Chuck Mangione Feels So Good (1977) (Jazz)

Feels So Good es un álbum de jazz de 1977 lanzado por Chuck Mangione. Contiene su sencillo de éxito, la canción principal "Feels So Good", que en una forma editada alcanzó el número 4 en las listas de Estados Unidos. La canción también alcanzó la cima de la lista contemporánea para adultos de Billboard. También se mencionó con frecuencia en la comedia televisiva animada King of the Hill, en la que Mangione tuvo un papel de voz recurrente como él mismo.

El álbum Feels So Good alcanzó el puesto número 2 en la lista de álbumes de Billboard en 1978, detrás de la banda sonora de Saturday Night Fever.

Este álbum es el pináculo de la producción de Mangione con A&M y quizás su último gran álbum hasta que se "retiró" por un tiempo. Una buena porción de pop instrumental con buenos solos de jazz agregados, una escucha agradable para cualquiera que le guste la música melódica y al mismo tiempo satisface a algunos fanáticos del jazz que no son tan tensos. Un soplo de aire fresco en cada escucha esporádica. La música se mantiene muy bien 40 años después de haber salido a la luz, y la cara dos en particular, se mantiene muy bien, con el excelente "Hide & Seek" y "The 11th Commandment".

Porqué Tanto éxito?

¿Han pasado poco más de 20 años desde que Feels So Good de Chuck Mangione apareció por primera vez en las ondas de radio musicales. Mucho antes de lo que ahora se conoce como "New Age Jazz" o

"Smooth Jazz", muchos artistas de jazz como Mangione, Pat Metheny y David Sanborn presentaban jazz en un estilo muy diferente al de los artistas de jazz contemporáneos, como Duke Ellington, Ella Fitzgerald e incluso diferente al jazz de las grandes badas, (big bands).

Cuando la canción de Chuck Mangione "Feels So Good" salió al aire, fue la canción más importante de su tiempo. Sus melodías instrumentales se presentaron en los Juegos Olímpicos, y muchas estaciones de radio (incluido el estudio de radio de mi escuela secundaria) usaban sus melodías como música de fondo para varios comerciales y anuncios.

Al escuchar su álbum de 1977 Feels So Good, no puedo evitar escuchar más de este tipo de música. Mientras escucho la estación de radio local Smooth Jazz Chicago (WNUA-FM 95.5), lo que hace a este álbum (y a este tipo de música) es cómo se combinan ciertos instrumentos musicales. Dos instrumentos en particular, uno que aparece en el álbum de Mangione, es la guitarra (aunque Mangione es famoso como trompetista). El otro son teclados y / o sintetizadores.

Si bien la mayoría de la gente está familiarizada con la melodía de la pista principal de Mangione, su duración total se registra en cerca de 10 minutos y, francamente, es muy diferente a la versión corta estándar con la que todos estamos familiarizados. Esta versión del LP comienza muy lento y luego patea con el comienzo de los toques instrumentales de guitarra (guitar licks) de la ya conocida versión corta. También hay diferentes solos (tanto de trompeta como de guitarra) en todas partes. Una cosa al descubrir versiones largas de canciones conocidas es que estás tan acostumbrado a las versiones cortas que siempre te pilla desprevenido. (¿Recuerdas haber escuchado la versión larga de "Light My Fire" de The Doors" por primera vez?) 

Funda interior del disco LP 1

Por mucho que se escuche la trompeta de Mangione (en realidad es el fluegelhorn en alemán fliscorno en español) en este álbum (y a lo largo de su carrera), su instrumentación con la guitarra es simplemente fenomenal. Incluso la canción "Maui-Waui" recibió un poco de difusión en la radio, como recordaba haberla escuchado para esta revisión (¿o la escuché como uno de esos fondos comerciales de cuando?). En cualquier caso, esta canción también es tan buena como la canción principal.

"Theme From Side Street" combina trompas con guitarra. Se relacionan con los cuernos españoles que con ningún tipo en particular. "Hide and Seek (Ready Or Not Here I Come)" es muy alegre y alegre.

