Eagles - One Of These Nights (1975)

One of These Nights es el cuarto álbum de estudio de los Eagles, lanzado en 1975. En julio de ese año, el disco se convirtió en el primer álbum número uno de los Eagles en la lista de álbumes de Billboard, con tres sencillos Top 10: "One of These Nights", "Lyin 'Eyes" y "Take It To The Limit". Su canción principal es el segundo sencillo número uno del grupo en el Billboard Hot 100. El álbum vendió cuatro millones de copias y fue nominado al Grammy Album of the Year. Un sencillo del álbum, "Lyin 'Eyes", también fue nominado para Record Of The Year (Grabación del Año) y ganó el primer Grammy de los Eagles a la mejor interpretación pop de un dúo o grupo con voces.

One of These Nights es el último álbum de Eagles que presenta al guitarrista Bernie Leadon, quien dejó la banda después de la gira One of These Nights y fue reemplazado por Joe Walsh. La séptima pista, "Visions", es la única canción de los Eagles en la que el guitarrista Don Felder cantó la voz principal, a pesar de su deseo de escribir y cantar más canciones. El álbum fue el avance comercial de la banda, transformándolos en superestrellas internacionales. Hicieron una gira mundial para promocionar el álbum

Funda interior del disco (insert) del album One Of These Nights de the Eagles, frente

 

Stephen Holden de Rolling Stone, en una revisión inicial del álbum, expresó su agrado por el álbum, pero no lo consideró un gran álbum. Él pensó que el conjunto de la banda era "excepcionalmente excelente", pero "carecen de un cantante sobresaliente", y que si bien "muchas de sus melodías son bonitas, ninguna es elocuente". Añadió: "Y a pesar de su percepción mundana, las letras de los Eagles nunca trascienden la astucia de Hollywood. Su hard rock siempre ha parecido un poco forzado, construido más a partir de consideraciones comerciales que de cualquier impulso urgente de bailar. Y cuando los Eagles intentan comunicarse sexualidad salvaje, suenan sólo como un entusiasmo juvenil. Sin embargo, estas limitaciones parecen estar integradas en el concepto actual del rock del sur de California, del cual los Eagles siguen siendo los exponentes inigualables ". La guía de álbumes de Rolling Stone consideró que el álbum era "La salida musical más aventurera de la banda hasta ahora, coqueteando con la música disco en la canción principal, un vals en" Take It to the Limit "y la psicodelia bluegrass en" Journey of the Sorcerer "de Leadon.  

 Anuncio promocional original lanzado por Ayslum Records

 

En una revisión retrospectiva, William Ruhlmann de AllMusic fue más favorable. Pensó que tenía material más original y que el material estaba más pulido, escribiendo: "One of These Nights fue la culminación de la mezcla de estilos rock, country y folk que los Eagles habían estado haciendo desde sus inicios; no había muchas cosas que fueran nuevas, simplemente el mismo tipo de cosas hechas de mejor forma que lo que habían sido hechas antes. En particular, una postura lírica —conocida y desilusionada, pero desesperadamente esperanzada— había evolucionado, y los arreglos musicales eran más ajustados y decididos. El resultado fue el álbum mejor realizado y más popular de los Eagles hasta ahora."

Portada del Album

La portada del álbum es una imagen de una obra de arte de Boyd Elder, también conocido como "El Chingadero". Elder conoció a los Eagles en 1972 cuando se exhibieron piezas de su trabajo de la serie "American Fetish" en una galería de arte en Venice, California; entre los que asistieron a la inauguración se encontraban miembros de los Eagles que interpretaron "Witchy Woman" en el evento, una aparición temprana de la banda como los Eagles. En 1973, Elder comenzó a crear obras de arte de calaveras pintadas con alas y plumas. Elder era amigo del diseñador de portadas del álbum Gary Burden, quien fue responsable de los tres álbumes anteriores de los Eagles y estaba interesado en usar una de las piezas de Elder para esta portada. Elder presentó dos de sus obras a los Eagles en Dallas a finales de 1974, una de las cuales fue elegida para la portada de One of These Nights. Más tarde, otra obra de Elder, una imagen del cráneo de un águila, se utilizaría para la portada del álbum Their Greatest Hits. El motivo del cráneo de un animal pintado también se usó en la portada de su álbum recopilatorio The Very Best of, y el cráneo de One of These Nights se usó para la portada del documental History of the Eagles.

La portada del álbum One of These Nights es el último diseño de álbum de los Eagles en el que participó Burden. Hizo que el cráneo se levantara de la página grabando grandes áreas junto con un grabado detallado y elaborado en las alas y las plumas. Según Burden, la imagen de la portada representa de dónde venía la banda y adónde iban: "El cráneo de vaca es vaquero puro, folk, las decoraciones están inspiradas en los indios americanos y el futuro está representado por las superficies con cuentas de vidrio reflectante más pulido que cubren el cráneo. Todo contra las oscuras alas de plumas de águila que hablan de poderes misteriosos ". La ​​carátula del álbum recibió una nominación al Grammy por Best Album Package (Mejor Diseño de Álbum). 

