Heart Greatest Hits / Live (29-Noviembre-1980)

Este album doble titulado oficialmente Heart, fué promocionado y mejor conocido como Heart Greatest Hits Live y a pesar de lo que implica este nombre hay que aclarar que no es un album de hits en vivo de Heart, ni siquiera es un album totalmente en vivo. No obstantes estas supuestas "contradicciones" entre título y contenido del album, el album es muy congruente. Lo que pasó es que el nombre Heart Greatest Hits Live se usó ampliamente para referirse a este album, gracias en parte a, como comenté anteriormente, su promoción publicitaria, pero esta no promocionaba los éxitos de la banda interpretados en vivo, sino mas bien publicitaba la forma en la que el disco fué concebido, esto es: un album doble en el cuál el primer disco fuera una colección de las canciones más famosas de la banda -"Heart Greatest Hits"- y el segundo -"Heart Live"- fuera un album en vivo o lo más próximo a este, en donde se apreciara a la banda en algunos de sus mejores momentos en el escenario. La fecha de lanzamiento al público fué el 29 de Noviembre de 1980.

Anuncio promocional del album Heart Greatest Hits/Live por Epic, parcial.

La congruencia va de la mano con las buenas ideas y en este album se encuentran unos muy buenos conceptos puestos en práctica como el de unir en una sola realización un album de éxitos y uno en vivo, ya que, aunque muchos hubieran preferido un album exclusivamente de éxitos, este permite tener una visión general del trabajo y creatividad de la banda y una visión del poder y el sonido de la banda en sus actuaciones en vivo, sobre todo para quienes quisieran conocer al grupo por primera vez. Las ideas también se aplicaron al seleccionar las canciones que se incluirían en en cada disco, y también en este sentido podemos ver una congruencia puesto que se ofrece una lista de canciones con amplios estilos como para mostrar de lo que Heart es capaz. El rock pesado en tracks como Barracuda, Bebe le Strange, Mistral Wind y Rock and Roll (cover a la clásica rola del Zeppelin); el hard rock melódico de los 70´s en Crazy On You, Straight On, Even It  UP, Magic Man o Heartless; las baladas Dog And Butterfly, Dreamboat Annie y Sweet Darling; la instrumental en guitarra acústica Silver Wheels; las experimentales Hit Single y Strange Euphoria y finalmente los covers de hits clásicos como Unchainded Melody, el popurrí de I´m Down/Long Tall Sally.

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Portada interior del album desplegable Heart Greatest Hits/Live

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Se realizaron dos sencillos del doble LP, el primero fué "Tell Like It Is" un cover de la canción original compuesta por Aaron Neville y grabada y realizada por Heart en 1980 el cuál alcanzó el lugar número 8 en el Billboard Hot 100 durante el invierno de 1981 (Enero 10), y llegó a ser su sencillo de más alta clasificación en  los Estados Unidos hasta ese momento. En Canadá le fué mejor, alcanzando la posición número 4 según la clasificación de la revista RPM. 

El segundo sencillo realizado del album fué el cover en vivo de "Unchained Melody" original de Alex North y Hy Zaret publicado en Marzo de 1981 y el cuál rápidamente alcanzó la posición número 83 de los Billboard Hot 100 el 4 de Abril de ese mismo año.

Portadas y etiquetas de los sencillos desprendidos del album.

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Etiqueta del sencillo Tell Like It Is
Notese la frase: "Tomada del LP

de Epic : Heart", en inglés.

Portada del sencillo Tell Like It Is
publicado en Italia

Etiqueta del sencillo Unchained Melody
Nótese la frase: "Tomada del album de
Epic: Heart", en inglés.

Portada del sencillo Tell Like It Is
publicado en Europa

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En los Estados Unidos el album alcanzó el lugar número 13 según las clasificación  y premios de los Billboard Albums y la Certificación de Doble Platino de la RIIA por ventas, las cuáles fueron de más de 2 millones de copias vendidas, o sea que fué un gran éxito.

