Morning Has Broken - Anécdota por Rick Wakeman

"Morning Has Broken" es un popular y conocido himno cristiano publicado por primera vez en 1931. Tiene palabras de la autora inglesa Eleanor Farjeon y se inspiró en la aldea de Alfriston en East Sussex, luego se estableció en una canción gaélica escocesa tradicional conocida como " Bunessan "(comparte esta canción con el Villancico navideño del siglo XIX" Niño en el pesebre. "A menudo se canta en servicios para niños y en servicios funerarios.

El músico pop y cantante folk inglés Cat Stevens incluyó una versión en su álbum de 1971 Teaser and the Firecat. La canción se identificó con Stevens debido a la popularidad de esta grabación. Alcanzó el número seis en los EE.UU. Billboard Hot 100, número uno en el gráfico de escucha fácil de los Estados Unidos en 1972, y el número cuatro en las listas de la Revista de RPM canadiense.

Escribir crédito para "Morning Has Broken" se ha atribuido erróneamente ocasionalmente a Cat Stevens, quien popularizó la canción en el extranjero. El familiar arreglo de piano en la grabación de Stevens fue compuesto e interpretado por Rick Wakeman, un tecladista de formación clásica, más conocido por su mandato en la banda inglesa de rock progresivo Yes.

Al dar forma a "Morning Has Broken" para grabar, Stevens comenzó con un himno, que tardó unos 45 segundos en cantar en su forma básica. El productor Paul Samwell-Smith le dijo que nunca podría poner algo así en un álbum, y que tenía que durar al menos tres minutos, aunque una demo acústica de una versión temprana de Stevens dura casi tres minutos. Antes de la grabación real Stevens escuchó a Wakeman tocar algo en la cabina de grabación. Fue un esbozo de lo que luego se convertiría en "Catherine Howard". Stevens le dijo a Wakeman que le gustaba y quería algo similar a la sección de apertura, la sección de cierre y, si es posible, una sección del medio también. Wakeman le dijo a Stevens que no podía, ya que era su pieza destinada a un álbum en solitario, pero Stevens lo convenció de adaptar su composición. 

La familiar introducción del piano y la estructura general de la pieza pueden atribuirse a Stevens o Wakeman. 

En 2000, Wakeman lanzó una versión instrumental de "Morning Has Broken" en un álbum del mismo título. Ese mismo año dio una entrevista en BBC Radio 5 Live en la que dijo que había aceptado actuar en la pista de Cat Stevens por £ 10 y se "hizo añicos" que se le omitió en los créditos, y agregó que nunca recibió el dinero tampoco. . 

A su regreso a la actuación como Yusuf Islam, Stevens hizo un pago a Wakeman y se disculpó por la falta de pago original, que surgió de la confusión y un malentendido en la parte de la discográfica. En un documental transmitido por la televisión británica, Wakeman declaró que sentía que la versión de Stevens de "Morning Has Broken" era una pieza musical muy hermosa que había acercado a la gente a la verdad religiosa. Expresó su satisfacción por haber contribuido a esto.

La canción cambia las teclas hacia adelante y hacia atrás cuatro veces. El primer, segundo y cuarto versos de la canción se tocan en Do mayor, mientras que la introducción instrumental, el tercer verso y la final instrumental se juegan en Do mayor. Wiki

Flac - que es?



El formato FLAC es un programa informático que se utiliza para comprimir (reducir) un archivo de música pero sin perder absolutamente nada de información de la fuente original.
Esta fuente casi siempre es un CD de audio. Pero puede usarse para comprimir otros archivos de audio sin pérdidas como WAV, WAVE, etc.
Ampliemos un poco más la informacion, FLAC es uno de muchos formatos que se utilizan, como ya se dijo, para comprimir archivos de audio o música ya digitalizada.
Que es la compresión y para que sirve? 
La compresión de audio consiste en reducir o compactar el tamaño de los archivos de audio, archivos de video ó imágenes.
Para que me sirve el reducir o comprimir un archivo de audio?
La única finalidad de la compresión o reducción de un archivo de audio es el ahorro de espacio en el disco duro. sí, aunque podríamos creer que la finalidad de la compresión es algo de origen técnicamente más avanzado, en realidad su único fin es la de reducir el tamaño de los archivos de audio para que no ocupen tanto espacio en nuestra PC o discos duros y tambien el hacer dichos archivos más facilmente transferibles gracias a su pequeño tamaño.
Cualquier formato es bueno para comprimir archivos?
Pero CUIDADO! aqui es en donde está la razón del porque existen tantos formatos de compresión actualmente, resulta que el comprimir un archivo de audio implica la eliminación de información de audio y la subsecuente pérdida de fidelidad de la música original.
Como es obvio si se resta información musical a un archivo de audio, este se degradará y esa acción es presisamente la parte débil de la compresión, mientras más se reduzca un archivo con la intención de hacerlo menos pesado (ocupe menos espacio) se perderá fidelidad musical (información). Es por esto que se han creado tantos tipos de formatos de compresión de audio hoy en día, porque cada uno busca el poder comprimir los archivos musicales minimizando en lo posible la degradación de la información musical.
Básicamente los formatos de compresión se pueden dividir en dos grupos: los de compresión sin pérdida de información y los de compresión con pérdida de información.
Personalmente, no sé cuál es el motivo por el cuál quienes desarrollaron los formatos de compresión con pérdidas (lossy) lo hicieron, ni me interesa investigar el porqué, pero es fácil suponer que la idea primaria era la comercialización de los archivos musicales, es decir: tamaños pequeños=fácil movilidad-fácil transferencia de sitio a sito en las redes. Lo que no hay que olvidar es la baja calidad de la música comprimida por estos formatos, si se es un amante de la música, sea cual fuere el género de su preferencia, es indispensable considerar que un archivo o album musical comprimido en un formato de pérdida nunca le entregará toda la música ni la fidelidad que se espera o a la que se está acostumbrado, como la proveniente de un CD o de un disco. 
Para escuchar música con fidelidad. 
Por lo anterior, creo que para los melómanos o quienés quieran escuchar la música con toda la fidelidad con la que se grabaron, la alternativa, a la hora de comprimir un archivo de música -si es que se necesita comprimir- son los formatos de compresión sin pérdidads o lossless, los cuáles le permitirán reducir el tamaño de estos archivos en algunos casos hasta en una tasa de un 50% de compresión, lo que es muy bueno.

