Ten Years After - Recorded Live 1973

 

Portada frontal del lp Recorded Live de Ten Years After

Ten Years After Recorded Live es el tercer álbum en vivo de la banda de blues-rock británica Ten Years After, que se lanzó como LP doble en 1973.

Este álbum, que no contiene sobregrabaciones ni aditivos, se grabó durante cuatro noches en Amsterdam, Rotterdam, Frankfurt y París con el camión de grabación móvil de los Rolling Stones y luego se mezcló dieciséis pistas en estéreo en los Olympic Studios de Londres. El álbum se volvió a publicar como CD en 2013, con siete temas inéditos.

Portada frontal del cd Recorded Live de Ten Years After

Una vez que la actuación de Ten Years After en la película de Woodstock consolidó el dominio de los
escenarios, era solo cuestión de tiempo antes de que Chrysalis quisiera un álbum completo en vivo de la banda. El album Undead de 1968 no les hace justicia; cinco años más tarde, con más de media docena de álbumes de estudio en su haber para elegir, el set doble Recorded Live de 1973 es realmente el documento definitivo de Ten Years After en su mejor momento. Para 2013, Chrysalis y Rhino tomaron el conjunto original, lo remasterizaron y lo ampliaron con siete pistas inéditas que arrojan luz sobre una potencia de cuatro piezas que se adueñó del escenario de un concierto desde la primera nota.

Portada trasera de la funda del LP Recorded Live de Ten Year After

También es interesante comparar este disco con Undead. Verás cuán salvajemente crecieron, casi en todos los sentidos. Desde una escena de club hasta grandes estadios en las principales capitales europeas; desde un pésimo equipo casero hasta el trailer de los Rolling Stones; desde presentaciones de media hora hasta conciertos extendidos; desde covers de jazz medio oscuras hasta éxitos internacionales; y finalmente, desde los tonos crudos, sin pulir, aunque poderosos y enérgicos, hasta un "muro de sonido" embriagador, profesional y bien pulido. Simplemente compara las dos versiones de 'I'm Going Home' en ambos discos y verás la diferencia. Algunos pueden lamentar la pérdida de ese sonido 'crudo' original, pero creo que eso no importa.


Me gustan mucho ambos álbumes, pero Recorded Live es más largo, tiene más canciones y no tiene bochornosos actos como el largo, lento y poco interesante blues de 'Spider In My Web' y el estúpido solo de batería en 'Summertime'. Claro, fue grabado en un período bastante tardío en la carrera de la banda, cuando ya estaban casi agotados creativamente y al borde de la disolución, pero es un hecho bien conocido que tocar en vivo y el "estado creativo general" son dos cosas absolutamente diferentes. cosas. Tocar en vivo y su calidad depende de bastantes factores, incluyendo, simplemente hablando, el estado de ánimo particular de los miembros de la banda el día del concierto, que, a su vez, puede depender del clima o la expresión de ese tipo al frente de la fila. Afortunadamente, la mayoría de las actuaciones en este álbum se extrajeron de momentos en que la banda parecía estar relativamente animada.

Portada interior desplegable del album lp Recorded Live

Para que conste, el álbum presenta un largo repaso de sus temas más famosos y emocionantes. Prácticamente ninguna de ellas es superior a las grabaciones de estudio, pero tampoco es inferior. Por otro lado, la presentación en vivo les da una ventaja "espontánea" que podría hacerlos más adecuados para algunos oyentes. Arrancan con 'One Of These Days', solo para continuar con el inolvidable riff de 'You Give Me Loving': qué elección más acertada de su peor disco hasta el momento. 

Portada frontal desplegable del cd Recorded Live

Más tarde, la banda, como de costumbre, irrumpe en algunos de los viejos, como 'Help Me' y 'Good Morning Little Schoolgirl'. En el camino, Alvin muestra algunos pequeños trucos lindos, como mostrar su destreza con la guitarra clásica ('Classical Thing'), resucitar la cancioncilla 'Skoobly-oobly-dooboob' ('Scat Thing') y simplemente jugar al tonto ('Silly Thing '). Los dos aspectos más destacados del programa son, por supuesto, una excelente versión de quince minutos de 'I Can't Keep From Crying', que nuevamente se transforma en toneladas de cosas diferentes en el camino, incluidas incluso algunas líneas de 'Cat's Squirrel ' e incluso 'Sunshine Of Your Love', y 'I'm Going Home'. El primero también fue el punto central para mostrar a Alvin como un 'experimentador de guitarra'; en particular, le gustaba afinar su guitarra y tocarla al mismo tiempo, lo que a veces resultaba en un sonido verdaderamente horrible y destructivo para el oído que me gusta un poco. a pesar de eso.