Hablando de las canciones, y este es mi muy personal punto de vista, el orden en el que fueron editadas, supongo influye mucho en la aceptación y agrado que pueda tener entre el público. Claro que tiene que ver el factor de que las canciones del primer LP sean selecionadas de lo mejor del repertorio de Heart, pero el orden de las canciones del album Heart definitivamente contribuyen a hacer este album muy digerible y agradable pero no por eso comercial.
Barracuda por ejemplo, la rola que abre el album, es una pesada rola de hard-rock, con una además interesante historia sobre su origen, te mantiene llevando el ritmo con los dedos y solo se suaviza por las dulces voces de Ann y Nancy, sintiéndose potente en todo momento, el requinto siempre presente y buenos efectos.
Silver Wheels (la segunda) es una composición instrumental de guitarra acústica la cuál se funde perfectamente con el comienzo de la tercera canción Crazy On You, pareciendo que ambas son una sola canción pero con una gran introducción instrumental a guitarra, para luego dejarse ir con el rápido rasgueo de guitarra acústica y continuar con la parte blues-rocker de esta canción, gran combinación.
Con Straight On descansamos nuevamente del sonido hard para sumergirnos en la que Ann Wilson llamaría : "la primera canción bailable de Heart" y que, aunque incorpora algo de sonido funky, aún mantiene una esencia rockera con el ritmo a medio tiempo de rock y una guitarra que acompaña la canción de principio a fin. La voz de Ann, excelente.
Dreamboat Annie es una tranquila canción folk-rock, que comienza con el sonido de una ola del mar y con una introducción de guitarra acústica y la voz de Ann Wilson cantando con dulzura, así tranquilamente se cierra el lado 1 del primer disco del album.
Even It Up abre el lado 2 de este primer LP, comenzando con un tiempo rápido rasgueo de guitarra y una batería, es un número de buen rock and roll, es como una introducción o preámbulo a las rolonas que vendrán a continuación de esta, cortes más pesados, blueseros y rockers pero con la calidad musico-vocal y el sonido distintivo de Heart.

Portada trasera del album desplegable Heart Greatest Hits/Live

En realidad Silver Wheels sí fué creada pensando en ser la introducción apropiada para Crazy On You y ambas son parte del album Dreamboat Annie (1976) la primera precediendo a la segunda, pero por extraño que parezca, Silver Wheels no viene enlistada en la portada trasera de casi el 100% de los LPs o CDs que se encuentran a la venta en la red, En la página de descripción del album Dreamboat Annie de Wikipedia tampoco la incluye en la lista de canciones del album, enlistando solo 10 canciones, 5 del Lado 1 y 5 del Lado2, lo mismo en la página de la reseña de ALLMUSIC, lo cuál hace deducir que Silver Wheels es realmente una introducción parte de la canción Crazy On You y no una canción independiente. Sin embargo Silver Wheels sí aparece ya como canción formal en 2 albumes, primero en el album Bebe Le Strange (publicado el 14 de Febrero de 1980) y en el album doble Heart del cuál estamos tratando ahora, curiosidades...

Cartel promocional de la gira de apoyo al album Heart Greatest Hits/Live

Aqui pongo dos comentarios de Nancy Wilson respecto a la canción Silver Wheels:

Nancy: "En el primer album, Yo hice una pieza acústica instrumental, Silver Wheels, la que introducía a Crazy on You," Nancy recuerda. "Yo realmente quería que la gente supiera lo que yo podía hacer. Era lo mismo que sentarme en la tienda de música de Bandwagon y tocar Anji. Era como, "Mírame, sé algunas cosas". Tomado del artículo Guitar Queen of Heart en Acoustic Guitar.

Nancy: "La introducción acústica fué escrita con la canción en mente. Lo que yo estaba tratando de obtener era una cosa como la que Paul Simon había hecho en su versión de Anji. Yo tomé ese tipo de tempo y lo ensayé y puse en el tono de la canción y trabajé en ella por un par de días. Nosotras estábamos en un tipo de necedad de hacer de Dreamboat Annie una especie de concepto. En el tiempo en que nosotras escuchábamos cosas como Yes, donde tenías a Steve Howe haciendo algunas introducciones acústicas suaves a las cosas y había montones de partes diferentes para canciones  – esto no era solo  requinto-verso-coro-puente-verso-coro-salida, o lo que fuese. Nosotras estábamos tratando de ser más creativas y una especie de profundas y poéticas con estas canciones. No estábamos temerosas de ser un poco más "elevados" con todo esto, hasta cierto grado".

Bayou Country - Creedence Clearwater Revival

Portada frontal del album lp Bayou Country

Bayou Country es el segundo álbum de estudio de la banda de rock estadounidense Creedence Clearwater Revival (CCR), lanzado por Fantasy Records el 15 de enero de 1969, y fue el primero de los tres álbumes que la banda  lanzó ese año. Bayou Country alcanzó el número 7 en la lista Billboard 200 y produjo el primer sencillo número 2 de la banda, "Proud Mary".

Bayou Country es ampliamente elogiado como un disco definitivo de swamp rock, que muestra su mezcla característica de blues, country y rock con una instrumentación potente y sobria y la voz áspera de John Fogerty, solidificando su sonido con temas icónicos como "Born on the Bayou" y "Proud Mary", y elogiado por su atmósfera cohesiva, su fuerte musicalidad y su representación influyente y evocadora del sur de Estados Unidos, incluso si algunos notan repeticiones menores o ligeros problemas de producción.