"Last Dance" define el verdadero significado del Smooth Jazz: tiene un sonido muy romántico y es muy relajante. De alguna manera, melodías románticas como estas solo pueden enfocarse en el cuerno como el instrumento clave principal. Incluso los toques de guitarra enérgicos son simplemente magníficos.

"El XI Mandamiento" (ese es el número 11 para aquellos que no lo saben) suena muy olímpico. Sin embargo, es de mal humor, cambia de ritmo hacia el final y es una canción que marca el ritmo de los Juegos Olímpicos (en los que se presentó gran parte de su música en años posteriores).

Funda interior del disco LP 2

El título lo dice todo: Feels So Good es como "tú" te sentirás después de escuchar este álbum. La mayoría de las canciones son bastante largas (el promedio es de más de ocho minutos, la más corta un poco más de dos), pero de alguna manera todavía quiero escuchar más. Y también me dan ganas de explorar otros artistas de jazz suave y sus estilos. Lo que no sabía era que este tipo de jazz existía desde finales de la década de 1970. Este tipo de música se hizo más popular a finales de la década de 1980. El jazz no fue tan popular como el rock y / o la música pop, hasta que fue reconocido, también a finales de los ochenta. Esta música es muy bien aceptada hoy en día, desde sus melodías alegres y optimistas como "Hide and Seek", hasta los arreglos suaves en canciones como "Feels So Good" y "Last Dance", el jazz ha creado otro capítulo en el libro de la música popular, justo al lado de Rock 'n' Roll, Country, Pop, Alertnative y muchas más categorías de música. Y ese capítulo es "Smooth Jazz".

En algún lugar, en una de esas muchas estaciones de radio de "Smooth Jazz", suena la música de Chuck Mangione. No hemos escuchado mucho de él en el centro de atención de la música popular recientemente, porque obviamente, la música popular de hoy está dominada por el hip-hop, el rap y la alternativa. Pero en algún lugar de la sección del jazz, muchas personas están descubriendo o redescubriendo la música de Mangione. Feels So Good lo puso en el mapa como un prometedor artista de jazz y abrió las puertas, como sus compañeros, para explorar la música del jazz en su siguiente categoría destacada: New Age Jazz. Explora por ti mismo: es genial escucharlo, es relajante y romántico. New Age / Smooth Jazz está de moda y estará aquí por mucho tiempo.

Portada trasera LP

The Beatles Yellow Submarine (1969 Album)

Yellow Submarine Soundtrack

Yellow Submarine es el décimo álbum de estudio de la banda de rock inglesa The Beatles, lanzado el 13 de enero de 1969 en los Estados Unidos y el 17 de enero en el Reino Unido. Se publicó como banda sonora de la película animada del mismo nombre, que se estrenó en Londres en julio de 1968. El álbum contiene seis canciones de los Beatles, incluidas cuatro canciones nuevas y las ya publicadas "Yellow Submarine" y "All You Need Is Love". El resto del álbum es una regrabación de la banda sonora orquestal de la película por el productor de la banda, George Martin. 

Este Poster fué un artículo promocional entregado a las tiendas de discos a través de Shell Petroleum Company. 

Los Beatles consideraron el proyecto como una obligación contractual, a quienes se les pidió que proporcionaran cuatro canciones nuevas para la película. Algunas fueron escritas y grabadas específicamente para la banda sonora, mientras que otras fueron pistas inéditas de otros proyectos. El álbum fue grabado antes - y publicado dos meses después - del doble LP homónimo de la banda (también conocido como el "Álbum Blanco") y la banda no lo vio como un lanzamiento significativo. Se había considerado un EP que contenía solo las nuevas canciones y se masterizó, pero no se publicó. Las mezclas mono originales se incluyeron más tarde en la compilación Mono Masters de 2009.

