del rock and roll.
La conocida “Cat Scratch Fever”, hecha cover por un montón de grupos –Motörhead en el irregular album “March or Die” entre otros-, y la final y explosiva “Motor City Madhouse”, dedicada por supuesto a Detroit, todas ellas perfectos ejemplos de ese toque agresivo, desbocado como una estampida de caballos, por el que Ted es famoso.
Un lado del desplegable interior del album Double Live Gonzo! de Ted Nugent
“Double Live Gonzo” es un album que te hace vibrar, latir y bombea tu sangre, como el corazón del Gran Búfalo Blanco de las praderas al que el gran Gonzo Ted dedicó una canción.
Promocional del album Double Live Gonzo! impreso en New Musical Express