"Era un conjunto de material engañosamente simple. Además de las tres piezas principales, Fogerty también tenía un par de blues adecuados y un tema para conciertos en su haber: "Graveyard Train", "Penthouse Pauper" y "Bootleg". "Good Golly Miss Molly" era el clásico tema de fiesta de la fraternidad de Creedence, y su desgarradora imitación de Little Richard estaba bien ensayada." tomado del booklet.

Gran parte de la magia del album viene de la energía directa de la banda tocando junta, y es que todas las pistas básicas se grabaron en vivo, con muy pocos retoques posteriores. Bayou Country es un disco sin desperdicio! Algunos temas del album son densos y muy atrayentes, te atrapan y sumergen en el desarrollo de la melodía con mucha fuerza, con ritmo y mucha distorsión en las guitarras pero nunca aburridos, algunos otros son muy movidos y muy pegajosos, rápidos que te invitan a bailar. Graveyard Train es una joya hipnótica de más de ocho minutos que te sumerge en una atmósfera muy groovy.

En una reseña inicial, Rolling Stone consideró que el álbum adolecía de una grave inconsistencia. «Los buenos cortes son muy buenos, pero los malos simplemente no la hacen», afirmó. La reseña fue positiva para la canción principal, «Born on the Bayou» y «Proud Mary», pero consideró que muchos de los demás temas carecían de originalidad. En general, consideró que el material del álbum «no siempre es sólido, pero Creedence Clearwater Revival toca con suficiente entusiasmo para superar este problema». Para su reedición del 40.º aniversario en 2008, el álbum recibió una puntuación de 3,5 estrellas sobre 5. En AllMusic, el álbum recibió 4.5 estrellas (de 5), y Stephen Thomas Erlewine declaró: «Comenzando lentamente con la oscura y pantanosa «Born on the Bayou», Bayou Country revela un Creedence Clearwater Revival consolidado, una banda que ha encontrado su voz entre su primer y segundo álbum. «Born on the Bayou» no solo anuncia que CCR ha descubierto su sonido, sino que revela el alcance del mito de John Fogerty».

Portada trasera del album lp Bayou Country

El álbum fue incluido en el libro «1001 Álbumes que Debes Escuchar Antes de Morir».

El álbum fue certificado Oro por la RIAA el 16 de diciembre de 1970 y doble Platino el 13 de diciembre de 1990.

Ninguna canción es aburrida o fué puesta como relleno solo para completar el album. En lo personal me encanta este album. Si te gusta el rock, el blues, el swamp-rock y lo que haya enmedio, escucha Bayou Country.

In The Court Of The Crimson King - Octubre de 1969 - King Crimson

 

In the Court of the Crimson King (subtitulado An Observation by King Crimson) es el álbum de estudio debut de la banda inglesa de rock progresivo King Crimson, lanzado el 10 de octubre de 1969 por Island Records.

Las primeras sesiones del álbum se realizaron a principios de 1969 con el productor Tony Clarke, famoso por su trabajo con The Moody Blues. Tras el fracaso de estas sesiones, el grupo obtuvo permiso para producir el álbum por sí mismo. El álbum se grabó con una grabadora de 1" y 8 canales en los estudios Wessex Sound de Londres, bajo la ingeniería de Robin Thompson y la asistencia de Tony Page. Para lograr los característicos sonidos orquestales y exuberantes del álbum, Ian McDonald dedicó muchas horas a sobregrabar capas de mellotrón y varios instrumentos de viento madera y lengüeta. En algunos casos, la banda recurrió a cinco generaciones de cintas para lograr pistas con profundas capas y sesgues.

La música de In the Court of the Crimson King es considerada por la crítica como estilísticamente diversa y rítmicamente compleja. John Cunningham, de WhatCulture, afirmó que el álbum «echó por la borda el sonido blues del rock de la época. En su lugar, el grupo mostró un estilo psicodélico híbrido compuesto por acid rock, jazz y matices clásicos». Sean Murphy, de PopMatters, evaluó: «Esto no fué una pose, ni fué reaccionario; aun así, logra parecer, de alguna manera adelantado a su tiempo y también, hay que decirlo, fuera de el. Por supuesto, surgió de una época y de las mentes que lo concibieron: un espacio oscuro, sensible e innegablemente psicodélico». Añadió que, musicalmente, el álbum «habla desde lo underground, pero está arraigado en la historia y mira hacia adelante, no hacia atrás». Según el historiador musical Jeff Gold, «King Crimson abandonó la mayor parte de las raíces del R&B del rock para adoptar un estilo criptoclásico basado en la guitarra y el melotrón, que iba mucho más allá de lo que Procol Harum y los Moody Blues habían intentado anteriormente».