 

 Funda interior del disco (insert) del album One Of These Nights de the Eagles, atrás

 Información sobre algunas canciones del album.

"One of These Nights", "Lyin 'Eyes" y "Take It to the Limit" fueron lanzados como sencillos (la información sobre estas canciones se puede encontrar en sus respectivos artículos). Las siguientes son algunas de las otras canciones notables en el álbum.

Vinyl sencillo (Single) promocional del album One Of These Nights con los temas: Take It To The Limit/Lyin´Eyes

 "Journey of the Sorcerer"

"Journey of the Sorcerer" se usó como tema musical para la serie de radio The Hitchhiker's Guide to the Galaxy de Douglas Adams, producida por la BBC en 1978 y 1979. Adams dijo que había querido algo que sonara "ciencia ficción" al mismo tiempo tiempo sugerente de un viajero, por lo que este instrumental basado en banjo le pareció ideal. "Journey of the Sorcerer" se utilizó posteriormente para la serie de televisión en 1981 (aunque regrabada), la serie de radio secuela producida por Above the Title Productions para la BBC en 2003 y 2004, y (regrabada una vez más) para la película producida por Disney / Touchstone en 2005. La versión original de One of These Nights se usó para todas las transmisiones originales de las cinco series de radio, y se usó una versión adicional para la sexta. La adaptación televisiva de la serie, y también una versión adicional lanzada en LP, utilizaron un arreglo de Tim Souster. Los lanzamientos en CD de las series de radio transmitidas en 2004 y 2005 utilizaron otra versión arreglada por Philip Pope y grabada por una banda tributo The Illegal Eagles, y la película de 2005 utilizó una versión de Joby Talbot.

"I Wish You Peace"

"I Wish You Peace" fue escrito por Bernie Leadon y su entonces novia Patti Davis, hija del entonces gobernador republicano de California, Ronald Reagan. Nancy Reagan ya había repudiado a Patti durante este período, aparentemente debido a su elección de vivir junto con Leadon como una "pareja no casada". Años más tarde, Don Henley desacreditaría esta canción como un lanzamiento de los Eagles, describiéndola como "música de cóctel smarmy y ciertamente no es algo de lo que los Eagles estén orgullosos". Henley también estaba molesto porque Davis recibió el crédito de coescritura, y le dijo a un reportero: "Nadie más quería [la canción]. No sentimos que estuviera a la altura de los estándares de la banda, pero la pusimos de todos modos como un gesto para mantener el unirse ".

"After the Thrill is Gone"

Según Henley, él y Frey conocían la canción de B.B. King "The Thrill Is Gone", y escribieron la canción para explorar las secuelas: "Sabemos que la emoción se ha ido, ¿y ahora qué?" 

 Portada trasera del album One Of These Nights de the Eagles

Notas curiosas del album.

Las copias originales de discos de vinilo de One of These Nights (catálogo de Elektra / Asylum n° 7E-1039) tenían el siguiente texto grabado en las ranuras de salida de cada cara del álbum:

Lado uno: "Don't worry --"

Lado dos: "-- Nothing will be O.K.!"

The Eagles y su productor Bill Szymczyk continuarían la tendencia de incluir tales "mensajes ocultos" en los ritmos agotados de varios álbumes posteriores.

Este es el segundo álbum de los Eagles que tiene un sonido envolvente cuadrafónico presionando. Fue lanzado en cinta Quadraphonic de 8 track y LP CD-4.

 

Banda Plástica De Tepetlixpa - Adiós a los Beatles (1971)

 

A continuación transcribo un artículo hallado en la red, concretamente del sitio: La Colección Strachwits Frontera de grabaciones mexicanas y méxico-americanas. Debido a lo raro, curioso, interesante e importante como suceso histórico relacionado con el ambito musical del rock, aún cuando la única veracidad de este hecho consista en la grabación que la banda plasmo en un disco, es la razón por la cuál comparto de esta manera este artículo. Espero sea de su interés y agrado.

La Colección Frontera está salpicada de curiosidades musicales de muchos tipos: raras, graciosas, históricas, amariposadas o ridículas. Una que se califica como todo esto es un álbum de tributo a los Beatles hecho por una desaliñada banda de pueblo llamada Banda Plástica De Tepetlixpa. Titulado Adiós a los Beatles, el álbum contiene 10 rendiciones instrumentales de canciones clásicas que cubren la carrera de los “Fab Four,” desde la seminal “I Want to Hold Your Hand” hasta “Carry That Weight” de Abbey Road. El álbum también puede escucharse en YouTube, o en su totalidad o canción por canción.