Formatos de Audio Digitales



El formato de audio digital es un programa informático que se utiliza para comprimir (reducir) un archivo de música pero sin perder absolutamente nada de información de la fuente original.
Esta fuente puede ser un CD de audio, una grabación analógica proveniente de un disco LP, un cassette, una transmisisón radiofónica o un evento en vivo pero puede usarse para comprimir otros archivos de audio digitales sin pérdidas como WAV, WAVE, etc.
Ampliemos un poco más la informacion, existen muchos formatos  que se utilizan, como ya se dijo, para comprimir archivos de audio o música ya digitalizada.

Que es la compresión y para que sirve?

La compresión de audio consiste en reducir o compactar el tamaño de los archivos de audio, archivos de video ó imágenes.

Para que me sirve el reducir o comprimir un archivo de audio?

La única finalidad de la compresión o reducción de un archivo de audio es el ahorro de espacio en el disco duro. sí, aunque podríamos creer que la finalidad de la compresión es algo de origen técnicamente más avanzado, en realidad su único fin es la de reducir el tamaño de los archivos de audio para que no ocupen tanto espacio en nuestra PC o discos duros y tambien el hacer dichos archivos más facilmente transferibles gracias a su pequeño tamaño.

Cualquier formato es bueno para comprimir archivos?

Pero CUIDADO! aqui es en donde está la razón del porque existen tantos formatos de compresión actualmente, resulta que el comprimir un archivo de audio implica la eliminación de información de audio y la subsecuente pérdida de fidelidad de la música original.
Como es obvio si se resta información musical a un archivo de audio, este se degradará y esa acción es presisamente la parte débil de la compresión, mientras más se reduzca un archivo con la intención de hacerlo menos pesado (ocupe menos espacio) se perderá fidelidad musical (información). Es por esto que se han creado tantos tipos de formatos de compresión de audio hoy en día, porque cada uno busca el poder comprimir los archivos musicales minimi- zando en lo posible la degradación de la información musical.
Básicamente los formatos de compresión se pueden dividir en dos grupos: los de compresión sin pérdida de información y los de compresión con pérdida de información.
Personalmente, no sé cuál es el motivo por el cuál quienes desarrollaron los formatos de compresión con pérdidas (lossy) lo hicieron, ni me interesa investigar el porqué, pero es fácil suponer que la idea primaria era la comercialización de los archivos musicales, es decir: tamaños pequeños=fácil movilidad-fácil transferencia de sitio a sito en las redes. Lo que no hay que olvidar es la baja calidad de la música comprimida por estos formatos, si se es un amante de la música, sea cual fuere el género de su preferencia, es indispensable considerar que un archivo o album musical comprimido en un formato de pérdida nunca le entregará toda la música ni la fidelidad que se espera o a la que se está acostumbrado, como la proveniente de un CD o de un disco L.P.
Por lo anterior, creo que para los melómanos o quienés quieran escuchar la música con toda la fidelidad con la que se grabaron, la alternativa, a la hora de comprimir un archivo de música -si es que se necesita comprimir- son los formatos de compresión sin pérdidads o lossless, los cuáles le permitirán reducir el tamaño de estos archivos en algunos casos hasta en una tasa de un 50%  de compresión, lo que es muy bueno.

Después de esta breve semblanza de lo que son y para que son los formatos de compresión se mostrarán a continuación los diferentes tipos de formatos en uso actualmente, y una breve descripción de cada uno. Comenzaremos con los formatos de compresión con pérdidas (lossy) y luego los de compresión sin pérdidas (lossless).

Formatos de:
Compresión de Audio Digital con Pérdidas ó
Loosy Digital Audio Compression

AAC (Advance Audio Coding). Fué desarrollado como una mejora del formato MP3 y generalmente alcanza mejor calidad de sonido en igualdad de circunstancias, el formato AAC también es conocido como MP4 (el cuál hace referencia al standard MPEG-4).

AAC también es el formato de audio que Apple usa en iTunes en su venta de música digital, aunque Apple envolvió el audio AAC en una protección contra copia para limitar la forma en que se use.





MP3 (MPEG-2 Audio Layer III) es el formato que la mayoría de las personas ha escuchado y es el formato más compatible con la mayoría de los reproductores de música portátiles. Fué inventado en 1991 y la mayoría de las personas consideran a este formato como el de primer lugar.

Fué desarrollado por Moving Pictures Expert Group (MPEG) para formar parte del estándar MPEG-1 y del posterior y más extendido MPEG-2.




Musepack ó MPC fué basado en MP2. El desarrolllador de Musepack se enfocó en los más altos niveles de tasa de transferencia, y declara que este formato ha alcanzado varias veces el primer lugar en las pruebas de escucha de alta tasa de transferencia.



