Pat Benatar - Live From Earth (1983)

 

Live from Earth es el primer álbum en vivo de la cantante de rock estadounidense Pat Benatar, y fué lanzado el 15 de octubre de 1983. El álbum fue grabado durante la gira mundial 'Get Nervous' de Benatar a fines de 1982 y principios de 1983. También contiene dos temas de estudio, "Love Is a Battlefield" y "Lipstick Lies", los cuáles fueron producidos por Neil Giraldo y Peter Coleman. El álbum alcanzó el puesto número 13 en la lista de álbumes Billboard 200 y envió más de un millón de copias. "Love Is a Battlefield" fué un sencillo de éxito internacional y le valió a Benatar su cuarto premio Grammy consecutivo a la mejor interpretación vocal femenina de rock en 1984.

Se filmó un concierto de la misma gira para un especial de HBO y se lanzó en VHS en 1985 con el título In Concert, pero con una lista de canciones diferente y ampliada. El metraje fué reeditado en VHS con el título Benatar el mismo año y en 1998 en DVD como Live in New Haven, sin las dos últimas pistas.

Pat Benatar 

Patricia Mae Giraldo (de soltera Andrzejewski, y nacida el 10 de enero de 1953), conocida profesionalmente como Pat Benatar, es una cantautora de rock estadounidense y ganadora de cuatro premios Grammy. En los Estados Unidos, ha tenido dos álbumes multiplatino, cinco álbumes de platino y 15 sencillos de Billboard Top 40, mientras que en Canadá tuvo ocho álbumes de platino consecutivos.

El álbum debut de Benatar en 1979, In ​​the Heat of the Night, fué su gran avance en América del Norte, especialmente en Canadá, donde alcanzó el número 3 en la lista de álbumes. Dos sencillos fueron éxitos: "Heartbreaker" y "We Live for Love", este último escrito por su guitarrista principal y futuro esposo, Neil Giraldo. El segundo álbum de Benatar, Crimes of Passion de 1981, fue su trabajo más exitoso, alcanzando el número 2 en Norteamérica y Francia, siendo certificado 4x y 5x Platinum en los Estados Unidos y Canadá, respectivamente. Su sencillo "Hit Me with Your Best Shot" alcanzó el Top 10 en Estados Unidos y Canadá y es considerada su canción más conocida. El tercer álbum de Benatar, Precious Time (1981) fue otro éxito, encabezando la lista de álbumes de Estados Unidos y convirtiéndose en su primer álbum Top 10 en Australia. Su sencillo "Fire and Ice" tuvo un gran éxito en los Estados Unidos y Canadá. Su siguiente lanzamiento, Get Nervous (1982), se vendió menos bien que sus dos álbumes anteriores, pero incluyó el éxito norteamericano "Shadows of the Night".

 

El sonido de Benatar comenzó a moverse hacia un pop más atmosférico en 1983. El sencillo "Love Is a Battlefield" (1983) fue su mayor éxito en la mayoría de los países, incluido el número 1 en los Países Bajos, Australia y en la lista de Rock Tracks de EE. UU. 5 en el Hot 100 de EE. UU. El álbum en vivo del que proviene, Live from Earth, fué su mayor éxito de ventas en Australia, Alemania y los Países Bajos. En 1984, Benatar lanzó Tropico y su sencillo principal "We Belong", que alcanzó el Top 10 en varios países, incluido el número 5 en el Hot 100 de Estados Unidos.

El álbum de 1985 de Benatar, Seven the Hard Way, se vendió menos bien, pero arrojó dos sencillos que se remontan a la vena del rock: "Invincible", un éxito entre los 10 primeros en América del Norte, y "Sex as a Weapon". Su seguimiento, Wide Awake in Dreamland (1988), marcó un resurgimiento en las ventas en Canadá y Australia, y fué su mayor éxito en el Reino Unido. Su rockero, "All Fired Up", fue un éxito significativo en Canadá, Australia y Estados Unidos. Benatar lanzó cuatro álbumes adicionales entre 1991 y 2003 y fué nominado para ingresar al Salón de la Fama del Rock and Roll en 2020.

En 1983, Benatar se había ganado la reputación de cantar sobre temas "difíciles", ejemplificado mejor por uno de los mayores éxitos de su carrera, "Love Is a Battlefield" (escrito por la destacada compositora Holly Knight con Mike Chapman), lanzado en Diciembre de 1983. Para entonces, su sonido se había suavizado del hard rock a un pop más atmosférico y el videoclip para "Love Is a Battlefield" estaba dirigido directamente a MTV, incluyendo a Benatar en un número de baile grupal inspirado en Michael Jackson y utilizando al director de Beat It, Bob Giraldi, y al coreógrafo Michael Peters. Esta nueva dirección de pop/rock fue un gran éxito comercial, y el single permanece hoy como su mayor éxito en la mayoría de los países. Esto lo incluyó alcanzando el número 5 en el Hot 100 de EE. UU., Número 1 durante cuatro semanas en la lista de Rock Tracks de EE. UU., Número 2 en Canadá, Número 1 en los Países Bajos (durante cuatro semanas terminando como la canción número 2 del año). su primer Top 30 allí, y en el número 1 en Australia durante siete semanas consecutivas, su primer Top 25 allí, el número 3 en Alemania Occidental, el número 5 en Suiza, el número 6 en Nueva Zelanda y el número 17 en el Reino Unido, su primera canción Top 50 allí. Se convirtió en su primera canción en trazar en Suiza alcanzando el número 11 allí. La canción también le valió a Benatar su cuarto Premio Grammy consecutivo a la "Mejor interpretación vocal femenina de rock".