 

Se sabe muy poco sobre el álbum, que fue lanzado en una fecha no especificada por un sello discográfico desconocido llamado Caleidofon. El fundador de la Colección Chris Strachwitz no se acuerda dónde ni cuándo lo adquirió. El álbum, sin embargo, ha captado la atención de algunos sitios web por su extraño carácter musical: una mezcla de la humilde banda de metales étnica y pop británico refinado. Pero la atención no siempre es buena. Un sitio, Open Culture (Cultura Abierta), lo nombró entre las 15 peores versiones de las canciones de los Beatles que jamás se han hecho. En otro blog, Music for Maniacs (Música para los Maníacos), el escritor fue mucho más positivo, aun si quedó medio perplejo. Maniacs lo llamó “locura de arte folclórica” y proclamó, “No hay ningún sonido más glorioso para los oídos hartos que esta banda de metales rural de México que pita versiones instrumentales frenéticas, desafinadas y altamente entusiastas de las canciones de los Beatles. Aun el temido ‘Ob-La-Di, Ob-La-Da’ suena excelente como tema de carnaval enloquecido.”

Pero como con todas las curiosidades musicales, el arte no es el objetivo. Esto es un caso en el cual las notas de la cubierta trasera apuntan hacia un sujeto más fascinante que el producto que contiene. Escritas por el productor del álbum, José M. Silva, las notas cuentan la historia de un viaje secreto y psicodélico hecho por los “Fab Four” – una gira de Misterio de la Magia Mexicana.

 

 Las notas deberían llevar una advertencia: ¡lo que sigue es una leyenda urbana! Pero como muchos sitios web que repiten la misma historia más de 40 años más tarde, Silva cuenta (o vende) la historia tal como es. Una vez, cuando estaban de gira, escribe, los Beatles hicieron una visita incógnita a Oaxaca, un estado en el sur de México rico en tradiciones y culturas indígenas, donde tuvieron “experiencias místicas parecidas a las del lejano Tíbet.” Durante su viaje, continúa, alguien les contó a los chavos sobre las leyendas acerca de los majestuosos volcanes a los alrededores de la Ciudad de México, “y los magos desviaron su camión hacia el Popo y la Ixta,” como se apodan los volcanes.

 

Luego, según el productor, la banda pasó por un pueblito pintoresco llamado Tepetilxpa, al sureste de la Ciudad de México. Allí, cuenta, “fueron reconocidos y se les dio una bienvenida inolvidable con mole, pulque, nopales y totopos.” Les sorprendió a los Beatles cuando la banda local del pueblito empezó a tocar sus propias canciones y fueron inundados por la emoción, “y las lágrimas les corrían libremente.” Cuando llegó la hora de partir, se dice que los “mop tops” les dijeron a los aldeanos, “Jamás nos olvidaremos de ustedes.”

 

Es una fábula fascinante, tan ficticia como el submarino amarillo. No hay absolutamente ningún record de ninguna visita a México por los Beatles, ni como grupo ni como individuos, mientras continuaba a existir la banda. Aun en dos biografías recientes – John Lennon por Philip Norman y The Beatles: The Biography por Bob Spitz – no hay ninguna mención de México en los índices. 

 

Pero los hechos no han prevenido que esta leyenda creciera como hongos salvajes. El viaje ficticio de los Beatles a México todavía se menciona repetidamente en blogs de fanáticos como si fuera verdad, aunque ocasionalmente se reprende por algunos lectores en los comentarios. Los escépticos podrían preguntarse cómo los Beatles pudieron haber hecho un gran viaje en público a la cima de su popularidad sin atraer a la prensa o a los paparazzi, sin mencionar las muchedumbres y la policía.

     

No es ninguna sorpresa que nunca ha surgido ninguna foto del supuesto viaje de la banda al sur de la frontera. Sin embargo, en 2009, dos fotos que afirman mostrar a los Beatles en México salieron a la venta en una subasta, junto con unos supuestos autógrafos de los Fab Four, con una oferta principal de $2,500. Un crítico en el sitio del blog mexicano El Gesto de la Neurona fácilmente reprendió las fotos como tergiversaciones: obviamente fueron instantáneas de la banda por mediados de la década de 1960 que se habían sacado en otro lugar. Según el autor del blog, el vendedor no proveía ningún tipo de documentación que comprobaba su afirmación, con la excepción de decir que estaba seguro de que las fotos se habían sacado en México en algún momento después de 1970. El problema es que ese año es el año en que la banda se rompió.   

Irónicamente, fue el mismo autor de blog que soltó la sopa sobre el fraude fotográfico quien luego “confirmó” el aspecto más fascinante de la historia de los Beatles en México: un supuesto viajecito por la banda a conocer a una curandera reconocida mundialmente llamada María Sabina. ¡Y la trama se complica!

 

Esta leyenda dice que los Beatles hicieron una excursión a las montañas de Oaxaca para platicar con la mundialmente reconocida mística y curandera, quien se especializaba en los hongos alucinógenos. Sabina, nacida en la década de 1890 en el remoto pueblito de Huautla de Jiménez, es el sujeto de un documental de 1978, María Sabina: Mujer Espíritu, dirigido por Nicolás Echevarría, famoso por Cabeza de Vaca (1991). En la película, se escucha a Sabina hablando en la lengua nativa del pueblo mazateco de Oaxaca, que habita una región que lleva su nombre, la Sierra Mazateca. En sus encuentros con forasteros, la curandera siempre requería un traductor porque no hablaba español.