Yellow Submarine alcanzó el top 5 en Reino Unido y Estados Unidos. Desde entonces ha tenido una recepción mixta por parte de los críticos de música, algunos de los cuales consideran que no alcanza el alto nivel generalmente asociado con el trabajo de los Beatles. Otra versión del álbum, Yellow Submarine Songtrack, se publicó en el 30 aniversario de la película. Prescinde de las orquestaciones de George Martin e incluye las seis canciones de los Beatles del álbum original, junto con nueve canciones adicionales que se escuchan en la película, todas recién remezcladas.

 La historia detrás de Yellow Submarine 

La historia de Yellow Submarine —décimo álbum de los Beatles, lanzado el 13 de enero de 1969 en
Estados Unidos— es atípica. Para empezar, hay que reconocer que se trata de uno de los discos menos exitosos del cuarteto de Liverpool, precedido de un confesado desgano creativo suscitado por la desconfianza que generaba en el grupo la realización de la película animada. Corría el verano de 1968 cuando el largometraje homónimo se estrenó en el London Pavilion Cinema. La banda sonora no se publicó de inmediato porque en esos días John, Paul, George y Ringo habían comenzado las sesiones de grabación del White Album, que vería la luz el 22 de noviembre de ese año. Gran acierto, pues el disco se mantuvo 30 semanas en la cima de las listas.  

 Anuncio de prensa de Yellow Submarine UK, Enero de 1969

 Páginas del libreto del CD Submarino Amarillo aquí

Concentrados en la realización del material con el que alcanzaron la cumbre de su creatividad —según declaró Lennon en una entrevista para Rolling Stone en 1970—, los Fab Four rechazaban a la idea de filmar otra película, pero el contrato con United Artists reclama la confección de una más. La solución vino de la mano de Al Brodax, productor de la serie de dibujos animados The Beatles, que había sido emitida semanalmente desde septiembre de 1965 en la cadena ABC de Estados Unidos con éxito abrumador. Lennon y compañía detestaban la serie, en buena medida por el doblaje, de modo que vieron Yellow Submarine como una redención ante sus alter ego caricaturescos y como una forma de quitarse de encima los compromisos contractuales con la menor inversión posible de esfuerzo. 

 

Para el soundtrack, el mánager Brian Epstein prometió cuatro canciones originales, pero entre los músicos se palpaba la sensación de que su creatividad estaba siendo drenada sin ninguna retribución. En una entrevista con David Sheff para Playboy, Lennon confesó que, salvo los dibujantes, “el equipo de Yellow Submarine no era más que un hatajo de bestias repugnantes. [...] Cogieron todas nuestras ideas para la película sin darnos ningún crédito a cambio”. El desgano bordeó lo ridículo. Jean-Michel Guesdon y Philippe Margotin cuentan en el abultado libro "Todo Sobre Los Beatles" que el cuarteto solía bromear al respecto: “si la realización de un tema es decepcionante, se guardará para la película” 

La conmoción asaltó a los Beatles cuando asistieron a la premiere: el filme superó sus expectativas y disipó toda duda. El guión era sólido y las imágenes —espejo impecable de la psicodelia que había inundado la música del grupo en el pasado— resultaban portentosas en pantalla grande. John Lennon, Paul McCartney, George Harrison y Ringo Starr lamentaron no haberse involucrado más en la producción. A pesar de la desilusión de algunos seguidores por no encontrar más de cuatro canciones inéditas, el álbum fué bien recibido, pero no alcanzó la gloria de su antecesor.

 Anuncio impreso de promoción de lanzamiento de la canción "All You Need Is Love" de The Beatles, 1967.

 Canciones del album

Solo una cara del álbum contiene canciones interpretadas por los Beatles; de los seis, dos de ellos fueron liberados previamente. "Yellow Submarine" se había publicado en agosto de 1966 como single, encabezando la lista del Reino Unido durante cuatro semanas, y también se había lanzado en el álbum Revolver. Después de la interpretación de la canción por parte de los Beatles en la transmisión de televisión internacional Our World, "All You Need Is Love" también se publicó como single, en Julio de 1967. Se hizo una mezcla estéreo de esta canción el 29 de octubre de 1968 para su lanzamiento en este álbum. 