"Love Is a Battlefield" fue una de las dos pistas de estudio incluidas en el álbum en vivo, Live from Earth, que se grabó durante la gira mundial "Get Nervous" de Benatar por Estados Unidos y Europa en 1982 y 1983; la otra es "Lipstick Lies". El álbum tuvo un éxito mixto en diferentes países: alcanzó el número 2 en Australia, el número 12 en Nueva Zelanda, el número 13 en los EE. UU. Y se convirtió en su primer álbum de éxito en Alemania (número 7) y los Países Bajos (número 4), pero solo llegó al Top 25 en Canadá y Francia, y al número 60 en el Reino Unido. Se convirtió en su quinto álbum de platino consecutivo de RIAA y CRIA. 

Live From Earth

Uno de los atributos más famosos de Pat Benatar es que se desempeña extremadamente bien ante una audiencia, y ningún álbum solidifica esto más que Live From Earth, con pistas tomadas de su gira estadounidense y europea de 1982-1983 en el apogeo de la carrera de Benatar. Benatar no solo suena increíblemente intenso y vibrante, sino que la elección de canciones para el álbum no podría haber sido mejor. Comenzando con el estribillo explosivo de "Fire and Ice" y conduciendo con fluidez a la seductora "Looking for a Stranger", Pat Benatar se enciende rápida y eficazmente antes de entrar en un popurrí bien construido de "I Want Out", "We Live for Love"y el oscurecido"Hell Is for Children". Los músicos de Benatar también son agudos, especialmente en el tempo más rápido de lo habitual de "Hit Me With Your Best Shot", mientras que "Heartbreaker" remata su material en vivo con el encanto de su voz que atrae al coro. Aunque la energía insuperable de Benatar envuelve el álbum con una fuerte atmósfera de rock & roll, las dos últimas pistas de estudio terminan Live From Earth con una nota equilibrada, especialmente el éxito número cinco "Love Is a Battlefield", con "Lipstick Lies" en un cercano segundo lugar. Si bien podría haber agregado más pistas, Live From Earth todavía hace un buen trabajo al mostrar el estilo vocal agresivo pero domesticado de Pat Benatar fuera del estudio.

Funda interior del disco lado1 

 Funda  interior del disco lado 2

Portada trasera del album Live From Earth

Paul McCartney - Band On The Run (1973)

Tercer album de estudio de Paul McCartney y The Wings lanzado al público en Diciembre de 1973. Fué el quinto album de Paul desde que dejó a The Beatles en Abril de 1970. Se desprendieron 2 sencillos del album "Jet" y "Band On The Run" y llegó a ser el album de estudio más vendido de 1974 en el Reino Unido y Australia. Está considerado como el album más exitoso y el más celebrado de sus trabajos post-Beatles.

El album obtuvo los primeros lugares de posición en las listas de Suecia, Australia, Canadá, Noruega, España, Reino Unido y Estados Unidos de Nortéamerica entre 1973 y 1975. En 1999 como reedición, obtuvo el lugar número 1 en los estados Unidos de Norteamérica según la lista Top Pop Catalog Albums de la Billboard Magazine. Y según la misma Top Pop Catalog Albums el album Band On The Run obtuvo el lugar de posición número 3. Y en la Us Billboard 200 el lugar número 3, también en el año 2010. 

Band On The Run el album fué también ganador de las siguientes certificaciones: Disco de Platino en Canadá por ventas de más de 100,000 copias, Disco de Oro en Francia por ventas de más de 100,000 copias, Disco de Platino en el Reino Unido por ventas de más de 300,000 copias, Disco de Oro en el Reino Unido por ventas de más de 100,000 copias de la edición remasterizada, Triple Platino en los Estados Unidos de Norteamérica por ventas de más de 3,000,000 de copias. 

En el año 2000, la revista Q lo colocó en el puesto 75 en su lista de los "100 Greatest British Albums Ever". En 2012, Band on the Run obtuvo el puesto 418 en la lista revisada de Rolling Stone de "The 500 Greatest Albums of All Time". Una reseña contemporánea de Jon Landau en Rolling Stone describió el álbum como "con la posible excepción de Plastic Ono Band de John Lennon, el mejor disco lanzado hasta ahora por cualquiera de los cuatro músicos que alguna vez fueron llamados los Beatles". Fué el último álbum de McCartney publicado en el sello discográfico Apple. 

LA GRABACIÓN 

.La mayor parte de Band On The Run fué grabado en los estudios de EMI en Lagos Nigeria. Aficionado a grabar fuera del Reino Unido, McCartney pidió a EMI que le mandara una lista de todos sus estudios de grabación internacionales. Seleccionó Lagos, en Nigeria con la idea de grabar en Africa. McCartney creía que sería un lugar glamoroso donde él y la banda podían tomar el sol en la playa durante el día y grabar por la noche. La realidad, sin embargo, fue que después del final de una guerra civil en 1970, Nigeria fue dirigida por un gobierno militar, con corrupción y enfermedades comunes.