MP4 (m4a ó MPEG-4) es un formato AAC de compresión de datos de audio, recibe muchos nombres entre los más comunes presisamente AAC y m4a, esta relación con tantos formatos se debe a que todos estos corresponden al estándar internacional "ISO/IEC 13818-7", una extensión de MPEG-2.
Fué desarrollado conjuntamente con algunas empresas privadas como AT&T, Nokia, Sony y Dolby.


Vorbis es un compresor de audio digital genérico con pérdidas, de uso libre, que utiliza el formato de archivo de audio o contenedor Ogg y fué desarrollado por la Fundación Xiph.Org. Fueron diseñados para competir con los formatos patentados MP3 y AAC. Fué llamado Ogg Vorbis o tan sólo ogg por ser el códec más comúnmente encontrado en el contenedor Ogg.



Formatos de:
Compresión de Audio Digital sin Pérdidas ó
Lossless Digital Audio Compression


Flac (Free Lossless Audio Codec)  es un códec para comprimir el audio de un CD sin presentar ningun tipo de pérdida respecto a la fuente original (comunmente CD). El audio digital comprimido por FLAC típicamente puede ser reducido hasta a un 50-60% de su tamaño original y descomprimido para tener una copia idéntica de la información original del audio digital (CD).





WAV (Waveform Audio File Format) es un Formato de Audio Estándar, no comprime en ninguna manera el audio copiado. Creado por Microsoft e IBM para almacenar un flujo de bits de audio determinado en computadoras. Comunmente el formato WAV contiene audio sin comprimir en un formato llamado LPCM, el cuál es el formato de audio estándar para los CDs.





WavPack es un formato de compresión de audio que proporciona 2 modos de compresión: 1. un modo de compresión sin pérdidas de información y 2. un modo de compresión con pérdidas de información pero de alta calidad. Por default el modo usado es el que no presenta pérdidas de información (Lossless). En el modo por default WavPack actúa justamente como un compresor WinZip para archivos de audio. Sin embargo a diferencia de la codificación mp3 o wma las cuáles afectan la calidad del sonido, ni un sencillo bit de la información original se pierde, así que no hay margen de degradación. Esto hace a el modo sin pérdidas de WavPack ideal para archivar material de audio o cualquier otra cosa en donde la calidad es esencial.





Monkey´s Audio es una forma rápida y fácil de comprimir música digital. A diferencia de los métodos tradicionales como mp3, ogg o wma que permanentemente desechan calidad para ahorrar espacio, Monkey´s Audio solo hace copias perfectas, bit por bit de tú música. Eso significa que la música siempre suena perfecta -exactamente de la misma forma que la original. Y además de que el sonido es perfecto, aún ahorra un montón de espacio. La otra gran parte es que siempre puedes descomprimir tus archivos de Monkey´s Audio de regreso a exactamente como son tus archivos originales. De esta manera, tu nunca tendrás que volver a copiar tu colección de CD para cambiar formatos, simplemente descomprimes tus archivos Monkey´s Audio y teniendo tu copia exacta al original puedes utilizar ese archivo como lo desees.



ALAC significa Apple Lossless Audio Codec, y es un códec de audio desarrollado por Apple Inc. para comprimir música digital sin pérdidas.  En el año 2011 Apple hizo el codec de uso libre y exento de regalías. Tradicionalmente Apple se había referido al codec como Apple Lossless pero recientemente han comenzado a utilizar el término abreviado ALAC cuando se refieren al códec. La información del ALAC es almacenada en un contenedor MP4 con el nombre-extensión de .m4a . Esta extensión también es usada por Apple para almacenar información de audio con pérdidas (Lossy) en un contenedor MP4 (mismo contenedor, diferente codificación de audio). Sin embargo ALAC no es una variante de AAC (el cuál es un formato de pérdida).



























































































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David Gilmour reseña - Pompeii rockea otra vez