De las pistas inéditas, la primera en grabarse fue "Only a Northern Song" de George Harrison, grabada en febrero de 1967 pero rechazada para su inclusión en el album Sgt. Pimienta. El grupo realizó sobregrabaciones en esta pista básica en abril, inmediatamente después de completar las mezclas estéreo para ese álbum. Entre los sonidos añadidos durante lo que el historiador de los Beatles Mark Lewisohn describe como "una sesión curiosa", estaban la trompeta, el glockenspiel y voces habladas. Las letras de Harrison reflejan su disgusto por ser simplemente un compositor contratado de los Beatles. editorial, Northern Songs. 

"All Together Now" se grabó en una sola sesión el 12 de mayo de 1967, específicamente para el proyecto cinematográfico. El título proviene de una frase que Paul McCartney había escuchado de niño, para animar a todos a cantar canciones de music hall. Más tarde describió la canción como "desechable". 

 Portada desplegable interior del album LP Yellow Submarine Songtrack

 

La banda grabó "It's All Too Much" de Harrison a finales de mayo de 1967 en los estudios De Lane Lea en el centro de Londres. Inspirada en la experimentación de su autor con la droga LSD, y originalmente con una duración de más de ocho minutos,  la canción refleja la filosofía Summer of Love de 1967 y hace un uso extensivo de la retroalimentación de la guitarra.  Al igual que con "All You Need Is Love" que se grabó más tarde, la pista incluye citas musicales y líricas de otras obras, en este caso, un pasaje de trompeta de "Prince of Denmark's March" de Jeremiah Clarke y una letra del éxito de 1966 de Merseys " Sorrow". 

"Hey Bulldog" de John Lennon se grabó el 11 de febrero de 1968 y evolucionó a partir de una intención inicial de filmar una película promocional para el sencillo "Lady Madonna". Al igual que "All Together Now", se grabó específicamente teniendo en cuenta la banda sonora de la película. El final de la pista contenía una jam session después del punto en el que se pretendía un fundido de salida en la mezcla final, que se mantuvo en la versión final. Lennon luego describió la canción como "un disco que suena bien que significa nada ". 

Bee Gees Greatest (LP 1979)

Bee Gees Greatest es un álbum de grandes éxitos del grupo de pop británico Bee Gees. Lanzado por RSO Records en octubre de 1979, el álbum es una retrospectiva del material del grupo de 1975 a 1979. Reprise Records lanzó una versión remasterizada y ampliada del álbum en 2007. 

 

El Album

El lanzamiento original fue un álbum doble, con fundas internas para los discos de papel y los sellos  de los discos con fotos de cada hermano en los primeros tres lados y los tres hermanos en el lado cuatro, mientras que cada carátula de disco estaba adornada con el logo Bee Gees Greatest. La cara uno contiene pistas disco con "Jive Talkin '", "Night Fever", "Tragedy", "You Should Be Dancing" y "Stayin' Alive". La segunda cara contiene baladas y presenta "How Deep Is Your Love", "Too Much Heaven", "Love So Right", "(Our Love) Don't Throw It All Away" y "Fanny (Be Tender with My Love)". . La cara tres consta de caras B y pistas de álbumes como "If I Can't Have You", "You Stepped Into My Life", "Love Me", "More Than a Woman" y "Rest Your Love on Me". El lado tres también consta de canciones que generaron versiones de versiones para otros artistas. El lado cuatro contiene "Noches en Broadway", "Espíritus (que han volado)", "Viento de cambio", "Te amo de adentro hacia afuera" y "Niños del mundo".

Dos sencillos de las listas de éxitos Top 40, "Boogie Child" (n. ° 12) y "Edge of the Universe (Live)" (n. ° 26) se omitieron en favor de pistas con las que otros artistas tuvieron éxitos, como "Love Me" y "If I Can't Have You "(Yvonne Elliman) y" You Step Into My Life "(Melba Moore y Wayne Newton). Incidentalmente, "Boogie Child" alcanzó un poco más alto en el Billboard Hot 100 que la versión de Yvonne Elliman de "Love Me" (# 14), mientras que las grabaciones de Melba Moore y Wayne Newton de "You Stepped Into My Life" solo alcanzaron un máximo de 47 y 90, respectivamente. , en 1979. "Boogie Child" apareció en el box set Tales from the Brothers Gibb, pero nuevamente se pasó por alto en el set de doble disco Sus grandes éxitos: The Record de 2001 ..