Funda interior del disco LP del album Band On The Run lado 1

 

PAUL: Yo estaba con EMI y había estado grabando en sus lugares, así que pensé, "Cualquier estudio que EMI haya construido es algo con lo que yo soy capaz de relacionarme, y las condiciones estarán bien". George [Harrison] había hecho trabajo en India así me enteré que ellos tenían estudios en en todos esos lejanos lugares. Así que fuí a EMI por una lista de donde ellos tenían estudios, y era una gran lista: Rio de Janeiro, Lagos, China, Francia, en todas partes!  

Una de las fotos consideradas para la portada trasera del album 

En agosto, la banda, compuesta por McCartney y su esposa Linda, el ex guitarrista y pianista de Moody Blues Denny Laine, Henry McCullough en la guitarra principal y Denny Seiwell en la batería, comenzó los ensayos para el nuevo álbum en la granja escocesa High Park Farm de los McCartney. Durante una sesión de ensayo, McCullough y McCartney discutieron, y McCullough renunció. Seiwell se fue una semana después, la noche antes de que la banda volara a Nigeria. Esto dejó solo el núcleo de la banda, Paul, Linda y Denny Laine, para grabar en Lagos, con la ayuda del ex ingeniero de los Beatles, Geoff Emerick. Los Wings eran ahora un trío, la turbulencia en la alineación de la banda no era extraña.

• PAUL: Lo más gracioso de eso fue que teníamos una banda que iba a Lagos, pero solo tres de nosotros llegamos allí, Linda y yo, que siempre íbamos a ir y Denny, que estaba de acuerdo con el viaje. Pero un par de chicos dijeron "No queremos ir, simplemente no queremos ir a África." Bueno, gracias. Te gusta Nerviolandia. Odiaba eso. Me gusta la vida fácil, como la mayoría de la gente. Así que de todos modos, dije "No voy a dejar que eso me desanime, iremos" Así que todos fuímos. 

 

La banda y su séquito llegaron a Lagos el 9 de agosto de 1973. El estudio de EMI, ubicado en Wharf Road en el suburbio de Apapa, estaba destartalado y mal equipado. La mesa de control estaba defectuosa y solo había una máquina de cinta, una Studer de 8 pistas. La banda alquiló casas cerca del aeropuerto de Ikeja, a una hora del estudio. McCartney, Linda y sus tres hijos se quedaron en uno, mientras que Laine, su esposa JoJo, Emerick y los dos roadies de Wings se quedaron en otro.

El grupo estableció una rutina de grabación durante la semana y de turista los fines de semana. McCartney se unió temporalmente a un club de campo local, donde pasaba la mayoría de las mañanas. La banda sería llevada al estudio a primera hora de la tarde, donde la grabación duraría hasta altas horas de la noche y, a veces, temprano en la mañana. Para compensar a los miembros de la banda fallecidos!!!???????????, McCartney tocaría la batería y las partes de guitarra principal, además de sus contribuciones en el bajo, con Laine tocando la guitarra rítmica y Linda agregando teclados. La primera pista que grabaron en Apapa fue "Mamunia", el título del que McCartney se apropió del nombre de un hotel en Marrakech donde Wings se había alojado en abril de 1973. 

• PAUL: Bueno ya sabes, la dificultad era: después de los beatles, ¿qué harías ?. Creo que cualquier banda sentiría que no estaba a la altura. así que si alguna vez tenías algún tipo de discusión era como amplificada, porque todos eran un poco inseguros de todos modos. Sin embargo, lo que realmente sucedió fué que una vez que los muchachos habían dicho que no iban a salir y después de sentirme completamente desanimado y molesto durante un par de horas, pensé: "Bien, está bien, te lo mostraremos". Y eso fué lo que fué, se convirtió en un impulso muy motivador: "Ahora haremos el mejor álbum. Y cuando estos tipos lo escuchen, dirán: "Mierda, deberíamos habernos ido". No fué vindicativo pero sí motivador: "Tengo que darle la vuelta a esto, o simplemente cavaré un hoyo para mí. Nos vamos". Nuestra única alternativa era cancelar todo el viaje, no hacer un álbum, caer en depresión o ir allí y sacar lo mejor de él. Esa se convirtió en la motivación. Ahora produciremos un álbum por el que valió la pena salir. Entonces, contra todo pronóstico, hicimos el álbum. Pero fue un desafío. 

Paul, Linda y Denny en el estudio Wharf Road de EMI en Lagos

Varias de las canciones de Band On the Run reflejan temas de escape y libertad, mientras que la estructura del álbum recuerda a Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band y Abbey Road. La canción "Band on the Run" se inspiró en parte en un comentario que George Harrison había hecho durante una de las muchas reuniones de negocios a las que asistieron los Beatles en 1969, en un esfuerzo por abordar los problemas que afligían a su empresa Apple Corps. Cuatro años más tarde, la creación del álbum coincidió con lo que el autor Peter Doggett denomina la "victoria moral de McCartney en el debate sobre Allen Klein", ya que Harrison, John Lennon y Ringo Starr ahora se vieron envueltos en un litigio contra Klein, el gerente comercial que tenían. designado para dirigir Apple en 1969, a pesar de la fuerte oposición de McCartney. Doggett escribe que McCartney fué quizás liberado creativamente por este desarrollo reciente, lo que resultó en Band On The Run con "una confianza en sí mismo espumosa que recuerda a los Beatles en su momento más productivo".