La reseña que leerás a continuación fué publicada en el sitio web del diario The Guardian el 10 de Julio del 2016 y escrito por la periodista Laura Barton. 
Pompeii, Italy 
45 años han pasado desde el famoso concierto de Pink Floyd ahí.
David Gilmour regresa al antiguo anfiteatro.
Ha pasado algún tiempo desde que el anfiteatro de Pompeya acogió a todo tipo de público - AnnoDomini79, concretamente cuando el Monte Vesubio entró en erupción y enterró la antigua ciudad a cinco metros de profundidad en tephra, y permaneció intacta hasta el siglo XVIII. Pero el jueves por la tarde, cuando la hierba se ponía amarilla por el fuerte calor de julio, esta se preparaba para recibir a la multitud una vez más; no esta vez para algún combate de gladiadores, ejecución o venatio, sino para un concierto del músico de rock inglés David Gilmour.
Notablemente, también fue un regreso para el propio Gilmour, quien tocó por última vez en este lugar (si uno puede llamar a tan majestuosos alrededores "un lugar") en 1971, durante sus días con Pink Floyd. No se permitió ninguna audiencia entonces, y en cambio el show fue filmado y realizado como un documental, Pink Floyd: Live at Pompeii, al año siguiente. Y así, mucho antes de que comience, el concierto de esta noche tiene el timbre de algo trascendental: para el lugar y el artista, por supuesto, así como también para aquellos que estarán aquí para presenciarlo, volando desde todas partes del mundo para acordonar fuera de los portales y esperar toda la larga tarde.
Para esta serie de shows, parte de la gira mundial de Rattle That Lock, Gilmour ha rechazado en gran medida las vastas arenas de la giras de rock modernas y ha optado por una serie de sitios patrimoniales: Circus Maximus en Roma, un castillo en Chantilly, anfiteatros en Verona y Nîmes y cinco noches en el Royal Albert Hall en Londres este septiembre. Su razonamiento es que está menos interesado en el tamaño de una actuación que en el deseo de que el público abandone el espectáculo con una sensación de ocasión inolvidable. De estos lugares, Pompeya es el más pequeño: una sencilla capacidad de 3.000 personas en comparación con las 17.000 de Roma.
Organizar un moderno concierto de rock en un sitio patrimonio mundial de la Unesco y el más viejo anfiteatro romano sobreviviente en el mundo es, según parece, algo de operación logística. Para empezar, el terreno es precario: para la tarde del miércoles, un miembro del equipo de iluminación ya se había roto el brazo al caer por un agujero. Después está el tema de los baños, esta noche hay solo 22 aseos portátiles, fermentando suavemente en el aire tibio. Y está el problema de la pirotecnia: con solo horas antes del espectáculo, el organizador aún no tiene permiso para los fuegos artificiales. Una vez que se otorga el permiso, con cautela, un grupo de bomberos vestidos de rojo se reúnen en la summa cavea (las gradas más altas), desenredando una manguera. El Monte Vesubio mira a la distancia, como si ella quisiera unirse simplemente por el placer de hacerlo.
A pesar de todo el aire de historia de esta noche, también hay una sensación de modernidad: en gran medida debido a la reciente reformulación de su banda por parte de Gilmour. Aunque Guy Pratt permanece en el bajo y Steve DiStanislao en la batería, se les unen Chuck Leavell (el tecladista de los Rolling Stones desde 1981) y el director musical de Michael Jackson, Greg Phillinganes, en las teclas; Chester Kamen en la guitarra y João Mello en el saxofón; y Bryan Chambers, Louise Clare Marshall y Lucita Jules en los coros.
A las nueve en punto, el cielo es como un melocotón suave, el anfiteatro lleno con la oleada de máquinas de humo y el cálido murmullo de la charla de la audiencia, las luces de repente se extienden a través de la cueva y las notas de apertura de las 5 am llenan el aire.
Mucho del set de apertura, que dura poco más de una hora, golpea con un tono silenciosamente trascendental. A veces, hay algo espectral en eso; la audiencia está de pie más por reverencia que rugiendo furiosa hasta que la ejecución inesperada de Great Gig in the Sky de Pink Floyd -una canción que Gilmour nunca ha tocado solo- provoca una  oleada emocional de murmullos a través de toda la multitud y continúa a través de Wish You Were Here, Money y en la canción culminante de la primera sección, High Hopes.
Antes de que la banda regrese para el segundo set, sigue un breve interludio, para luego abrir con One of These Days, la única canción esta noche que se tocó en la actuación de Pink Floyd en 1971. A pesar de la decisión de Gilmour de no hacer eco del espectáculo original de Pompeya, todavía hay una sensación de retorno y finalización, de algo que cierra el círculo, allí en la pantalla redonda gigante, y la curva del edificio, la silueta creciente de una luna arriba. Y a pesar de que no toca con el torso desnudo esta vez, el propio Gilmour parece no haber cambiado: su voz, todavía esa hermosa cosa gravosa, su guitarra aún conservando  su profundidad bluesera y su aguda melancolía.
Es difícil pararse en este anfiteatro y no sentir que en algún lugar se agitan los viejos fantasmas. El mismo Gilmour hace mencion de ellos mientras interpreta A Boat Lies Waiting, su tributo de 2015 a Rick Wright, y, aunque no se menciona, Shine on You Crazy Diamond parece tener más peso esta noche: 10 años después de que Syd Barrett falleció.
Es imposible no darse cuenta de la gran emoción en las caras de la multitud, y sin embargo, hay un aire de cortesía: la audiencia, en cierto modo, algo intimidada por el lugar, y Gilmour ofreciendo un encantador y quintaesencial  "Muchas gracias de verdad ", le dice a la multitud, poco después de Run Like Hell y una ráfaga de fuegos artificiales dorados disparando hacia la noche. "Gracias. Hemos tenido una adorable velada ".
Aún así, esto no diluye la apasionada intensidad de la ocasión, gran parte de la cual debe atribuirse al diseñador de iluminación Marc Brickman, quien en el curso del espectáculo de luces más notable desata rayos láser tan brillantes que la banda se ve obligada a usar tonos, rayos de luz. turquesas, verdes y rojas que van macrameando por el cielo durante la gran final de Comfortably Numb. Cuando las luces se apagan y la noche vuelve a salir, es agradable recordar que en su día este espacio se conocía como una spectacula. En la extravagancia de esta noche, en toda su belleza y deslumbramiento, parece haberse ganado ese nombre una vez más.



Knebworth - The Album _ (1990)

Knebworth - The Album es un doble album LP conteniendo la grabación del concierto de caridad  en apoyo a la organización benéfica Nordoff-Robbins Music Therapy Charity y llevado a cabo el 30 de Junio de 1990 en the Knebworth House, una gran casa considerada espacio público (aunque es de propiedad particular), ubicada en la aldea y parroquia de Knebworth al norte de Hertfordshire en el Reino Unido.
Más Knebwort House info aqui.
El album fué publicado en el año 1990 bajo el sello discográfico Polydor Ltd. UK.
Los artistas presentados en concierto fueron los ganadores del Silver Clef Award (Premio Silver Clef).
La Silver Clef Awards son unos premios benéficos dirigidos por la ya mencionada organización de musicoterapia internacional Nordoff Robbins. Los premios anuales se celebran desde 1976 en el Reino Unido.
El album fué una gran atracción en su momento, quizás debido a la publicidad, o quizás a la pléyade de artistas que presentaba, todos recocnocidos y exitosos, con gran trayectoria.
Con el paso del tiempo el album se convirtió en un clásico y honestamente la escucha no descepciona.
En lo particular, yo adquirí este album como un doble LP en funda desplegable y desde la primera vez que lo escuché fué de mi agrado en un 85%. Lo adquirí en el año de su publicación y la publicidad era un motivo adicional para comprarlo pero después de escucharlo pensé que había valido la pena lo invetido en el.  Al igual que muchos rockeros de este lado del mundo (México) supe lo que era Knebworth al comprar este album. Espero que al igual que a mi y muchísimas personas, les agrade este album al escucharlo, quizás lo hagan por primera vez, quizás les emocione volverlo a escuchar, si acaso ya su copia en vinyl está muy rayada o ni siquiera esté presente, pero independientemente de lo dicho el album es ya un testimonio más plasmado en la historia del rock que vale la pena conocer para estar consientes de cuál ha sido le evolución musical a través del tiempo, y con los artistas involucrados en este proyecto no hay mucho pérdido.