   

Sabina ganó atención internacional por primera vez en 1957, después de que salió en Life Magazine, una de las revistas más populares de la época. El artículo, “Seeking the Magic Mushroom” (“Buscando el Hongo Mágico”), fue escrito por R. Gordon Wasson, un banquero y experiodista de Montana que también se especializaba en la etnomicología, el estudio sociológico e histórico de los hongos. Wasson escribió sobre su visita a la espiritualista misteriosa en su pueblo, donde le permitió participar en una velada, una vigilia de curación basada en la ingestión de hongos. Una reimpresión del artículo, que debe haber sido alucinante en esa época, está publicada en línea, junto con fotos de Wasson y Sabina durante la ceremonia en la cual comieron hongos. Hay además una grabación de Sabina cantando cánticos ceremoniales, producida un año antes por Wasson y su esposa pediatra, Valentina, y lanzada por Smithsonian Folkways Recordings como Mushroom Ceremony of the Mazatech Indians of Mexico.

 

Se dice que los Wasson fueron los primeros occidentales que se enteraron de los secretos del rito, y su historia desató una oleada de interés contracultural en la curandera y sus hongos mágicos. Hubo un influjo de todo tipo de hippie y buscador a la región, incluso muchos famosos. Wikipedia afirma que los visitantes célebres incluyeron a Bob Dylan, John Lennon, Mick Jagger y Keith Richards, pero falta una fuente para esta afirmación y, como la historia de la visita de los Beatles, hay que tomarla con pinzas.

 

Aun así, la leyenda tiene una vida propia. Como con los rumores sobre la muerte de Paul, los fanáticos buscan señales en los menores detalles. Aquí nos regresamos al autor del blog que desacreditó las fotos falsas de los Beatles: en su sitio, que recientemente ha sido inactivo, apunta hacia una prueba poética de que los Beatles sí habían experimentado con los hongos alucinógenos en México bajo la dirección espiritual de María Sabina. Como evidencia literaria, se refiere a la letra de la apertura de “Let It Be.” Sin explicarlo con lujo de detalle, hace una referencia clara a la línea: “When I find myself in times of trouble/Mother Mary comes to me” (“Cuando me encuentro en momentos difíciles/la Madre María me viene.”

Ahí está: ¡Mary debe ser María Sabina! Y claro, la Morsa era Paul.       

Las afirmaciones sobre la gente famosa que visitaba a la humilde curandera en Oaxaca se difunden – y se amplifican – aun por autores, artistas y otros observadores serios. Un sitio web dedicado a la escena psilocibina de México y escrito por el escultor tejano David Smith, añade a Pete Townsend de The Who a la lista de peregrinos que supuestamente llegaron a la Sierra Madre para ver a Sabina. Aun Walt Disney le entra al escenario. Según este blog sobre Sabina, escrito por un estudiante de computación mexicano, el creador de Mickey Mouse también hizo la peregrinación a los hongos, como también supuestamente la hizo el autor británico Aldous Huxley.

Hay otro chisme fantástico que vale la pena mencionar sobre los Beatles y México:

 

En una página mexicana de Yahoo! Respuestas, un fanático escribe que los trajes de raso de color fluorescente y en estilo militar llevados por los Beatles en la portada de su álbum de 1967 Sargento Pimienta fueron creados por el diseñador mexicano Manuel Cuevas. Según varias fuentes, sin embargo, la ropa icónica de hecho fue diseñada por un vestuarista teátrico establecido en Londres, M. Berman Ltd. Esta afirmación sartorial falsa se hizo de pasada por un posteador identificado como Alessandro95 N.P., quien contestaba aun otra pregunta sobre la visita de los Beatles a Huautla. Sí, continuó a explicar muy seguramente, sí habían llegado a las montañas míticas para ver a María Sabina, esto después de haber sido desilusionados por el gurú indio Maharishi Mahesh Yogi. El viaje fue tan secreto, según el bloguero, que ¡hasta hoy en día hay gente que todavía cree que la banda de hecho fue a Oaxaca!

Que conste: Los Beatles sí planearon un concierto en México en 1965, pero se canceló, supuestamente porque las autoridades mexicanas estaban en contra. Más recientemente, Paul McCartney interpretó para públicos muy entusiastas ahí, incluso en este concierto gratis en 2012 en el masivo Zócalo de la capital, que atrajo a unos 80,000 fanáticos. La efusión de amor por el ex Beatle motivó a The Wall Street Journal a escribir sobre el furor perdurable por Beatlemanía en México.

Como pequeña muestra de esa fanaticada, la Colección Frontera contiene una pizca de versiones de las canciones de los Beatles por otros artistas también. Hay “Sufrirás Sin Mí (It’s Only Love)” por Los Freddy’s, “Ve a Él (Let it Be)” por Carlos Guzman, “Cumpleaños” (Birthday)” por Los Yaki y “Siempre en Mi Vida Estarás (Got to Get You into My Life)” por Banda Macho, que tenía la sección de metales para sacarlo adelante. La clásica banda de cover mexicana Los Johnny Jets hace versiones de “Ven Ya (Get Back)” y “Lady Madonna.”