Funda interior del disco LP del album Band On The Run lado 2

Anécdotas curiosas (y peligrosas).

Paul, Linda y Fela Kuty posando amigablemente después de haberse confrontado

Aparte de los desafíos presentados por el estudio deficiente, varios incidentes plagaron la estadía de Wings en Lagos. Mientras caminaban una noche en contra de los consejos, McCartney y Linda fueron asaltados a punta de cuchillo. Los asaltantes se llevaron todos sus objetos de valor e incluso robaron una bolsa que contenía un cuaderno lleno de letras y canciones escritas a mano, y casetes que contenían demos de canciones para grabar. En otra ocasión, McCartney estaba sobregrabando una pista vocal cuando comenzó a jadear por aire. Según Emerick: "En cuestión de segundos, [McCartney] se puso tan blanco como una sábana, explicándonos con voz ronca que no podía recuperar el aliento. Decidimos llevarlo afuera a tomar un poco de aire fresco ... [pero] una vez que estuvo expuesto al calor abrasador se sintió aún peor y comenzó a desplomarse, finalmente desmayándose a nuestros pies. Linda comenzó a gritar histéricamente; estaba convencida de que estaba teniendo un ataque al corazón ... El diagnóstico oficial fue que había sufrió un espasmo bronquial provocado por fumar demasiado”. Otro incidente fue el enfrentamiento con el pionero local de Afrobeat y activista político Fela Kuti, quien acusó públicamente a la banda de estar en África para explotar y robar música africana después de su visita a su club. Kuti fué al estudio para enfrentarse a McCartney, quien le tocó sus canciones para demostrarle que no tenían influencia local. Más tarde, el baterista y ex miembro de Cream, Ginger Baker, invitó a Wings a grabar su álbum completo en su ARC Studio en Ikeja. McCartney acordó ir allí por un día. La canción "Picasso's Last Words (Drink to Me)" fue grabada en ARC, con Baker contribuyendo con una lata de grava de percusión.

La grabación de la mayoría de las pistas básicas del álbum, junto con la sobregrabación inicial, se completó después de seis semanas en Nigeria. Después de organizar una barbacoa en la playa para celebrar el final de la grabación, Wings voló de regreso a Inglaterra el 23 de septiembre de 1973, donde fueron recibidos por fanáticos y periodistas. Al regresar a Londres, los McCartney recibieron una carta de EMI fechada antes de que la banda dejara Inglaterra advirtiéndoles que no fueran a Lagos de ninguna manera debido a un brote de cólera.

Poster promocional realizado para el sencillo "Jet" 

En octubre, dos semanas después del regreso de la banda a Londres, se comenzó a trabajar en los estudios AIR de George Martin para transferir muchas de las grabaciones de ocho pistas a dieciséis. "Jet", que lleva el nombre de uno de los cachorros labrador de McCartney, fue grabado en su totalidad en AIR. McCartney, Laine y Linda realizaron más sobregrabaciones en las grabaciones de Lagos durante este período; Todos los arreglos orquestales del álbum fueron grabados en AIR en un solo día, dirigido por Tony Visconti. Visconti tuvo tres días para escribir los arreglos, incluida la orquesta de 60 músicos para la canción principal. Visconti dijo que los arreglos fueron colaboraciones con McCartney, y se sorprendió de que no se le acreditara correctamente por su trabajo hasta la reedición del 25 aniversario. Otro colaborador fué el saxofonista Howie Casey, que superpuso solos en "Bluebird", "Mrs. Vanderbilt" y "Jet", y se convertiría en el trompetista habitual de Wings. La mezcla final del álbum se completó durante tres días en los Kingsway Studios de Londres a principios de noviembre.

"Helen Wheels" fue lanzado como un sencillo que no forma parte del álbum a fines de octubre y se convirtió en un éxito entre los 10 primeros en Estados Unidos en enero siguiente. Por razones comerciales, Capitol Records, el distribuidor estadounidense de Apple Records, pidió incluir "Helen Wheels" en el álbum. McCartney estuvo de acuerdo, aunque nunca fue su intención incluir la pista. Si bien "Helen Wheels" no se incluye en las versiones del Reino Unido del CD Band On The Run (excepto como un corte adicional en la edición de 1993 del CD "The Paul McCartney Collection"), siempre ha aparecido en las ediciones estadounidenses del CD a partir de con el lanzamiento inicial de Columbia Records en 1984. Las primeras versiones del lanzamiento de Capitol no incluyen "Helen Wheels" en la etiqueta o en el inserto del CD, lo que hace que la canción sea una "pista oculta".

Poster con fotografías incluído en el album

Ted Nugent - Wango Tango

 

Scream Dream es el sexto álbum de estudio del músico de hard rock estadounidense Ted Nugent. El álbum fué lanzado en junio de 1980 por Epic Records y alcanzó el número 13 en el Billboard 200, convirtiéndose en el álbum más exitoso de Nugent en los Estados Unidos. Fué su último álbum de estudio con el baterista Cliff Davies.

La apertura del álbum "Wango Tango" se convirtió instantáneamente en un estándar de Nugent, incluída una sección de desglose medio humorística en la que se luce con un rap al estilo de un barker de carnaval. Otros aspectos destacados incluyen "Terminus El Dorado", la canción principal "Scream Dream", y "Hard as Nails".