Foto archivo International Times 1969

El álbum contiene lo que el crítico musical Jim DeRogatis describe como «arreglos sinfónicos», con secciones de flauta y saxofón interpretadas por Ian McDonald. Se dice que su melotrón es el instrumento «dominante» del álbum, y se describe como «feroz y abrumador». El trabajo de guitarra de Robert Fripp se ha caracterizado por «fusionar de forma extraña la elegancia clásica, las explosiones de rock al estilo de Hendrix y los ritmos del jazz». La voz de Lake se ha descrito como «lastimera». Las letras del álbum se han descrito como «portentuosas» y exploran temas de conciencia social como la guerra, el colapso social y la alienación. Se han caracterizado por estar «llenas de visiones oscuras y catastróficas». Gold también señaló que la letra consiste en un "juego de palabras indirecto".

"21st Century Schizoid Man" ha sido calificado como "quizás el primer himno alternativo" por Manish Agarwal de Time Out, y DeRogatis afirmó que Fripp "nunca había rockeado tan fuerte" como en la canción, comparando su estilo con el heavy metal. La canción "I Talk to the Wind" fue escrita para el grupo predecesor de King Crimson: Giles, Giles and Fripp (la única canción del álbum en la que esto era así), pero King Crimson la conservó para mostrar el lado tierno del grupo. Según el letrista Peter Sinfield, la canción fue influenciada por Joni Mitchell; en una entrevista de 1997, afirmó que sigue siendo su letra favorita de todas las que ha escrito. Agarwal describió "Epitaph" como una balada. Describió "Moonchild" como una "espeluznante canción de amor pastoral". La canción contiene lo que se describe como un "interludio improvisado de ambient-jazz".

Interior de la funda desplegable del album lp In The Court Of The Crimson King

Se dice que el tema que da título al álbum evoca una atmósfera "medieval" y contiene lo que se ha caracterizado como "arabescos folclóricos, redobles de batería rimbombantes y flauta barroca". El tema fue compuesto por el tecladista e instrumentista de viento Ian McDonald y Sinfield para su anterior grupo, The Creation, y comenzó como una canción country y western antes de su configuración final de rock progresivo.

Este album es considerado ampliamente como una obra maestra fundamental del rock progresivo, que combina influencias de jazz, sinfónicas y psicodélicas con texturas pesadas, dramáticas y experimentales. Es muy aclamado por su maestría musical, su atmósfera intensa y su icónica portada, a menudo descrito como un álbum esencial y transformador en la historia del rock. Fué el debut perfecto para la banda King Crimson y es considerado como el primer y verdadero album de rock progresivo. Son 44 minutos de puro placer audible, sin pérdidas de tiempo ni de notas musicales. Para encerrarse en una habitación con varias varitas de incienso de sándalo o pachulí encendidas y absorber la música por todos los sentidos especialmente por los oídos y la mente y el incienso por la vista y la naríz...

Raised On Radio (Abril de 1986) - Journey

Portada Frontal del album lp Raised On Radio de la banda Journey

 Raised On Radio es el noveno álbum de estudio de la banda estadounidense de rock Journey, lanzado en abril de 1986 con el sello Columbia Records. Es el primer álbum producido por el vocalista Steve Perry lo que le dió un sonido mas refinado y cercano al pop-rock que sus trabajos anteriores. Referente a la alineación de la banda es notable ya que no cuenta con la participación del bajista fundador Ross Valory, quien fue reemplazado inicialmente por el bajista de sesión Bob Glaub y luego por Randy Jackson. El baterista Steve Smith colaboró ​​en algunos temas, pero fue reemplazado durante la grabación por el baterista de sesión Larrie Londin y luego por Mike Baird para la gira posterior.

De este album se desprendieron temas icónicos que alcanzaron buenas posiciones en las listas de popularidad e en Estados Unidos: Girl Can't Help It el n.° 17, I'll Be Alright Without You el n.° 14 y Suzanne el n.° 17. También generó un sencillo que llegó al top 10, Be Good to Yourself  lugar n.° 9). El album alcanzó el número 4 en la lista Billboard 200 y fue certificado doble platino en Estados Unidos.

Este fué el último disco de la banda antes de un largo descanso que duró una década, hasta su reunión en 1996. Es un album fundamental para entender la etapa más melódica y comercial de la banda, etapa que por cierto, no fué del agrado de muchísimos fans que los seguían desde sus primeras etapas en donde la banda incursion+o en géneros como el rock-progresivo, el jazz-rock o el hard-rock entre otros.

Lado uno lp Raised On Radio

Raised On Radio se lanzó tres años después de Frontiers (1983). En 1984, tanto el guitarrista principal Neal Schon como el cantante principal Steve Perry lanzaron álbumes en solitario: Schon en la banda HSAS (Through the Fire) y Perry con su álbum debut en solitario, Street Talk. Perry consideró dejar Journey tras el lanzamiento de Street Talk, del que se ha referido como "una de las experiencias más divertidas que he tenido". Perry decidió volver a trabajar con Journey cuando recibió una llamada del tecladista Jonathan Cain, quien le pidió que trabajara en algunas canciones inconclusas.