La mayoría de estas versiones tratan de ser fieles a los originales. Sin embargo, hay algunas interpretaciones que les dan a los Beatles un giro estilístico latino. El Mariachi 70 de Pepe López hace una versión mariachi de “Ayer (Yesterday),” que es tal vez la canción de los Beatles con más covers, con un fondo de (¿qué más?) “Ob-La-Di, Ob-La-Da.”

La ejecución dolida de “Girl” por John Lennon, del álbum rústico Rubber Soul (Alma de Goma), recibe una interpretación romántica de bolero por Trio Los Panchos, titulada “Muchacha,” con versos líricos en español por Alfredo Gil. Al mismo tiempo, la canción roquera “I’m a Loser,” en la cual destaca la voz llorona de Lennon, se desliza y se suaviza en un dulce two step tejano por Los Inocentes en su versión, “He Perdido,” en el sello discográfico Falcon, basado en McAllen. Finalmente, los Chapala Beach Boys hacen una versión sensiblera de “Michelle,” con la melodía de McCartney llevada alternadamente por una trompeta desafinada y un órgano tipo lounge.

Hay una posdata final en la verdadera y triste historia de María Sabina, cuya celebridad le trajo consecuencias indeseadas y caóticas. La gente local la culpaba por haber traído a hordas de forasteros a su región remota, así revelando los secretos de sus ritos sagrados y rompiendo la tela social de su cultura antigua. Se le quemó la casa y fue excluida por la comunidad en la cual vivía hasta su muerte a la edad de 91 años en 1985. A pesar de su fama – y de la comercialización de su nombre e imagen en productos como camisetas y taxis – se murió indigente y llena de arrepentimiento.

A pesar de esta reacción violenta contra ella, a Sabina todavía la admiran muchos en México y en el mundo. Su memoria está consagrada por el nombre de un grupo de rock mexicano respetado, Santa Sabina. Y El Tri, una banda de rock seminal de la Ciudad de México, le dedicó una canción torrencial y electrizada a su honor, declarándola “un símbolo de sabiduría y amor.” Un video de su melodía “María Sabina,” donde se escucha la voz áspera de Alex Lora, tiene más de 1.2 millones de visitas en YouTube.

 

 

Ese video, subido por un fanático, demuestra un despliegue de tomas de la curandera y de todos los famosos que supuestamente fueron a verla. Claro, los Beatles se encuentran entre ellos.

 

-Agustín Gurza

Dire Straits - On Every Street (1991)

On Every Street es el sexto y último álbum de estudio de la banda de rock británica Dire Straits, lanzado el 9 de septiembre de 1991 por Vertigo Records a nivel internacional y por Warner Bros. Records en Estados Unidos. La continuación del exitoso álbum de la banda Brothers in Arms, On Every Street alcanzó la cima de la lista de álbumes del Reino Unido y también fue certificado platino por la RIAA. 

Def Leppard - On Through The Night (1980)

Click aquí para verla en grande

On Through the Night es el primer álbum de estudio de la banda de rock inglesa Def Leppard, lanzado el 14 de marzo de 1980. El álbum fue producido por Tom Allom. Se ubicó en el puesto 15 en la lista de álbumes del Reino Unido y en el puesto 51 en el Billboard 200. El álbum incluye versiones regrabadas de "Rocks Off" y "Overture", pistas del EP original de la banda, lanzado de forma independiente, The Def Leppard E.P. Otras pistas son versiones regrabadas de los primeros demos, algunas de las cuales aparecieron más tarde en el boxset del 2020 The Early Years 79–81. El álbum fue certificado Gold por la RIAA el 18 de noviembre de 1983 y Platinum el 9 de mayo de 1989.

"Wasted", "Hello America" ​​y "Rock Brigade" fueron lanzados como sencillos. Sin embargo, la versión de "Wasted" que aparece en el single es una grabación diferente a la del LP, al igual que su cara B, "Hello America".

 

Vinyl Sencillo de 45 RPM lanzado en 1980 para promocionar el album On Through The Night titulado "Wasted / Hello America" 

 

 

La introducción de la palabra hablada a "When the Walls Came Tumbling Down" fue interpretada por Dave Cousins ​​de Strawbs. Joe Elliott había hecho la parte hablada en presentaciones en vivo anteriores y grabaciones de demostración que aparecieron en algunos de los primeros bootlegs. En su biografía, Cousins ​​afirma que hizo su mejor imitación de Laurence Olivier para la introducción de la canción.

  Anuncio/cartel original extraído de una publicación de periódico.