Los temas "Wango Tango" y "Scream Dream" se incluyeron más tarde en el álbum recopilatorio Playlist: The Very Best of Ted Nugent.

 Portada trasera album LP Scream Dream

"Awriiiiiight, uh ze WANGO ze TANGO! One, two, three, four!" Con ese grito y ese rudimentario tándem de guitarra y bajo rudimentario, Ted Nugent lanza su álbum de 1980, Scream Dream, con "Wango Tango". Sweaty Teddy no es de los que son sutiles, y además de desatar su trueno de seis cuerdas en esta "canción" perversamente pegadiza, suelta una sección hablada maníaca y babeante en el medio. 

Con un puñado de excepciones, Nugent no es un buen compositor, pero toca una guitarra mala, y eso es realmente lo que la gente quiere escuchar. Su perversa forma de tocar suena diferente a la mayoría de sus compañeros de hard rock y heavy metal debido a su amplio uso de guitarras Gibson Byrdland de cuerpo hueco y sonido cálido. "Scream Dream" es casi tan adictivo como "Wango Tango". 

El resbaladizo ritmo medio de "Hard as Nails" insinúa las influencias del R&B de Nugent, pero el bajo funky y la voz gutural de "Terminus Eldorado" los aclara como el cristal. "Flesh & Blood" es un rockero tenso y sencillo. El rock & roll de principios de la década de 1950, similar a Chuck Berry, es la base de "I Gotta Move" y "Don't Cry (I'll Be Back Before You Know It Baby)", y ambos son cantados por el guitarrista Charlie Huhn. . El baterista y productor Cliff Davies canta "Come and Get It". Scream Dream y "Wango Tango" son dos de las mejores canciones del Motor City Madman.

Funda del disco LP Scream Dream frente

Los álbumes de Ted Nugent suelen incluir un toque de guitarra muy potente y Scream Dream no es una excepción en ese caso. Las canciones suenan muy bien con su sonido de hard rock. El abridor "Wango Tango" es una de las canciones más conocidas de Uncle-Ted y es un punto culminante aquí. Otros aspectos destacados incluyen canciones como "Violent Love", "Flesh & Blood", la canción principal "Scream Dream" y "Terminus El Dorado", que es muy diferente de las otras canciones. La mayor parte del material es agradable.

Funda del disco LP Scream Dream atrás

En realidad, este podría ser el último álbum de estudio "clásico" de Ted Nugent, ya que es el último con los discos de Epic. Su álbum en vivo Intensities in 10 Cities también fué lanzado por Epic Records, pero Scream Dream fue su último álbum de estudio en hacerlo. 

Etiquetas del disco LP ambos lados

 

Joe Cocker - Something To Say {Joe Cocker} (1972)

Joe Cocker es el tercer álbum de estudio de Joe Cocker, lanzado en 1972 en Europa como Something to Say en Cube Records, y en Estados Unidos como Joe Cocker en A&M Records. Contiene el sencillo "High Time We Went", que fue lanzado en el verano de 1971. Joe Cocker señaló el cambio de dirección de Cocker hacia un estilo de blues más jazzístico. El álbum alcanzó el no. 30 en las listas de álbumes de EE. UU. Sin embargo, aunque recibió una respuesta positiva de la prensa, no causó impresión en las listas británicas y europeas.

Es un LP inusual entre los álbumes de Joe Cocker, ya que escribió la letra de seis canciones. Cinco de ellos fueron coescritos con Chris Stainton entre 1969 y 1972. "Something To Say" fue escrito con Nichols. Sin embargo, el principal reclamo de fama del álbum podría ser que uno de sus temas, "Woman to Woman", fue la base del exitoso sencillo de Tupac Shakur "California Love".

Portada trasera del LP Something To Say 

El álbum, titulado Something to Say, fue lanzado originalmente en CD en 1990 por Castle Communications y en 1998 se lanzó una edición remasterizada del álbum en todo el mundo en A&M Records. Alan White, que pronto será el baterista de Yes, tocó en este álbum junto a Jim Keltner, después de aparecer en los álbumes All Things Must Pass de George Harrison y Live Peace in Toronto, Imagine y Sometime in New-York City de John Lennon. Conrad Isidore tocó con Steve Stills y Hummingbird, entre otros. El percusionista Rebop Kwaku Baah era conocido por su trabajo con Traffic y la banda alemana Can. 

Portada interior desplegable del album LP Something To Say 

Los primeros tres álbumes de A&M de Joe Cocker forman la base de una carrera que abarca más de tres décadas. Si bien Cocker ciertamente no siempre estuvo en plena forma durante este tramo, gracias a los problemas con el alcohol y los movimientos de regreso cuestionables en los años 80 y 90, sus primeros discos informaron el sonido clásico de pub rock que luego se atribuyó a figuras proto-punk como Graham Parker y Brinsley Schwarz.

En esos primeros discos, Cocker mezcló elementos de las grabaciones de revival del blues inglés de finales de los sesenta (John Mayall, et al.) Con los sonidos más contemporáneos del soul y el pop; un sonido fusionado en gran parte por el productor y arreglista Leon Russell, cuya mezcla de gumbo ocupa un lugar destacado en este lanzamiento homónimo y en el infame set en vivo de Mad Dogs & Englishmen.