Gran parte del álbum tiene un aire similar al de "Street Talk" de Perry. Sin embargo, hay un elemento que define a este Journey definitivo (y, de hecho, lo salva del olvido musical): el trabajo de guitarra de Neal Schon. Flotando principalmente por encima del ritmo, las excelentes guitarras de Schon aportan el único valor sonoro verdaderamente interesante y estimulante a este álbum, con la excepción de algunas canciones con voces excelentes, como la del clásico que abre el álbum, "Girl Can't Help It".

Inserto lado 2 con la letra de las canciones lp Raised On Radio

Raised On Radio empieza con buen pie. "Girl Can't Help It" es la mejor canción del álbum, con un sonido directo y nítido con un ligero flanger, un riff de piano sencillo pero memorable y algunas guitarras contraarmónicas que lo acentúan todo. La canción evoluciona desde una primera sección sencilla y melódica a una segunda parte más intensa con excelentes armonías. "Positive Touch" continúa con un sonido característico de 1986 que sigue siendo bastante entretenido. El invitado Dan Hull añade un gran saxofón y la canción también contiene una entretenida sección de outro, realzada por las majestuosas melodías agudas de Perry. Hasta este punto, Raised On Radio sigue sintiéndose como la progresión natural del sonido de Journey.

Cartel promocional del album lp

Desafortunadamente, el álbum luego da un giro radical. Aunque ambas fueron importantes éxitos pop, "Suzanne" y "Be Good to Yourself" están por debajo de la mayoría de los grandes éxitos radiales del pasado de Journey. Se trata en su mayoría de canciones desechables, con apenas pequeños toques de excelencia en la guitarra y armonías vocales. La mayor decepción aquí es el trabajo de teclado de Cain, que ha decaído mucho desde las baladas de piano blues de los albumes Escape y Frontiers hacia un sonido de sintetizador barato y cursi en este álbum.

El resto de Raised On Radio es, en el mejor de los casos, mediocre y de alta gama. "Once You Love Somebody" contiene un bajo funky del futuro presentador de American Idol, Randy Jackson, y la canción principal abre con una armónica blues de Hull, pero ambas son canciones bastante mediocres en general. "I'll Be Alright Without You" es la mejor canción de la segunda cara, una balada de rock suave y contemporáneo para adultos, con voces armonizadas, bien complementadas por el canturreo de Perry y la lenta subida de Schon al riff de guitarra característico del final. "The Eyes of a Woman" es un poco pesimista, con sintetizadores de cuerda profundos y largos, y la canción final, "Why Can't This Night Go On Forever", es un intento de replicar baladas exitosas del pasado como "Faithfully", que se queda corta.

Inserto lado 1 lp Raised On Radio

Tras el lanzamiento de "Raised On Radio", Journey se embarcó en una gira que inicialmente fue muy exitosa, pero a principios de 1987, Perry, repentina e inesperadamente, la canceló y la banda se vio obligada a cancelar el resto de la gira y se tomó un descanso indefinido. Neal Schon y Jonathan Cain se unieron a John Waite y Ricky Phillips, excompañeros de Cain en Babys, para formar Bad English en 1988, mientras que Ross Valory se unió a Gregg Rolie para formar The Storm. No volverían a reunirse como banda hasta casi una década después, cuando los cinco miembros que formaron Journey antes de Raised On Radio tuvieron un breve regreso. Pero la banda clásica nunca volvió a ser la misma.

Portada trasera album lp Raised On Radio

Tras su regreso a Journey, Perry comenzó a tomar mayor control sobre la dirección de la banda. El bajista Ross Valory y el baterista Steve Smith fueron despedidos de la banda, en contra de la voluntad del mánager Herbie Herbert. Según Perry, Valory y Smith "no estaban contentos con el tipo de música que tocábamos y no les entusiasmaba mucho salir de gira".[7] Smith comentó más tarde sobre el proceso inicial de grabación: «Había mucha presión para hacerlo como Steve Perry quería, lo cual me generó muchos problemas porque sentía que debía ser un disco grupal, como todos los demás».[8] Valory fue reemplazado por Randy Jackson (bajo) y Smith por el músico de sesión Larrie Londin (batería). En el episodio de VH-1 Behind the Music con la banda, Perry expresó su pesar por su decisión, afirmando que si pudiera repetirlo, lo habría hecho de otra manera. Smith grabó tres temas con Journey en el álbum, y él y Valory siguieron recibiendo ingresos del disco y la gira posterior. Ambos regresaron a Journey en 1995.