Algunos Datos
El concierto se mostró en NZ TV. Más tarde fué lanzado en una serie de cintas VHS  También estuvo a la venta el audiocassette doble, y en el 2009 fué reeditado en CD. No me apego a muchos CD en estos días, solo unos pocos favoritos y todo lo que me gusta de artistas locales, bandas sonoras, compilaciones y algunas cosas con valor sentimental. El Live at Knebworth CD es un clásico.

Robert Plant estaba trabajando en apoyo de su disco Manic Nirvana. Me gustó mucho este álbum, y su Liar's Dance fue, para mí, la mejor pista de algunas de las ideas de Led Zep que Plant ofreció alguna vez. Se destaca por sí misma como una canción fuerte. También palomeó con Jimmy Page para desgarrar a Wearing and Tearing. Fantástico.

La actuación de Dire Straits presenta una versión de I Think I Love You Too Much, una canción que Mark Knopfler le había dado a Jeff Healey. Y aunque no aparece en el CD, hay una versión asesina de Tearin 'Us Apart de Eric Clapton y su banda. Originalmente a dúo con Tina Turner, este dúo en vivo de cinco años después de la versión de estudio, presenta a la cantante de Clapton, Katie Kissoon. Y qué gran banda tenía en ese momento. Inspiraron algunas de sus mejores tocadas.

La versión de Sunshine of Your Love con Clapton y la banda (obviamente) aumentada por Elton John y Dire Straits. Clapton está en llamas, citando Strangers in the Night como parte de su solo, pero es la banda la que lleva esto a otro nivel. El baterista Steve Ferrone tiene un momento para brillar con un sentimiento latino inspirado como parte de su corto solo, pero son las travesuras locas del percusionista oficial Ray Cooper lo que hace esta actuación. Ray Cooper se roba el espectáculo. La gran canción de McCartney, Hey Jude, es la canción correcta para el momento adecuado. El set de cierre de Pink Floyd es épico: fueron los cerradores legítimos, aprovechando al máximo el espectáculo de luces y láser.
Más info
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Judas Priest - Defenders Of The Faith - Special 30th Anniversary Edition



Defenders Of The Faith es el noveno album de estudio de la banda de heavy metal británica Judas Priest. Fué lanzado al público el 4 de Enero de 1984 bajo el sello discográfico Columbia Records.
El album alcanzó la certificación de Platino por la RIAA en 1988  en los Estado Unidos por la venta de más de un millón de albumes.


En Marzo del 2015 fue publicada una edición especial del 30 aniversario en donde además del disco original rematerizado se incluían 2 CDs conteniendo un show en vivo grabado el 5 de Mayo de 1984 en el Long Beach Arena de Long Beach California y que era parte de la gira Defenders Of The Faith 
en apoyo de su disco y el cuál además fué radiotransmitido.


Reseña
JUDAS PRIEST ha reeditado una de sus obras maestras y además la han revalorizado gracias a la inclusión de un concierto de la gira de “Defenders”.

La reedición consta de tres CD’s: El primero contiene una remasterización del disco original, y el segundo y tercero aparecen con el concierto que el grupo ofreció en el Long Beach Arena el 5 de mayo del 84 en la gira de presentación del álbum. Los CD’s tienen un estuche en digipack que se guarda dentro de una funda con la parte frontal convenientemente recortada de tal manera que el Metallian (el león mecánico de la portada) se muestre tal y cómo aparecía en el single de “Some Heads are Gonna Roll” ya que su silueta se presenta en negro, respetándose la portada original en el digipack una vez éste se encuentra fuera del estuche (no era para menos que es todo un clásico y una de las portadas más icónicas, originales y reconocidas del negocio).


El arte de la portada corresponde a Doug Johnson representa a Metallian, un carnero cornado con ragos de tigre y criatura de asalto con ametralladoras Gatling y orugas de tanque conceptualizado por la banda.

Por otro lado el libreto contiene fotos de la época, incluyendo una del concierto que motivó el veto que todavía hoy impide que la banda pueda presentarse en el Madison Square Garden de Nueva York debido a los destrozos de los fans en los asientos del recinto. Además de las imágenes, un texto sobre el disco acompaña a éstas con todos los detalles sobre la anécdota anterior y también sobre las grabaciones en Ibiza (bien conocidas las anécdotas con ANGELES DEL INFIERNO literalmente alucinando viendo como sus ídolos grababan el disco mientras ellos daban forma a “Pacto con el diablo”) . La presentación es buena, pero al libretole falto un poco más, especialmente en cuanto a contenidos e información sobre “Defenders of the Faith”.