 Funda interior de papel del disco LP

La sofisticada estética del blues del pantano de Russell se siente directamente con las versiones de su balada gospel "Hello, Little Friend" y un poco de pop de Nueva Orleans inspirado en los Beatles, y uno de los mayores éxitos de Cocker, "Delta Lady". Siguiendo el enorme éxito de una versión anterior de "With a Little Help From My Friends", Cocker extrae más oro de los Beatles con interpretaciones muy respetables de "She Came in Through the Bathroom Window" y "Something".

 Y para completar este impresionante set hay tomas igualmente astutas de "Dear Landlord" de Dylan, "Bird on the Wire" de Leonard Cohen y "Darling Be Home Soon" de John Sebastian. En todo momento, Cocker recibe un excelente apoyo de su grupo habitual de acompañamiento de la época, Grease Band. Una excelente introducción al período clásico del cantante, finales de los sesenta y principios de los setenta.

Disco LP, album Something To Say, lado 1 y lado 2 

 

Steeler - Steeler (1983)

Steeler es el primer álbum de estudio de la banda estadounidense de heavy metal del mismo nombre, lanzado en 1983. La mayor parte del material se grabó en Prairie Sun Studios en Cotati, California, a unas ochenta millas al norte de San Francisco. Fué el único álbum lanzado por el grupo antes del álbum recopilatorio de 2005 lanzado por el cantante Ron Keel. Después del lanzamiento del álbum, la banda se separó. El guitarrista Yngwie Malmsteen se unió a Alcatrazz, el bajista Rick Fox formó Sin, el baterista Mark Edwards firmó con Lion y Ron Keel convirtió a Steeler en Keel.

Esta es la primera grabación que Malmsteen hizo antes de dejar la banda para hacerla solo. Aqui no encontrarás algunos grandes clásicos de comienzos del metal. Este es el primer disco de una banda nueva en la emergente escena del metal de los 80´s. Las canciones son sencillas y suenan anticuadas, pero eso es lo que es ... Metal de principios de los 80´s. Disfrútalo por lo que es. Ah! y por los buenos solos y requintos de un Malmsteen llegando a ebullición, imperdible!

Portada trasera del album LP Steeler

En 1978, Yngwie Malmsteen formó la banda Rising Force. Junto a Rising Force grabó los primeros demos, que accidentalmente cayeron en manos del "buscador de talentos" estadounidense en el campo del hard rock Mike Verney, y en 1983 Yngwie Malmsteen se incorporó a la banda de Los Ángeles Steeler, dirigida por Ron Keill. A pesar de una excelente selección de músicos, el grupo grabó un álbum de estudio y pronto se disolvió, y Yngwie Malmsteen, junto con Graham Bonnet, el ex vocalista de Rainbow, crearon Alcatrazz.

 

Portadas trasera y frontal del cd Steeler

La historia de fondo agrega un poco más de color al proceso de escucha. Veamos:

• La respuesta a la columna de Mike Varney de Guitar Player, 
• La posterior invitación a unirse a Steeler,  
• La alineación de Rising Force en ese momento en Suecia estaba recibiendo poca cobertura. 
• Dejando a amigos, familia, banda, novia y gato (sin mencionar el estudio de grabación de su tío) atrás, serían tres años completos hasta que regresara. 
• Yngwie Malmsteen, ligeramente bigotudo, le dijeron que tenía que hacer algo con su cabello largo pero pasado de moda) llega a Los Ángeles con una guitarra y unos jeans de repuesto para encontrar a la banda viviendo en un almacén vacío en una parte difícil de la ciudad. 
• La banda acababa de vender sus Marshalls y estaban practicando prácticamente a capella. 
• Las hamacas improvisadas hechas con sábanas y el agua del grifo oxidada tampoco eran lo que esperaba, (al igual que el vuelo en avión a Los Ángeles, que aterrizó con tanta fuerza que casi se estrella), pero al menos le dieron la única cama que tenían. 
• La gran ventaja fué que el perfil de la escena y sus modestos conciertos le permitieron reinar libremente, llamaron la atención y finalmente lo llevaron a su próximo trabajo (también con un catálogo de 1 cd, sus solos extendidos ayudaron sin duda). 
• Mientras tanto, debido a un interés relativamente inofensivo en lo oculto por parte de Malmsteen, una banda sorprendentemente conservadora comenzó a tener sospechas y un nervioso y temeroso de Dios, Mike Varney, lo llama en broma preguntando sobre los sacrificios de animales. 
• Mientras tanto, un día, recogiendo huevos de un establo, encuentra un polluelo completamente formado (aunque muerto) que se cae dentro de la sartén. Suficiente para poner nervioso a cualquiera. 
• Durmiendo en una mesa de billar (muy rock and roll) con una cabeza de alce como compañía, espera su tarjeta verde mientras se graba el álbum. 
• Finalmente, tiene un día de estudio para grabar sus partes, luego sale por la puerta y poco después se dirige a Alcatrazz incluso antes de que se publique el álbum.

Don Airey - One Of A Kind (2018)

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One Of A Kind es el sexto album solista del músico tecladista inglés de rock Don Airey. El album fué lanzado al público el 25 de Mayo del año 2018. El album fué realizado bajo el sello Ear Music una subsidiaria del Grupo Edel una compañia discográfica grabadora enfocada en la música de rock,  pop, metal y rock alternativo.  