Reediciones 

Greatest se lanzó en CD como un conjunto de dos discos, pero desde entonces se ha eliminado a nivel nacional con el lanzamiento de The Record.

El 18 de septiembre de 2007, Reprise Records lanzó una versión remasterizada y ampliada de Greatest. Muchas de las pistas de Greatest se han remasterizado anteriormente, pero el álbum contiene el primer lanzamiento de versiones remasterizadas de "You Stepped Into My Life", "Rest Your Love on Me", "Wind of Change", "Spirits (Habiendo volado) "y" Niños del mundo ". Además, hay versiones extendidas de "Stayin 'Alive" y una pista inédita de Bee Gees, "Warm Ride", que fue escrita para el grupo Rare Earth. La canción terminó siendo grabada por su hermano Andy Gibb para su álbum After Dark. El relanzamiento contiene nuevas mezclas de "You Should Be Dancing", "If I Can't Have You", "Night Fever" y "More Than a Woman "y como pista oculta, una nueva mezcla de" Stayin 'Alive ". La política no oficial de Billboard establece que un álbum requiere al menos un 33% de material nuevo para calificar como un nuevo lanzamiento; Bee Gees Greatest contiene aproximadamente un 28% de material nuevo, por lo que es una reedición.

Bee Gees Greatest encabezó las listas de álbumes de Billboard a principios de 1980, convirtiéndose en su tercer álbum número uno consecutivo. La reedición de Bee Gees Greatest debutó en el número 1 en las listas de Pop Catalog de Billboard durante la semana del 30 de septiembre de 2007. Hubo algunas dudas sobre si Billboard iba a tratar esto como un nuevo lanzamiento o una reedición. El conjunto escaneó más de 20,000 copias durante la semana, lo que lo convirtió en el 35 ° álbum más vendido en el país, lo suficientemente bueno como para ubicarse en el Top 40 de Billboard.

 

Def Leppard - 19 80 VAULT 19 95 (1995 Greatest Hits)

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Vault: Def Leppard Greatest Hits (1980-1995) es el primer álbum de grandes éxitos y el segundo álbum recopilatorio de la banda inglesa de hard rock Def Leppard. El álbum fue lanzado originalmente en el país de origen de la banda el 23 de octubre de 1995 por Mercury Records. Fué lanzado en Norteamérica unos días después, el 31 de octubre, por el mismo sello. Vault pasó a obtener la certificación oro en cuatro países, platino en tres y multiplatino en dos. En los Estados Unidos, el álbum está certificado 5 veces platino por la RIAA, y en junio de 2011 superó la marca de cinco millones en ventas allí. Ganó el premio Readers 'Choice de 1995 de la revista Metal Edge por "Mejores éxitos o álbum recopilatorio". 

El álbum incluía una canción recién grabada, "When Love & Hate Collide", que se lanzó como single el 2 de octubre de 1995.

La lista de canciones de la colección varió según la región, aunque ninguno de los lanzamientos tenía canciones del álbum debut de la banda en 1980, On Through the Night en la lista de canciones.

El 23 de octubre de 1995, para promover el lanzamiento de Vault, la banda tocó espectáculos acústicos en tres continentes en un día: Tánger, Marruecos en África, Londres, Inglaterra, Reino Unido en Europa y Vancouver, Columbia Británica, Canadá en América del Norte. La hazaña también hizo el Libro Guinness de los récords mundiales.

Se grabó una nueva pista para esta colección, "When Love & Hate Collide", que anteriormente era un sobrante de las sesiones de grabación de Adrenalize. La balada se convirtió en el sencillo conjunto de la banda con más éxitos en el Reino Unido, junto con "Let's Get Rocked" de 1992, que alcanzó el número 2 en el otoño de 1995.