Como decíamos antes, el disco se ha remasterizado para la ocasión. Comparando con el lanzamiento original en CD y en LP el nuevo CD tiene el sonido más comprimido que sus predecesores, lo habitual. Se nota mucho en la parte central de “Love Bites” por ejemplo, lo cuál ya pasaba en las primeras ediciones en CD.

Por otro lado, tanto el sonido de las guitarras como el de la voz de Halford (especialmente en cuanto a delays y efectos) avanzan hasta el primer plano en la edición deluxe, cosa que no pasaba en las primeras ediciones en CD… pero aun así las diferencias no pasan de curiosidades. La balada “Turn on your Light” que sí aparecía en la reedición de 2001 no está presente en esta edición. A pesar de no ser un tema para la historia, y que en realidad se descartó de “Turbo” y no de “Defenders”, una vez incluida en la reedición anterior es de extrañar que no esté en ésta.




“Defenders of the Faith” es que es uno de los discos claves de la discografía de la banda, y por ende uno de los trabajos imprescidibles de la historia del heavy metal. Un trabajo bien concebido y terminado y uno de los más rotundos y agresivos del grupo, desde el comienzo velocísimo con “Freewhell burning” y “Jawbreaker”, hasta el hipnótico final con “Heavy duty/Defenders of the faith”, que precisamente han recuperado para esta última gira. Sin olvidarnos de himnos inmortales como “The sentinel” o “Love bites”, dos de los superclásicos de la carrera del grupo…



Comentando el material nuevo, es decir, la grabación del concierto que abarca los CD’s 2 y 3 de la reedición de 30 aniversario de “Defenders of the Faith”, diremos que todas las canciones del concierto están interpretadas dentro del tracklist, excepto “Eat me Alive”. Y esto se debe a que el tema apareció en la lista del PMRC, la asociación pro-censura musical de EE.UU. que la incluyó por su contenido sexual. Y cuando fue rescatada para el tour de “Nostradamus” en 2008, “Defenders of the Faith” pasó a ser el único LP de JUDAS PRIEST del que todas las canciones se han interpretado alguna vez en directo junto con “Rocka Rolla”.

Al respecto de los discos en vivo que hay en el mercado. Si nombres como “ABC Defenders”, “California Burning”, “Live Defenders” o “Defenders of the Long Beach” te dicen algo, es que ya conoces que originalmente este concierto se retransmitió por la radio. De ahí la cantidad de ediciones piratas del mismo con diferencias en cuanto a calidad de sonido y en la cantidad de temas… sin embargo se puede decir sin miedo que la grabación utilizada en “Defenders of the Faith - Special 30th Aniversary Deluxe Edition” es la mejor. ¿Y por qué? En primer lugar por el sonido, que literalmente arrasa al de todos los bootlegs y, segundo, porque tiene todas las canciones interpretadas en el concierto. Otro valor añadido es que no hay retoques de ningún tipo y, si nos atenemos al contenido de los piratas anteriormente citados, tampoco se ha recortado los comentarios de Halford entre canción y canción, como sí hicieron IRON MAIDEN para “Rock in Rio” con las menciones de Bruce Dickinson a Britney Spears, por ejemplo.
Lstn

Mas info:
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Rush - Moving Pictures - 1981



Moving Pictures es el octavo album de estudio de la banda de rock progresivo y hard canadiense Rush. Fué publicado el 12 de Febrero de 1981 bajo el sello discográfico Anthem Records.

Moving Pictures ha tenido una positiva recepción por parte de críticos de la musica actuales y retrospectivos y se convirtió en un éxito comercial instantáneo, alcanzando el número uno en Canadá y el número tres en los Estados Unidos y el Reino Unido. Sigue siendo el álbum más vendido de Rush en los Estados Unidos después de haber sido certificado cuádruple platino por la Recording Industry Association of America (RIAA) por más de 4 millones de copias vendidas. "Limelight", "Tom Sawyer" y "Vital Signs" fueron lanzados como singles en 1981, y el instrumental "YYZ" fue nominado para un Grammy Award a la Mejor interpretación instrumental de rock. Rush apoyó el álbum con una gira de conciertos desde septiembre de 1980 hasta julio de 1981.


Moving Pictures continúa donde "Permanent Waves" se quedó. Rush entrelaza 7 canciones casi perfectas para acallar aún más a los críticos y detonar su siempre creciente base de admiradores. Este es por mucho el álbum más apretado de bandas con valores de producción superiores. Cada nota está bien pensada. Cada letra intensa y estimulante. Cada matiz es una experiencia en sí misma.

Este no es solo otro álbum de rock progresivo de principios de los 80. Esto realmente es una obra maestra. Y mientras Moving Pictures marca el final de una era para Rush, ya que contiene su última canción épica The Camera Eye, también abre una nueva era para ellos; una de indiscutible éxito .

La mejor característica de la banda en general, como lo muestra el arte de portada de este álbum, es su habilidad para cambiar con los tiempos sin sacrificar su integridad o identidad. Tomemos "Red Barchetta" como ejemplo. Es una de las canciones más amigables para la radio que han escrito, pero sigue siendo irresistible. Ese tono de guitarra es demasiado hermoso para odiarlo y realmente muestra cómo cualquiera puede hacer una canción accesible como esa con maestría musical y mantener dicha identidad intacta. Es por eso que Rush ha perdurado y prosperado en todas las épocas. Ya sea rock progresivo, hard rock o la era de los sintetizadores de los ochenta, cada álbum que han hecho ha sido suyo. Ciertamente ayuda que siempre fueron capaces de duplicar sus brillantes grabaciones de estudio en el escenario con facilidad. Para siempre, seguirán siendo una de las mejores bandas de rock en la música por estas razones.