El álbum recibió críticas en su mayoría positivas. Steve Huey de AllMusic señaló que On Through the Night " estableció a la banda como una de las principales figuras de la NWOBHM [Nueva Ola del Heavy Metal Británico] ". Aunque afirmó que "puede carecer de la producción detallada y la composición más orientada al pop de los esfuerzos posteriores, (...) algunos fanáticos de Leppard prefieren este sonido". El periodista canadiense Martin Popoff elogió el álbum por ser "uno de los más pulido y experto del NWOBHM ", evocando el sonido de "actos como Thin Lizzy, UFO, incluso Queen y Mott the Hoople ". Para él, On Through the Night fué "un agradable soplo de aire fresco" entre la música oscura, "thrashy" y "punky" procedente del Reino Unido en ese momento. David Fricke de Rolling Stone revisó favorablemente el álbum en la misma longitud de onda, explicando que "demuestra que no solo respetan a sus mayores, sino que también han seguido las señales de sus compañeros de la New Wave". También afirmó que "los guitarristas Pete Willis y Steve Clark disparan desde la cadera, empaquetando sus lamidas en arreglos pop ajustados de tres minutos", y que el cantante principal Joe Elliott " gime maravillosamente en un tenor resonante, reforzado por armonías de respaldo y la producción de ariete de Tom Allom ". Concluyó que la banda "muestra una sabiduría más allá de sus años" al mezclar melodía y pesadez, creando un álbum que "es tremendamente impresionante para una banda que hace su debut en vinilo". 

Funda interior del disco, lado a, album On Through The Night de Def Leppard

La revisión del personal de Sputnikmusic señaló que el "La imagen del hombre común de clase-media" del movimiento Nueva Ola del Heavy Metal Británico "jugó parcialmente un papel en hacer de Def Leppard uno de sus líderes". También afirmó que la ambición de la banda "nunca permitiría que [ellos] tuvieran una visión cerrada", pero concluyó que On Through the Night "puede ser categorizado como un álbum creciente (grower of an album) debido a que los elementos más superficiales de la canción que atraerán la atención. inicialmente distraerán a algunos oyentes de lo que es en realidad una interpretación musical y vocal increíblemente escrupulosa". 

La mayoría de las canciones del álbum se eliminaron de las presentaciones en vivo de la banda después de 1983, aunque "Rock Brigade" y "Wasted" verían renovaciones periódicas después del 2000. Además, la pista que no formaba parte del álbum de la misma época titulada "Good Morning Freedom" se tocaría en vivo en 2013 durante la apertura de los shows "Viva Hysteria".

Portada trasera del album  On Through The Night

El álbum debut de Def Leppard, On Through the Night, fue lanzado el 14 de marzo de 1980. Aunque el álbum alcanzó el Top 15 en el Reino Unido, muchos de los primeros fanáticos se desanimaron por la percepción de que la banda estaba tratando de atraer demasiado audiencias estadounidenses grabando canciones como "Hello America" ​​y haciendo más giras en los Estados Unidos (como apoyo a Pat Travers, AC / DC y Ted Nugent);

una actuación en el Reading Festival en agosto se vio empañada cuando los miembros de la audiencia expresaron su disgusto al arrojar a la banda latas de cerveza y botellas llenas de orina. Este incidente fue atribuido en parte a un artículo de portada del periódico musical Sounds por el periodista Geoff Barton titulado "¿Ha cambiado el Leppard sus anuncios?", Acusando a la banda de venderse en el mercado estadounidense. En un documental sobre la banda grabado para BBC 2, Barton recuerda sentimientos de culpa por la historia y haber tenido una "fila de pie" con el manager de la banda, Mensch, en el backstage del show. En la serie documental Metal Evolution, Joe Elliott dice que los medios de comunicación habían exagerado el evento y todas las bandas del día habían experimentado "abuso" por parte de la multitud.

 

Para entonces, la banda había llamado la atención del productor de AC / DC Robert John "Mutt" Lange, quien aceptó trabajar en su segundo álbum, High 'n' Dry, lanzado el 6 de julio de 1981. El enfoque meticuloso de Lange en el estudio les ayudó a comenzar para definir su sonido. A pesar de las bajas cifras de ventas del álbum (solo alcanzó el número 26 en el Reino Unido y 38 en los EE. UU.), El video de la banda para "Bringin 'On the Heartbreak" se convirtió en uno de los primeros videos de metal reproducidos en MTV en 1982, lo que llevó a la banda mayor visibilidad en los EE. UU. La banda continuó utilizando la industria de la televisión musical emergente para llegar a los fanáticos a lo largo de los años con sus videos únicos y la extravagancia de sus conciertos. Después del lanzamiento del álbum, siguieron giras europeas y americanas. La banda abrió para Ozzy Osbourne y Blackfoot (11/06/81 Sacramento Memorial Auditorium).

 Funda interior del disco, lado b, album On Through The Night de Def Leppard

Etiquetas del LP vinyl lado 1 y 2.

CD

Portada del compact cassette On Through The Night

Imágenes de las etiquetas del disco, de la portada del Compact Cassette y la imagen del Compact Disc son cortesía del blog hermano: 

'Rock-On-Vinyl'

Memorabilia de Def Leppard y el album On Through The Night 

Gary Moore - How Blue Can You Get (2021) [nuevo album con material inédito].