Las canciones son las versiones LP originales, con las siguientes excepciones:

"Pour Some Sugar on Me" es la versión de edición de video. Esta versión en realidad presenta una introducción extendida y distorsionada, haciéndola más larga que la versión de Hysteria, que tiene la introducción más corta de "Entra, camina por aquí".

"Rocket" es la edición única, que es más corta que su contraparte LP.

"Bringin 'on the Heartbreak" se desvanece un poco antes que la versión LP, donde pasa a "Switch 625".

 

La dirección de arte y el diseño de Vault estuvieron a cargo de Exquisite Corpse con fotografías de Cythia Levine y Ross Halfin. La mayoría de las portadas del álbum tienen una imagen de una bóveda real, mientras que una colección de dos discos de edición limitada tiene una imagen de un ojo verde con una bóveda dentro del ojo. Las notas del CD incluían un resumen de tres páginas de la historia de la banda por Peter Mensch, quien apareció en dos de los videos musicales del grupo. Aunque no aparece en el lanzamiento de América del Norte, otras notas incluyen una nota firmada por los miembros de la banda hablando sobre el próximo álbum del grupo, Slang.

 

Eric Clapton - Crossroads Guitar Festival (2019)

Eric Clapton, uno de los guitarristas de blues / rock más destacados del mundo, convocó una vez más a un equipo de estrellas de héroes de seis cuerdas para su quinto Festival de Guitarra Crossroads en 2019. Celebrado en el American Airlines Center en Dallas, Texas, el evento-concierto de dos días recaudó fondos para el Crossroads Center Antigua ubicado en la isla caribeña de Antigua, el centro educativo y de tratamiento de la dependencia química que Clapton fundó en 1998.

Después de una pausa de seis años, el festival regresó lleno de energía con las destacadas actuaciones de Clapton, James Bay, Jeff Beck, Doyle Bramhall II, Gary Clark Jr., Robert Cray, Sheryl Crow, Andy Fairweather Low, Peter Frampton, Vince Gill, Buddy Guy , Sonny Landreth, Lianne La Havas, Los Lobos, John Mayer, Keb 'Mo', Bonnie Raitt, Robert Randolph, Tedeschi Trucks Band, Jimmie Vaughan y más.

A lo largo del espectáculo, Clapton compartió el escenario con otros para interpretar algunas de sus canciones más conocidas, incluyendo "Layla" con John Mayer, además de versiones acústicas de "Wonderful Tonight" y "Lay Down Sally" con Andy Fairweather Low. Clapton también rindió homenaje a su difunto amigo George Harrison con una ardiente interpretación de "While My Guitar Gently Weeps" con Peter Frampton.

El cartel de The Crossroads ofreció una impresionante mezcla de artistas, con leyendas como Bonnie Raitt, James Burton, Robert Cray y Jeff Beck (cuya destacada versión de "Caroline, No" de The Beach Boys fue un punto culminante en el festival); las estrellas contemporáneas Gary Clark Jr., Robert Randolph y Sheryl Crow; así como los talentos en ascenso The Marcus King Band, Tom Misch y Lianne La Havas.

Naturalmente, las colaboraciones en el escenario proporcionaron algunos de los momentos más atractivos. Los aspectos más destacados incluyen una versión de "I Wanna Be Your Dog" de The Stooges de Doyle Bramhall II, Susan Tedeschi, Derek Trucks, Jim Keltner y el actor Bill Murray (M.C. del festival); Buddy Guy y Johnny Lang rompiendo el clásico "Cognac" de Guy; y una versión del éxito de Merle Haggard "Tonight The Bottle Let Me Down" de Vince Gill, Albert Lee, Bradley Walker y el maestro de dobro Jerry Douglas. Para el bis, Clapton regresó al escenario para dirigir las actuaciones de conjunto de "Purple Rain" de Prince y "High Time We Went" de Joe Cocker.