Poster promocional del album

Perry cambió el título original de este proyecto de Freedom a Raised on Radio, lo que provocó la ira de Herbert y algunos miembros de la banda, ya que se alejaba del tema general de una sola palabra presente en la mayoría de sus álbumes anteriores. La banda terminaría usando el título Freedom 36 años después para su decimoquinto álbum de estudio.

La gira posterior contó con la participación de Schon, Perry, Cain y Jackson, y el baterista Mike Baird.

La portada del álbum (obra de Prairie Prince, uno de los primeros miembros de la banda) se inspiró en los estudios y antenas de KNGS en Hanford, California, propiedad de los padres de Perry, Ray y Mary Perry.

Recepción de la crítica

Raised on Radio recibió una recepción mixta de la crítica. William Ruhlmann, de AllMusic, comentó: «El noveno álbum de estudio de Journey redujo al grupo a un trío compuesto por el guitarrista Neal Schon, el cantante Steve Perry y el teclista Jonathan Cain. Pero incluso sin su sección rítmica habitual, el grupo logró recrear el accesible sonido pop-rock perfeccionado en álbumes anteriores como Escape y Frontiers. La guitarra de Schon aún sobresalía entre los gruesos acordes del teclado, y el tenor fluido de Perry aún le daba a las canciones un atractivo etéreo y melódico. Todo esto contribuyó a la venta de dos millones de copias y cinco sencillos en las listas, cuatro de los cuales llegaron al Top 40 y uno, «Be Good to Yourself», al Top Ten. Esto no igualó los siete millones de ventas del número uno de Escape, pero confirmó que la música de Journey tuvo una gran audiencia hasta el final (temporal) de su carrera».

Jesus Christ Superstar (Original Motion Picture Sound Track Album)

                                                     Portada frontal del album doble desplegable

Jesus Christ Superstar (The Original Motion Picture Sound Track Album) es el album que contenía la banda sonora de la película Jesus Christ Superstar, la cuál a su vez se basó en el album conceptual compuesto por Andrew Lloyd Webber y Tim Rice llamado Jesus Christ Superstar y que fué publicado en octubre de 1970, tanto en el Reino Unido como en los Estados Unidos de Norteamérica. 

La banda sonora de la película fue lanzada en formato LP por MCA Records en 1973.Fué relanzada en CD en 1993 y reeditada en 1998 para su 25 aniversario.La banda sonora de la película es una nueva grabación, diferente del álbum de 1970, a pesar de compartir algunos intérpretes.

El elenco en el album quedó así conformado: 

• Jesús Cristo ........................ Ted Neeley
• Judas Iscariote................. Carl anderson
• María Magdalena............Yvonne Elliman
• Poncio Pilatos.................. Barry Dennen
• Caifás.............................. Bob Bingham
• Simón Zealotes.......... Larry T. Marshall
• Rey Herodes.................. Joshua Mostel
• Ananías........................... Kurt Yaghjian

Páginas 1-2, booklet interior de fotos de la película.

Acerca del album y su crítica.

Acerca del album concretamente no hay mucho que decir, en realidad la crítica se centra en el analisis y juicio de la película y sus actores, los cuales por cierto ganaron premios y reconocimientos. En lo particular considero que hay que tener presente que es una opera-rock y como tal queda como testimonio de los actos trascendentales en el mundo del rock.

Páginas 3-4 booklet interior de fotos de la película.

Lo más importante aquí es escucharlo, como todo lo relacionado con la música, para conocer la obra en su total expresión y posteriormente, si cabe o es útil, emitir un juicio válido y honesto sobre la obra. Pero sobre todo hay que escucharlo para disfrutar lo que está opera-rock ofrece.

Páginas 5-6 booklet interior de fotos de la película.

Para ver las imágenes del booklet del disco a full-screen puedes dar click derecho en cada imagen y seleccionar la opción: Abrir enlace en una pestaña nueva.

Vale mucho la pena disfrutar de la obra, sin ver la película, solo escuchando el disco, pero es esencial seguir el guión, el cuál también viene incluído en el album desplegable. En lo personal el sumergirme en la historia de la obra solo escuchándola me resultó muy gratificante. Esas notas al ritmo de la música de rock, la guitarra, las voces, en cada rol interpretado, con tintes blueseros y rockeros y registros muy altos, llenos de sentimiento, hacen del album disfrutable a cada momento. La mezcla del rock, funk, blues con el acompañamiento de los arreglos ejecutados por la orquesta sinfónica es simplemente arrasador. No es solo un tipo o forma de rock sinfónico y ya, es realmente la fusión de ambos géneros de forma poética-musical si es que cabe la expresión, pero manteniendo por separado cada uno su esencia original. Y que decir de los coros angelicales de la overtura seguidos por la guitarra antecediendo a la primera canción Heaven On Their Minds. No voy a escribir una reseña canción por canción de toda la obra, solo quiero exponer, según mi parecer, algunos de los muchos puntos fuertes y relevantes musicalmente hablando, de la obra. 