Un disco que combina el hard rock más clásico con pasajes de sinfonismo marca de la casa consiguiendo redondear piezas muy atractivas, comenzando por la dinámica “Respect”, con unas teclas orgánicas que marcan su desarrollo sobre unas poderosas guitarras entre las que se eleva la voz de Sentance con versátiles entonaciones. Se atempera el ritmo en la más sinfónica “All Out of the Line” rompiéndose un poco la voz envuelta de teclados con un ligero toque psicodélico, que se acentúan mostrando la maestría de Airey en la espectacular “One Of a Kind” adornada por bonitos arreglos orquestales sin olvidarnos de la guitarra poniendo el contrapunto más duro en algunos fragmentos.

Portada interior desplegable del Doble LP One Of A Kind

Es innegable que 'One Of A Kind' puede sonar un poco setentero, pero es hard rock fresco y emocionante, del que te levanta de la silla con la primera escucha. Eso me ha sucedido a mí, y es que no estamos ante un simple intento de retroceder y aferrarse al estilo clásico. No, este es un disco de rock sincero, donde el bueno de Don hace lo que mejor sabe hacer, Rock. Sin demasiados adornos y sin tener un protagonismo excesivo o abrumador. El disco está pensado como una banda, aunque él sea el jefe.

Es hard rock clásico con melodías, grandes riffs y solos, pero como decía antes todo enfocado como una unidad de banda. Se ha rodeado como siempre de talentosos músicos que incluye al cantante Carl Sentance (actual vocalista de las leyendas británicas Nazareth además de Krokus y Persian Risk). El bajista Laurence Cottle, que ha tocado con Black Sabbath, Gary Moore o Chick Corea y que forja una gran sección rítmica con el atronador talento de Jon Finnigan. Por último, pero no menos importante, está el increíble talento del guitarrista Simon McBride (Snakecharmer), que no tiene miedo de ser comparado con los muchos guitarristas increíbles con los que Don ha trabajado antes. El bajista Laurence Cottle y el cantante Carl Sentance repiten del anterior álbum 'Keyed.

Funda interior del LP 1 frente

Estas nuevas composiciones podrían pertenecer tranquilamente a un nuevo disco de Rainbow o Deep Purple, desprenden ese tufo retro pero a la vez suenan frescas. La idea preconcebida de que esto podría ser un esfuerzo centrado en el teclado se descarta en los primeros quince segundos de la rockera pista de apertura “Respect”, que contiene con un riff principal que suena como un primo lejano del clásico “Speed King” de Deep Purple. La segunda y cadenciosa “All Out of Line” contiene un riff pesado, brillan las teclas y por si fuese poco tiene un estribillo letal, además de un inspirado solo de Simon.

En el bonus CD en vivo Airey y compañía se marcan algunos clásicos muy familiares. Fue grabado en vivo en Fabrik, Hamburgo el 14 de marzo de 2017. Arrancando con el "Pictures of Home" de Deep Purple, donde Carl vuelve a salir bien parado. Ni que decir que las teclas suenan gloria. En el eterno clásico "Since You've Been Gone" de Rainbow tengo que decir que no me gusta como lo canta Carl. Muchísimo mejor en la fulgurante "I Surrender" con introducción en el piano. Concluyendo con la impresionante versión del clásico de Gary Moore “Still Got the Blues for You” que borda el guitarra Simon McBride.
'One Of A Kind' es un deleite para los fans del Hard Rock.

Funda interior del LP 1 con letras de canciones atrás

Sincera reseña!

En estos días, todo aferrado del rock mayor de 35 años grita: "Ojalá hubiera música nueva tan poderosa, espectacular y rockera como la música que amamos de los días de gloria".
Bueno ... tengo buenas noticias para ti. La Hay. Se llama One Of A Kind por Don Airey.

¡One of a Kind es el álbum que estabas esperando!

Espera!, no malinterpretes mis palabras. No es una expresión motivada por una reacción eufórica precipitada, no. Es debido a haber escuchado el album con espíritu crítico por un tiempo razonable y en base a la experiencia de años conociendo y escuchando rock que surge.

Funda interior del LP 2 frente.

Lo anterior significa que aquí hay matices de Deep Purple ... Rainbow ... incluso Uriah Heep y Gary Moore en todo esta obra ... pero suena fresco, nuevo y emocionante.

Decir que One of a Kind simplemente es genial sería quedarse corto ... este álbum merece ganar cualquier lista de Mejor Álbum Hard Rock de 2018 ... sí ... ¡es así de bueno!

¿Por qué digo todo esto de un álbum en solitario de un tecladistas? Por las canciones ... y las presentaciones.
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Funda interior del disco 2 atrás.

Este no es un simple intento de retroceder al estilo clásico con la esperanza de recapturar glorias pasadas. No ... este es el verdadero negocio. Esta música es de las entrañas, el corazón, el alma e incluso la entrepierna… como debería ser cualquier gran disco de hard rock.

Claro ... de alguna manera es retro ... pero también es fresco. ¡Hay ocasiones en las que uno puede jurar que es 1976 y se ha lanzado un nuevo álbum de Rainbow o Deep Purple! Sin embargo ... nunca antes has escuchado estas canciones.

.Funda del disco1 atrás, con letras.