El primer concierto benéfico Crossroads se llevó a cabo en 1999 en el Madison Square Garden de la ciudad de Nueva York. El Crossroads Guitar Festival hizo su debut en 2004 en el Cotton Bowl en Dallas. Ese espectáculo con entradas agotadas se relató en un DVD de dos discos que desde entonces se ha convertido en uno de los DVD de música más vendidos del mundo, logrando la marca de platino 10x solo en los Estados Unidos. Los siguientes conjuntos de DVD obtuvieron una aclamación similar. La colección 2007 fue certificada 6x platino; el conjunto de 2010 fue certificado 3x platino; y el conjunto de 2013 fue certificado platino. Desde 2004, The Crossroads Guitar Festival se celebra cada tres años excepto en 2016.

El festival también fue la plataforma de lanzamiento del movimiento mundial "Turn Up For Recovery", que está ayudando a crear conciencia sobre la recuperación basada en la abstinencia y a recaudar fondos para brindar tratamiento en Crossroads a los necesitados.

Allman Brothers Band Trouble No More ~ 50th Anniversary Collection (5-CD set, 2020)

 

Aunque aparece después de su disolución en 2014, y la muerte de los dos hermanos Allman reales, Duane y Gregg, esta caja retrospectiva del 50 aniversario es posiblemente la única descripción general de la carrera de la banda a la que se puede llamar representante. Arreglado sobre diez LP o cinco discos compactos, Trouble No More examina en profundidad cada encarnación y etapa de los rockeros pioneros. Formula de manera convincente el argumento de que ninguna otra banda estadounidense logró más musicalmente (especialmente en vivo) al unir a la perfección el rock, el blues, el jazz y el R&B entre sí y con la improvisación extendida.

Este conjunto recopila 61 clásicos de Allman Brothers Band, actuaciones en vivo y rarezas, incluidas siete pistas inéditas, todas cuidadosamente remasterizadas, con un libro de 88 páginas lleno de fotos y un extenso ensayo histórico del historiador de ABB John Lynskey que resume los 13 encarnaciones de la formación de la banda. Lynskey coprodujo el set con las autoridades de ABB, Bill Levenson y Kirk West. En secuencia cronológica, la música y las imágenes que la acompañan ofrecen un retrato detallado y completo de esta legendaria banda en su mejor momento en todas las encarnaciones. Siempre pone a la cama el argumento de que después de Brothers and Sisters en 1972 se hicieron creativamente hasta que Warren Haynes se inscribió para su segunda reforma en 1989.

El set está compuesto por versiones de la canción principal escrita por Muddy Waters. Disc One es una demostración de estudio inédita de 1969, mientras que el electrizante cerrador del Disc Five se toma de los espectáculos de despedida en el Beacon Theatre. La demo es interesante, principalmente por la breve y cruda interacción entre los guitarristas Dickey Betts y Duane Allman. Algunos oyentes pueden sorprenderse al encontrar aquí solo la versión de estudio de "Whipping Post", pero dada la cantidad de improvisaciones largas que se incluyen, es una pequeña omisión; además, se incluye “In Memory of Elizabeth Reed” de los mismos conciertos de Fillmore East. Hay una versión no publicada anteriormente de "Mountain Jam" del Watkins Glenn Music Festival en 1973 que nunca antes se había publicado. Con poco más de 12 minutos, no es tan largo como el de Eat a Peach, pero ofrece la versión Chuck Leavell de la banda con Betts, Gregg, Jaimoe, Butch Trucks y el bajista Lamar Williams en su mejor momento con tres especiales. invitados: los guitarristas Robbie Robertson, Jerry García y Bob Weir! Hay excelentes opciones de los álbumes Win Lose o Draw y Enlightened Rogues (por lo demás documentos irregulares) que muestran la excelente composición de Betts en "High Falls", "Crazy Love", "Pegasus" y "Can't Take It with You". ”Co-compuesta con el actor Don Johnson.