Lstn
Las Rolas
El álbum comienza con la canción más popular de Rush, la rebelde y golpeadora Tom Sawyer. Desde la distinguida e inmediatamente reconocible linea de bajeo de apertura y las letras -Un guerrero de hoy, significa un paso firme. El Tom Sawyer de hoy, significa, poca arrogancia- hasta a sus rasgueos de guitarra de rápida velocidad, es fácil ver cómo Tom Sawyer permanece con un sonido tan fresco hoy como cuando apareció por primera vez en la escena hace unos 20 años.

Más info:
nación progresiva
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Ac/Dc - Volts


Volts es un disco, parte del boxset denominado Bonfire, realizado por la banda australiana de rock AC/DC en 1997, el disco, catalogado en el boxset como Disc Three, incluye versiones alternas y tomas descartadas de los albumes Let There Be Rock y Highway to Helly algunas canciones previamente realizadas.
Existe también una pista conteniendo varias entrevistas y que aparece después de un corto espacio de silencio que sigue a la última canción.

12 Temas que vale la pena escuchar.


Siendo honestos, aunque el album ofrece canciones ya conocidas no es de menospreciarse, ya que estas son versiones interesantes, raras y con excelente calidad. Algunas canciones solo se conseguían en las versiones australianas de los albumes como es el caso de "School Days" y "It´s A Long Way To The Top If You Wanna Rock And Roll", ya que en el caso de la segunda esta cambió con la versión internacional del album High Voltage.
She´s Got Balls es una rareza debido al hecho de ser una versión grabada en el sitio de encuentro Bondi Lifesaver, y que podría ser inclusive la primera versión en vivo de esta, ya que, según registros del propio sitio de Bondi Lifesaver, la primera presentación de la banda fueron los días 3 y 4 de Marzo de 1975.
Los demos son ciertamente interesantes, también porque surgieron en su mayor parte de las grabaciones del álbum final con Bon Scott, "Highway to Hell". Los rolas más destacadas aquí son "Get it Hot", que quedó mejor que la versión final y la primera versión de "Whole Lotta Rosie"llamada "Dirty Eyes", el resto de los demos tienen muy buena calidad.

Una versión en vivo de 1978 de "Sin City", que fue capturada para el programa de televisión The Midnight Special en Estados Unidos, está incluida en la colección Volts. La aparición de AC / DC en la transmisión nocturna, que fue presentada por Ted "Motor City Madman" Nugent, también incluyó actuaciones de Aerosmith, Cheap Trick, REO Speedwagon y Thin Lizzy, como un tributo al rock 'n' roll. El gran contrabajo '' Sin City '' fue uno de los principales momentos destacados del programa de televisión grabado de 90 minutos, en un momento en que AC / DC aún estaba lejos de estallar a lo grande en los Estados Unidos. Una vez que se lanzó el legendario álbum Highway to Hell en el '79, AC / DC estaba en el camino presentándose ahora como cabeza de cartel en los Estados Unidos. Con todo, esta compilación es sin duda una ventaja para cualquier fan real de la banda.



Algo más de información sobre las canciones

"Dirty Eyes" es una grabación primitiva, que esencialmente más tarde resultó ser la canción "Whole Lotta Rosie" que se encuentra en ambas versiones de Let There Be Rock, aunque con letras diferentes.
"Touch Too Much" es una pista diferente de la que se encuentra en Highway to Hell, la única similitud es el título.
"If You Want Blood (You Have Got It)" es la misma canción que se encuentra en Highway to Hell, pero con algunas letras diferentes.
"Back Seat Confidential" es una grabación temprana, que esencialmente se convirtió en la canción "Beating Around the Bush", que se encuentra en Highway to Hell, aunque con letras diferentes.
"Get It Hot" es una pista diferente de la que se encuentra en Highway to Hell, la única similitud es el título.
"Sin City" se grabó en vivo desde Midnight Special el 6 de septiembre de 1978.
"Walk Over Over You" y "T.N.T." fueron grabados en vivo desde Let There Be Rock: The Movie en la versión australiana.
"She's Got Balls" fue grabado en vivo en 1977 del Bondi Lifesaver, y también se encuentra como lado b del single "You Shook Me All Night Long".
"School Days" es de T.N.T., y anteriormente no se publicó fuera de Australia.
"It´s A Long Way To The Top  (If You Wanna Rock´n´Roll)" se publicó anteriormente en T.N.T. aparece una versión ligeramente más corta en la versión internacional de High Voltage.
"Ride On" fue lanzado anteriormente en los lanzamientos australianos e internacionales de Dirty Deeds Done Dirt Cheap, y hay varias pistas de entrevistas ocultas después de esta canción.


All Flac!

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Bad Company - Bad Co. (1974)



Bad Company es el album debut y homónimo de la super banda de hard rock Bad Company. Fué publicado bajo el sello discográfico Swan Song Records propiedad de Led Zeppelin, siendo este el primer publicado en este sello. La fecha de publicación fué el 26 de Junio de 1974.
El álbum llegó a la cima de los Billboard 200 en los Estados Unidos. Desde entonces, el álbum ha sido certificado cinco veces platino por la RIAA, y se convirtió en el 46° álbum más vendido de la década de 1970. El álbum pasó 25 semanas en la lista de álbumes del Reino Unido, ingresando en el n° 10 y alcanzando su posición más alta en el n° 3 en la segunda semana. Kerrang! la revista enumeró el álbum en el n° 40 entre los "100 mejores álbumes de heavy metal de todos los tiempos". El álbum también se incluyó en el libro 1001 Álbumes que debes escuchar antes de morir.