El 30 de abril, Mascot Label Group lanzó How Blue Can You Get, una colección de canciones inéditas del gran legado de Gary Moore. Estas huellas han surgido de las profundidades de los archivos de la familia Moore y se dice que son solo una parte de un gran catálogo que Gary dejó cuando falleció hace 10 años. El álbum contiene 4 pistas originales y 4 versiones de canciones previamente grabadas e interpretadas por famosos músicos de blues clásicos como Elmore James, Sonny Thompson, Memphis Slim y BB King. Desafortunadamente, no hay información sobre cuándo y dónde se grabaron estas ocho pistas, y quién de los músicos está tocando con Gary. Sin embargo, este lanzamiento será una gran adición a tu colección y una excelente manera de recordar la vida y obra de uno de los últimos héroes de la guitarra de blues, no solo un gran guitarrista, sino un músico eminentemente talentoso. 

El alma del guitarrista irlandés, ya fallecido hace diez años, Gary Moore, sigue muy presente para cualquier amante del blues rock. Su contrastada calidad a la seis cuerdas se ve netamente reflejada a través de su extensa carrera discográfica que daría para escribir un extenso libro. Pero lo que aquí tenemos en nuestras manos es su nuevo y último disco. El viernes 30 de abril, Mascot Label Group / Provogue Records, ha publicado ‘How Blue Can You Get’. Una colección de ocho cortes, cuatro de ellos inéditos. Mientras el resto son sendas versiones de grandes genios del blues.

 

 

El disco se abre muy enérgico a través de la engrasada versión que realiza del clásico de Freddie King con “I'm Tore Down”. Un intenso corte donde Gary Moore se muestra en todo su esplendor como gran señor y dueño de su inseparable guitarra junto con sus continuos solos que vuelven a ser nuevamente su particular seña de identidad. De seguido suena la instrumental “Steppin' Out” de Memphis Slim. Una canción que sirve para demostrar por enésima ocasión lo gran guitarrista que era. Para después regresar a su estilo más personal y quizás, el más famoso. La sentida balada “In My Dreams” se asemeja bastante a uno de sus himnos más representativos, “Parisienne Walkways”. Siendo esta hermosa interpretación la más destacada del todo el disco. De seguido suenan los acordes del himno de B.B. King y que da título al álbum. “How Blue Can You Get” es una extensa y épica interpretación de algo más de siete minutos de blues rock desnudo e íntimo. Un terreno en el que se movía a la perfección este gran artista.

 

 

El crudo corte “Looking At Your Picture” es el siguiente en sonar. Se presenta bajo una áspera grabación que no es la acertada para todo el conjunto final del disco. Un sonido que resulta ser demasiado alto bajo una pobre y desnuda ecualización. A pesar de estos pequeños inconvenientes la interpretación de Gary Moore vuelve a ser genial y provocadora por decirlo de alguna manera. Para después devolver toda la esencia que se merece aparece de la nada “Love Can Make A Fool Of You”. Otro nuevo medio tiempo o semi balada donde vuelve a demostrar en todo su esplendor la magia que poseía el gran Gary Moore, dando como resultado una sublime interpretación. La última cover del disco recae en “Done Somebody Wrong” de Elmore James. Una intensa composición de puro blues liderada espléndidamente por el guitarrista en la que también se erige como buen vocalista. Una de las facetas menos reconocidas y que dentro del blues siempre se suele mirar en segundo plano. Para finalizar de la mejor forma posible con otra soberbia interpretación y composición a través de la tierna balada “Living With The Blues”.

A pesar de poseer cuatro covers, que no están nada mal, hay cuatro nuevos cortes que resultan ser su principal atractivo a la hora de regresar al universo sonoro que nos ha dejado para la eternidad este portentoso músico. Y que a pesar de su fallecimiento, sigue siendo de agradecer que se muestren nuevos trabajos de él. Ya que así, podemos afrontar de la mejor manera posible su temprana pérdida. ¡Y qué mejor hacerlo y honrarlo a través de sus canciones! Así de esta manera se sigue agrandando aun más esta leyenda del blues que empezó por los terrenos del hard rock. Dos estilos diferentes pero unidos gracias a la extensa discografía que posee el añorado Gary Moore.

 Gary Moore una gran influencia en la escena musical mundial.

A pesar de ser a menudo el miembro más joven de su gran cantidad de bandas de adolescentes, Gary tomó las decisiones. A la edad de 15 años, podría decirse que era el mejor guitarrista de Belfast y, a través del lanzamiento del álbum John Mayall / Eric Clapton Bluesbreakers en 1966, descubrió el blues. En 1990 lanzó su mayor éxito, Still Got The Blues. En su ascenso, el blues fue impulsado por la película Blues Brothers, el álbum de éxito internacional The Healer de John Lee Hooker y el ascenso al estrellato de Stevie Ray Vaughan. Continuó su historia de amor con el blues por el resto de su carrera, destacada por las oportunidades de tocar con Albert King, BB King y Albert Collins.