El disco final contiene la mayor parte del material inédito, todo grabado en vivo durante los años de Peach Records, entre 2000 y 2014. La lectura de diez minutos de "Loan Me a Dime" de Fenton Robinson con Derek Trucks y Jimmy Herring a las guitarras es una de las dos melodías de esta formación, que ofrecen su propia versión de la melodía que Duane tocó para el yo de Boz Scaggs. debut titulado en 1969. Asimismo, un espectáculo de 1999, con Betts y Jack Pearson a las guitarras, ofrece una lectura de “I'm Not Crying” de este último y presenta la voz apasionada del compositor. Si bien es casi seguro que Trouble No More es solo para fanáticos incondicionales (dado su costo y el exceso [maravillosamente] ensamblado), también es la única compilación de Allman Brothers Band que en última instancia vale la pena poseer para esos mismos entusiastas.

Reseña de Thom Jurek

Sgt. Peppers Lonely Hearts CLub Band Photo Session Take

 

Fleetwood Mac - Fleetwood Mac (1975)

Fleetwood Mac es el décimo álbum de estudio de la banda británica de rock Fleetwood Mac, publicado en 1975 por Reprise Records. Es el primer disco con los músicos estadounidenses Lindsey Buckingham y Stevie Nicks, y a su vez el último con el sello Reprise. También con su lanzamiento se inicia una nueva etapa en la música del grupo, ya que en ciertos temas se acerca al pop rock y al soft rock, géneros musicales que se verían con mayor fuerza en los posteriores trabajos de estudio. En 2003 fue incluido en el puesto 182 de la lista los 500 mejores álbumes de todos los tiempos según la revista Rolling Stone.

Tras su lanzamiento se convirtió en un éxito rotundo en los principales mercados mundiales, como en los Estados Unidos, donde alcanzó el primer lugar en la lista Billboard 200.3​ Mientras que en el Reino Unido solo obtuvo la posición 23, pero que significó un gran avance en dicho mercado luego de cinco álbumes sin entrar en los UK Albums Chart.​ Por otro lado y a pesar que en los meses posteriores de su publicación solo vendió entre 300 y 350 mil copias, llegó ha convertirse en el segundo disco de la banda más vendido en los Estados Unidos, con certificación de quíntuple disco de platino, es decir más de 5 millones de copias vendidas.

A su vez, los temas lanzados como sencillos también obtuvieron muy buenos resultados en los mercados mundiales, como es el caso de «Rhiannon», que alcanzó el décimo primer lugar en la lista estadounidense Billboard Hot 100 al igual que «Say You Love Me», mientras que «Over My Head» obtuvo el top 20 en la misma lista. Otros temas como es el caso de «Landslide» y «Warm Days» se convirtieron en grandes éxitos radiales de las emisoras de AOR, principalmente de Europa.

Fleetwood Mac lleva el nombre de la sección rítmica de la banda, Mick Fleetwood y John McVie. Sorprendentemente, en 1975 eran los únicos miembros originales del grupo, habiendo pasado por una sucesión de guitarristas y vocalistas, y habiéndose trasladado de Inglaterra a California. Después de que el líder Bob Welch dejó el grupo, la serendipia permitió a Mick Fleetwood escuchar el álbum de Buckingham Nicks e invitar a Buckingham y Nicks a unirse, creando la formación más exitosa y de mayor duración del grupo. Con Buckingham en voz y guitarra, y Nicks, la banda tenía tres compositores, con Christine McVie ya proporcionando teclados y voz.

Su primer álbum juntos los encuentra firmemente arraigados en su sonido pop detallado con una producción intrincada y armonías suaves, y Fleetwood Mac es casi impecable. McVie ofrece el dulce pop de 'Warm Ways' y 'Over My Head', Buckingham remata el álbum con el pop alegre de 'Monday Morning' y el más oscuro 'I'm So Afraid', mientras que Nicks es el escritor más fuerte en esta etapa. con 'Rhiannon' (basada en la mitología galesa), 'Crystal' y la suave acústica 'Landslide'.

Este debut se ve ensombrecido por Rumors dos años después, que suena similar pero tiene una composición aún mejor y más profundidad emocional, pero Fleetwood Mac ya tiene su sonido característico en su lugar.