Portada trasera del album doble desplegable

A continuación comparto en forma integra una reseña escrita sobre el album y hallada en la red, lo hago de esta forma porque concuerdo ampliamente con ella en mi perspectiva respecto a la versión de la obra original, perspectiva que me atrevería a decir es compartida, como es muy comprensible, por muchos también:

-Durante muchos años escuché la versión de ópera rock porque no tenía ni idea de que existía una grabación diferente conocida como "la banda sonora".

Años después, me encontré por casualidad con la versión de la banda sonora.

Y después de escucharla, quedé impresionado porque, aunque es bastante similar a la versión de la "ópera rock", la disfruté más en muchos aspectos, excepto por la producción musical en general, que carece de calidad y sin duda requiere una remezcla y reedición.

En primer lugar, aunque disfruto de la voz de Ian Gillan en todas mis grabaciones de Deep Purple, he llegado a la conclusión de que la voz de Ted Neeley se adapta mejor al personaje de Jesús, ya que Neeley interpreta con más emociones su parte vocal.

La segunda diferencia principal es la voz de Judas, interpretada por un tal Carl Anderson en la versión de la banda sonora y que, en mi humilde opinión, es más potente y emotiva que la voz de Murray Head en la versión de ópera rock.

Afortunadamente, Yvonne Elliman interpreta la voz de María Magdalena en ambas versiones, aunque su voz es más conmovedora en ciertos momentos de la versión de la banda sonora.

Por último, la banda sonora incluye una canción extra, que en sí misma es una canción profundamente maravillosa y que no se encuentra en la versión de ópera rock: ¿Could We Start Again Please?-

AC/DC - The Razors Edge (1991 Australian Tour Souvenir) 30 Septiembre 1991

The Razors Edge es el duodécimo álbum de estudio de la banda australiana de rock AC/DC. Lanzado el 24 de septiembre de 1990 a través de Albert Productions/CBS Records International en Australasia y Atlantic Records en Europa, se grabó en 1990 en Little Mountain Sound Studios en Vancouver, Canadá, y fué mezclado por Mike Fraser y producido por Bruce Fairbairn. Supuso un gran regreso para la banda, con los éxitos "Thunderstruck", "Are You Ready" y "Moneytalks". Este es el único álbum de estudio que incluye al baterista galés Chris Slade, quien fue baterista de AC/DC desde 1989 hasta su despido en 1994.

Las críticas sobre el álbum estuvieron, generalmente, divididas: Alex Henderson de AllMusic elogió a Brian Johnson y Angus Young, mientras que John Mendelsohn de Rolling Stone criticó su similitud con los trabajos anteriores de la banda. El álbum alcanzó el número 2 en la lista Billboard 200 de Estados Unidos y el número 4 en la lista de álbumes del Reino Unido, un éxito comercial rotundo que devolvió a la banda a una cima equivalente a la de su popularidad de finales de los 70 y principios de los 80. El álbum obtuvo certificaciones multiplatino en Australia, Canadá, Alemania, Suiza y Estados Unidos. Para promocionar The Razors Edge, la banda emprendió la gira mundial Razors Edge, que comenzó en noviembre de 1990.

El Boxset de Edición Especial 1991 Australian Tour Souvenir fué lanzado al público un año después, el 30 de Septiembre de 1991, como artículo promocional o publicitario. Este boxset de edición limitada fué lanzado solamente en Australia. Incluyéndo el album en CD, un videocassette en formato VHS con tres canciones, un poster gigante a todo color, un folleto desplegable a color de tres caras y una playera. Un detalle curioso, en algunos ejemplares se incluyó un billete de un dolar de AC/DC y en otros no. 

Programa-folleto a color desplegable lado externo

Programa-folleto a color desplegable lado interno

Videocassette VHS con tres canciones incluído en el boxset

Album cd The Razors Edge frontal

cd The Razors Edge de AC/DC

Poster gigante incluído en el boxset

Wasp - The Last Command - 25 Octubre 1985

 

The Last Command es el icónico segundo album de la banda de rock norteamericana W.A.S.P.. Originalmente publicada el 25 de Octubre de 1985 The Last command consolidó el lugar de Wasp en la historia del rock. El album incluyó sencillos legendarios como "Blind in Texas" y "Wild Child", además de clásicos como "Ballcrusher", "Jack Action" y "Widowmaker". Conocidos por su teatralidad desmesurada y su electrizante presencia escénica, W.A.S.P. y su anárquico líder, Blackie Lawless, conquistaron el mundo, pero fue su música la que les ganó una legión de fans devotos.