 

Su legado vivirá y seguirá inspirando, desde Joe Bonamassa hasta Paul Gilbert, y desde Kirk Hammett hasta Zakk Wylde, todos lo han citado como una influencia. Hablando con la revista Rolling Stone en 2011, Hammett dijo: «Su influencia es fuerte hasta el punto de que el primer lamido del solo de guitarra de «Master of Puppets» es una variación de un lamido que Gary Moore tocaba mucho. Recuerdo la primera vez que escuché su álbum de blues y simplemente quedando totalmente impresionado, no solo por la ejecución, sino también por el sonido, su tono. Y recuerdo estar tan inspirado que escribí un par de riffs simplemente basados ​​en su sonido y su sensación. esos riffs terminaron en «The Unforgiven» del Black Album «.

«Conocí a Gary Moore en Londres el 23 de octubre de 1970», dice Bernie Marsden, amigo de toda la vida. «Él tocaba con Skid Row y mi banda Skinny Cat estaba abriendo ese viernes. Teníamos aproximadamente la misma edad, vestíamos de manera similar, ¡excepto por la boina que él usaba! Nos llevábamos bien – inmediatamente me di cuenta de lo bueno que era. pero también me di cuenta de que era tranquilo, se preocupaba por el grupo de apoyo y se esforzaba».

 

Mientras nos sentamos en 2021, Marsden recuerda esos recuerdos que tanto apreciaba. «Durante los años siguientes, me convertí en profesional y me encontré con Gary en conciertos en Londres y socialmente en el Marquee. Buscábamos en nuestros bolsillos y juntamos nuestro dinero para esas noches pero, como era Gary, siempre nos ofrecían unas copas ¡De todos modos! Pasamos bastante tiempo juntos cuando no estábamos actuando, y pronto descubrimos que teníamos las mismas influencias, principalmente Peter Green, Eric Clapton y Rory Gallagher. También estuve con él el día que adquirió la guitarra Gibson Les Paul de Peter «.

«Nos mantuvimos unidos a lo largo de los años, y en 1974 me llamó para pedir prestada una guitarra para un concierto que estaba haciendo con Colosseum. Todavía tengo esa guitarra hoy. Él estuvo en mi boda en 1980, tocando como parte de la impresionante banda que tuvimos y que incluía a otros grandes músicos como Cozy Powell, David Coverdale y Don Airey. Estuvimos unidos, y la última vez que salimos juntos fue en su gira por el Reino Unido con BB King «.

 

La carrera en solitario de Moore estaba tomando vuelo cuando TOTO se dirigía al estrellato a principios de los 80. Steve Lukather recuerda a Moore y reflexiona sobre su admiración por él. «Gary Moore fué una fuerza. Su intensidad, así como sus tonos suaves, dulces y dinámicos, tenían una sensación tan profunda. Era un maestro, y pude verlo tocar y conocerlo. Era un hombre muy agradable también. Su pérdida la sienten todos los que lo amaban, pero somos bendecidos; todavía podemos escucharlo tocar en los discos, DVD y todo lo que vivirá para siempre. Fué único en su clase «.

Su influencia continúa expandiéndose e inspirando. Chris Robertson, cantante y guitarrista de Black Stone Cherry, habla sobre el poder de su música. «Gary Moore tomó el blues y lo puso patas arriba para mí. Su garra y su estilo de tocar definitivamente ha sido una influencia en mí. Hay una ferocidad en lo que hace que no se puede igualar».

Don Airey es otro amigo suyo desde hace mucho tiempo. Recordando que dice, «Gary era un gran cantante, letrista y compositor, y luego tenía que lidiar con su forma de tocar la guitarra (por no hablar de su brillante ingenio de Belfast)». Continúa: “Trabajando en el álbum “Back on the Streets” en 1978, Gary sobregrabó seis tomas en solitario diferentes de “The Road Goes On Forever”, cada una de las cuales fue fenomenal, cada una diferente de las demás. Me preguntó cuál creía que era la mejor. Al hacer una elección, me aventuré a que sonaría aún mejor si se hiciera doble seguimiento. Después de haberlo tocado y escuchado una vez, Gary volvió al estudio y tocó un solo de 16 compases en una sola toma. Chris Tsangarides, que estaba en producción e ingeniería, se volvió y me miró con los ojos muy abiertos. No se dijo nada. Después de un minuto más o menos, se escuchó una voz desde el estudio: «¿Eso fue bueno?» «… Er, sí» dijo Chris «¡Adelante!». Gary fue el músico más asombroso con el que ninguno de nosotros haya trabajado y sigue siendo un punto de referencia musical después de diez años, siempre preguntándome: «¿Qué pensaría él de esto?»

A medida que el álbum de estas gemas desenterradas comienza a ver la luz del día, resalta la profundidad y complejidad de Moore y cómo su música ha tocado a tanta gente. Finalmente, reflexionando Marsden, recuerda: «Crecimos juntos en el negocio y finalmente se convirtió en una gran estrella solista. No me sorprendió en lo más mínimo, por supuesto, ya que su interpretación era tan asombrosa, un gran showman e intérprete. Pero para mí , él era ante todo, mi amigo, ¡y todavía lo extraño hoy! Disfruten de esta rara grabación «.