Cómo la melodía de apertura, “Respect” no fue capturada por Deep Purple, está más allá de mi comprensión. La canción principal le recuerda a este escritor el clásico Uriah Heep, mientras que "Lost Boys" mezcla todo el pasado de Don con su presente. "Remember to Call" es más suave pero contiene una pieza de guitarra épica a lo largo de toda la melodía. “All Out of Line” es otra rockera destacada. De hecho, ¡cada canción del álbum es una melodía destacada!

Este álbum es una obra maestra.

Junto a Airey se encuentran algunos músicos muy experimentados, como el vocalista Carl Sentance (Nazareth), el bajista Laurence Cottle, el baterista Jon Finnigan y el guitarrista Simon McBride.

Cada hombre se suma a la excelencia general del álbum. Airey también agrega muchas teclas y adornos de órgano, pero no domina a la banda. Claro ... este es un álbum en solitario para un gran teclista, pero Don está más interesado en crear el paquete completo que en lucirse.

Si mi descripción de este álbum ... que incluye 11 temas de rock duro increíbles ... no es suficiente para convencerte de que compres esta obra, entonces déjame darte más noticias asombrosas ...

Hay un segundo disco.

Don y su banda tocan el clásico de Deep Purple "Pictures of Home", así como dos melodías de Rainbow, "Since You’ve Been Gone" y "I Surrender" y el clásico de Gary Moore "Still Got the Blues for You".

¡Las canciones son todas en vivo desde un concierto en Hamburgo en 2017 y me dan ganas de un Blu-Ray en vivo de esta banda!

¡Quizás eso sea lo próximo!

Es tan refrescante escuchar nuevo hard rock progresivo con una actitud positiva que es tan buena como cualquier cosa que Don haya hecho antes.

Sabiendo lo que Don hizo antes ... ¡eso dice mucho!

Don Airey & Friends - Live In Hamburg (2021)

Donald Smith Airey (nacido el 21 de junio de 1948) es un tecladista inglés con una carrera larga y productiva, tocando con artistas como Gary Moore, Ozzy Osbourne, Judas Priest, Black Sabbath, Jethro Tull, Whitesnake, Saxon, Wishbone Ash, Steve Vai, Colosseum II, Ten, Sinner, Michael Schenker, Rainbow, Empire, Thin Lizzy, Brian May, Divlje jagode y Living Loud. También ha trabajado con Andrew Lloyd Webber. 

Ha sido tecladista de la banda de rock Deep Purple desde 2002, tras la jubilación de Jon Lord. Como músico de sesión tiene un historial muy impresionante con bandas y figuras de la escena del rock y la música internacional como: UFO, Cozy powell, Strife, Michael Schenker Group, Glenn Tipton (Judas Priest), Uli Jon Roth, Tony Iommi, Glenn Hughes, y como músico invitado tiene una gran historial también, con artistas como: Bernie Marsden, Graham Bonnet, Brian May, Bruce Dickinson, y bandas como: Helix y Fastway solo por mencionar algunas.

“Live In Hamburg” es el primer álbum en vivo en solitario del virtuoso del teclado Don Airey, conocido como miembro de Deep Purple, que se publicará el 26 de febrero.

De gira con los grandes y los buenos durante décadas, Don Airey nunca ha estado de gira con su propio proyecto en solitario. Esto cambió cuando viajó por primera vez a Alemania en 2017 como "Don Airey & Friends". Sus amigos, por supuesto, todos verdaderos profesionales por derecho propio, son el cantante principal Carl Sentance (Nazareth), el ex bajista de Black Sabbath Laurence Cottle, el guitarrista Simon McBride (Sweet Savage) y el baterista Jon Finnigan (Gang of Four).

Siendo uno de los tecladistas más grabados de todos los tiempos, con más de 300 álbumes en los que ha participado, la lista de canciones del famoso Fabrik de Hamburgo incluía éxitos de primer nivel y favoritos de todos los tiempos de su carrera como 'Since You've Been Gone'. de Rainbow, 'Still Got The Blues' de Gary Moore o 'Child In Time' de Deep Purple (que Deep Purple ya no se presenta en vivo). 

El album es un buen material donde queda plasmado y evidenciada la capacidad técnica y artística de Don Airey.  Un excelente setlist y una presentación por demás decente es lo que este album nos ofrece. Con rolas clásicas del rock en diferentes géneros y con un sonido muy distintivo el album llega a tocar fibras sensibles de la memoria musical de cada rocker apasionado que lo escuche. El album fué grabado absolutamente en vivo en Marzo del 2017 en la  Fabrik Club en Hamburg, Alemania.

 Acerca de Don Airey

Don Airey de Deep Purple es quizás el teclista de hard rock más famoso de todos los tiempos. La única persona que puede superarlo en términos de desempeño, fama e innovación en el ámbito del género del hard rock es el hombre que remplazaría en Deep Purple… Jon Lord.

Don, honestamente, fué la mejor… y única… opción para reemplazar a Lord. Sin embargo, ha hecho mucho, mucho más que eso. Airey también ha estado en bandas como Ozzy Osbourne, Rainbow y Gary Moore. También ha grabado y actuado en vivo con docenas de otros artistas importantes.

He aquí ... Don también tiene tiempo para tocar el órgano en su iglesia ... y lanzar álbumes en solitario. El hombre es, como su último álbum se titula verdaderamente ... Único en su clase, (One Of A Kind).

 Hoja interior del album

Portada trasera del album