Los Hits


Los singles "Can not Get Enough" y "Movin 'On" llegaron al No.5 y al No.19 en el Billboard Hot 100, respectivamente. "Rock Steady", "Bad Company" y "Ready for Love" (el último originalmente grabado por el guitarrista Mick Ralphs durante su mandato con Mott the Hoople en All the Young Dudes) son también clásicos de rock en la radio.
Estos logros se debieron al enfoque básico y crudo del rock and roll, que realmente tocó la fibra sensible de los oyentes convencionales. Aunque es poco visionario, el sonido de Bad Company es distinto, y cada uno de los cuatro jugadores tiene el espacio para llegar al oyente individual y colectivamente.



Acerca de las rolas. 


Bad Company, el álbum está repleto de melodías blues de rock duro que se han convertido en un pilar de la FM americana y actualmente del rock clásico en la radio del Reino Unido  desde su lanzamiento en junio de 1974.
Este presenta los éxitos obvios bien conocidos que realmente no necesitan largas descripciones como  "Can not Get Enough", el rasgueo relajado  a ritmo funky que es "Rock Steady", el blues con una súplica del alma de "Ready For Love", que había sido grabada por Ralphs en su anterior banda Mott The Hoople en su álbum "All The Young Dudes", aunque en un formato ligeramente diferente y la canción que da el título al album atmosféricamente melancólica para la cual Rodgers grabó su voz en un campo bajo la luna llena de noviembre.
Después vienen las tres rolas más lentas y menos conocidas, "The Way I Choose", la cuál definitivamente tiene una vibra del album Highway de la era Free, "Seagull", una pista acústica en la que Rodgers toca todos los instrumentos.
"Don´t Let Me Down" es probablemente lo más cerca que el álbum tiene a una canción de relleno y en ocasiones es alarmantemente similar a la canción de los Beatles de un título similar. Sin embargo, la incorporación de Sue y Sunny en coros y Mel Collins en saxofón dan a la canción un cierto sonido soul que The Beatles nunca pudo haber logrado. A esto se añade el segundo sencillo, otro clásico de Ralphs, "Movin On", que cuenta la historia de la vida en el camino y tienes lo que seguramente debe ser un candidato para el mejor álbum debut de su época.


Producido independientemente, Bad Company se grabó en la centenaria y antigua casa y hospicio Headley Grange, con un estudio móvil a finales de 1973. Este fue el mismo lugar donde gran parte del tercer y cuarto álbum de Led Zeppelin fueron grabadas (y también algunas partes de canciones de Physical Graffiti).


Un poco más sobre las rolas.


Mick Ralphs compuso "Can not Get Enough", que se convirtió en la canción más popular y de mejores ventas de Bad Company. El sonido y la energía de este álbum se hacen evidentes de inmediato en la interacción entre Ralphs y Kirke en este primer evento, y tal vez ninguna otra canción que siga capte mejor la dinámica de Bad Company. "Rock Steady" es más blues-rock con sabor y no tan febrilmente pegadizo como el primer partido (pero es pegadizo, no obstante). Aquí, la voz de Rodgers es más dinámica y la canción se desarrolla un poco antes de que termine demasiado abruptamente.
Ralphs trajo "Ready for Love" de Mott the Hoople, ya que cantó una versión de esa canción en 1972, All the Young Dudes. Este es el primer lugar donde la vibra cambia a un tema más sombrío con las voces conmovedoras de Rodgers y un lugar apropiado para que el bajista Burrell brille antes de que la canción se disuelva finamente en ritmos lentos y un piano. "Don´t Let Me Down" es una balada de piano con una rica voz de fondo y un saxofón de parte de músicos invitados, la primera colaboración entre Rodgers y Ralph, la canción presenta ritmos constantes, mínimas guitarras (hasta la guitarra principal, mas adelante), y está diseñada para traer a casa el mensaje muy simple:
"Don’t let me down, tell me love can be found…”
("No me abandones, dime que el amor se puede encontrar")

Lstn

El segundo lado comienza con "Bad Company", coescrito por Kirke, y completa la extraña trifecta de canción, artista y álbum que comparten el mismo título. Quizás la canción más oscura del álbum, "Bad Company", podría haber sido influenciada musicalmente por Alice Cooper, pero es mucho más conmovedora vocalmente. Los versos teatrales, impulsados por el piano se interrumpen magistralmente cuando todo el arreglo se activa durante los coros, dirigidos por la guitarra de rock prístina de Ralph. Mientras Rodgers escribió la canción, la combinación de guitarras es lo que realmente brilla en "The Way I Choose", con ritmos como un vals de country lento y algunos tiempos estratégicos de parada / inicio.
"Movin 'On" es lo más cercano a capturar la energía rock del abridor "Can not Get Enough", como una pista de rock muy pegadiza y accesible. Una vez más, las letras y los ritmos tienen mucha economía, pero todavía tienen un gran impacto que es imposible de ignorar, y esta fórmula llevó a la canción al Top 20. "Seagull" es el cierre acústico con sabor folk que mantiene una disposición muy simple con solo la adición de la pandereta a la mitad. Con una gran voz, la canción parece preparada para la banda sonora de una película, pero es una forma bastante extraña de terminar las cosas en este álbum.
El álbum debut de la banda en 1974, "Bad Company", fue grabado en Headley Grange, Hampshire, en el Mobile Studio de Ronnie Lane. El álbum alcanzó el número uno en el Billboard 200 en los Estados Unidos en Marzo de 1975, a menos de un año de su lanzamiento. Los singles "Can't Get Enough" y "Movin 'On" alcanzaron el número 5 y el número 19 en el Billboard Hot 100.

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