Como ya se mencionó The Last Command es el segundo álbum de estudio de la banda estadounidense de heavy metal W.A.S.P., lanzado el 25 de octubre de 1985. El álbum fue producido por Spencer Proffer, quizás mejor conocido por producir el álbum Metal Health de Quiet Riot, seis veces disco de platino, en 1983.

The Last Command es el primer álbum de W.A.S.P. que incluye la obra del baterista Steve Riley y el último en el que Randy Piper, miembro fundador, toca la guitarra. El álbum alcanzó el puesto número 49 en la lista de álbumes Billboard 200 a principios de 1986. Fué certificado oro por la RIAA el 4 de junio de 1998.

Funda interior del disco lp The Last Command, con las letras de las canciones

La canción "Running Wild in the Streets" fue escrita originalmente por Proffer y grabada por Spectre General, también conocido como Kick Axe, y Black Sabbath, junto con Ron Keel, antes de su lanzamiento en este álbum. "Sex Drive" fue escrita originalmente por Sister, la banda anterior de Blackie Lawless y Randy Piper. "Cries in the Night" está basada en la canción "Mr. Cool", publicada en un sencillo de 1976 de Killer Kane Band, de la que Blackie era miembro por aquel entonces.

"The Last Command" no suele ser tan apreciado como el album homónimo primer album de W.A.S.P., pero aún así sigue siendo un clásico. Personalmente, creo que este álbum es una ligera mejora con respecto al primero, ya que los miembros de W.A.S.P. comenzaron a escribir canciones con más profundidad, tanto lírica como musical. Claro que todavía hay muchas melodías divertidas y alocadas como "Ballcrusher", "Sex Drive" y "Blind In Texas", pero canciones como "Fistful of Diamonds", "Widowmaker" e incluso "Wild Child" comenzaron a presentar signos de madurez que se mostrarían plenamente en pocos años. La banda estaba en su mejor momento aquí y Blackie, en particular, ofreció una actuación increíble. Su voz aquí es de primera categoría, quizás la mejor que haya grabado. Entiendo que haya algunos sentimientos encontrados sobre este álbum, pero en general es un álbum fantástico.

Funda interior del disco lp The Last Command 

El álbum abre con una rola mortal, una de los mejores que W.A.S.P. ha compuesto jamás. Es una balada en esencia, pero también posee la pesadez y cautivación que pocas baladas podrían alcanzar. Tiene un gancho fuerte desde el principio y transmite una sensación épica, aunque no es realmente una canción épica. La canción fue originalmente pensada para Mötley Crue y menos mal que Blackie la conservó para W.A.S.P., ya que es un gran tema de apertura.

Después, el rock directo comienza con "Ball Crusher", que, bueno, tiene un riff demoledor. Las guitarras de este disco suenan muy atrevidas y sórdidas, lo que refuerza el efecto que W.A.S.P. creó y los distingue del resto. "Jack Action" tiene un riff principal impecable de Chris Holmes y es otro punto culminante del disco. Otros cortes son pura diversión, como "Blind in Texas", que es genial para festejar, y "Running Wild in the Streets", una canción ideal para cantar a coro.

Portada posterior del album The Last command de Wasp

También hay un par de baladas más en "Widowmaker" y "Cries in the Night". La primera tiene un riff sombrío que lleva a Blackie a gemir "I'm the Widowmaker". Esa parte vocal es tan escalofriante que te hace temblar de miedo. "Cries in the Night" es más bien un tema estándar y se vuelve bastante aburrido.

Otros temas como "Fistful of Diamonds" y "Sex Drive" sacan a relucir lo que podría considerarse el lado glam de la banda. Son canciones divertidas y agradables de escuchar, pero no realmente destacables. El último clásico que se puede encontrar es la canción principal. Tiene un estribillo que es imposible no cantar y un riff impresionante que resuena a lo largo de toda la canción y nunca se detiene.

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Con este álbum, W.A.S.P. demostró por qué eran auténticos. Con temas destacados como "Wild Child", "Jack Action" y "Widowmaker", este es un disco que cualquier fan de WASP o amante del heavy puro querría. La voz lastimera de Blackie, los riffs pesados ​​y sucios, la guitarra principal gruñona de Chris Holmes y un ataque brutal a los tímpanos hacen de este un clásico.

Este es definitivamente uno de los álbumes de W.A.S.P. para mí. Lo he escuchado durante muchos años y fue el álbum que realmente me presentó a la banda. Este álbum es sorprendentemente consistente y muestra aún más madurez que su debut. Si bien admito que algunos aspectos de este álbum se inclinan más hacia el hard rock/glam, Blackie Lawless aún logra crear un álbum de metal muy competente, con muchos riffs potentes y mucha agallas para acentuarlo.

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