Anuncio promocional del album Recorde Live publicado por Chrysalis Rec.

Y el último ('I'm Goin' Home', es decir) es predeciblemente cercano a la versión de Woodstock, excepto que las diversas secciones se intercalan de una manera diferente y la batería es mucho más prominente. ¡Y maldita sea la estúpida audiencia que estropea los primeros acordes con sus tontos aplausos! Una versión excelente: con todos los 'boo-boo-babys' en su lugar y el popurrí de viejos clásicos del rockabilly en el medio. Parece un poco desgastado en comparación con la versión de Woodstock, pero puede disculpar a los muchachos: después de todo, la pieza era como una piedra alrededor de su cuello, y es un milagro que todavía pudieran hacerlo con suficiente autenticidad y paciencia. .

Portada trasera del cd Recorded Live

Para mí, la única decepción del álbum es el 'Slow Blues In C' de siete minutos. Deberían haber dejado cosas así a los Allman Brothers. Pero, de nuevo, ¡es solo un defecto menor en un disco de setenta minutos casi perfecto! Este disco, es instantáneamente amable y amigable, y también presenta muchas improvisaciones de guitarra. Pero estos niños están tan frenéticos, tan llenos de energía y les encantan tanto las cosas que están jugando que seguramente te atrapará la diversión. Esto tampoco es Yessongs, solo tu amor básico por ese sonido de guitarra eléctrica. Y tampoco hay exageración de 'supergrupo': simplemente tocan.


Download links: simple petición vía mi correo de gmail: sppstone@gmail.com

Ten Years After Recorded Live Booklet


Discos lp album Recorded Live



Discos cd album Recorded Live


George Harrison - Extra Texture Sep. 22 1975


Extra Texture (Read All About It)
es el sexto album de estudio del ex-Beatle George Harrison, realizado el 22 de Septiembre del 75. Fué el útimo album de Harrison bajo el contrato con Apple Records y EMI, y el último album de estudio lanzado por Apple. La realización vino nueve meses después de su atribulada gira NorteAmericana de 1974 con Ravi Shankar y su pobremente recibido album Dark Horse. El melancólico estado de ánimo de la grabación refleja el estado depresivo de Harrison ante la dura crítica generada por estos proyectos.


A pesar de la reputación de George Harrison por los álbumes solemnes y lúgubremente acompasados en los primeros años de la década de los 70s (y éste en su totalidad no es una excepción) la funda está llena de bromas, el logotipo de la manzana comida (el sello de Apple expiraría al final del año), el título capcioso, la lista de no-participantes (puedes dar click a la pequeña imagen de la izquierda para ampliarla y ver esa lista) y la sonrisa maliciosa del ex-Beatle por encima de la traviesa leyenda "OHNOTHIMAGEN" ("Oh, not him again!").









El disco despega con un gran comienzo, con el sencillo instantáneamente ganador "YOU" (una pizca de la cuál es nuevamente repetida para abrir el lado dos). Aqui la idea básica y la parte instrumental llegaron del Febrero del ´71 durante el periodo más fértil de George y son engalanados con vocales y sintetizador de cuerdas de cuatro años más tarde.
Continúa una de las más bellamente armonizadas, majestuosas y extrañamente subestimadas baladas "The Answers At The End" ("Las Respuestas Al Final") (cuya inspiradora letra se basó en una inscripción en la casa de George por su constructor Sir Fran Crisp),y enseguida "This Guitar (Can´t Keep From Crying)" , una atractiva secuela a "While My Guitar Gently Weeps".  En este punto la esperanza de los fans devotos sube, podría ser esta una obra maestra no descubierta?
Pero George había lanzado sus mejores tiros primero, y el disco lenta e inexorablemente perdía calidad cerrando con un desconcertante saludo para el ex-miembro de la Bonzao Dog Band: "Legs" Larry Smith ("Piernas" Larry Smith).
A pesar de los esfuerzos por mantener a la rueda del material musical girando, Extra Texture es mejor como un proyecto entero que sus compañeros vecinos de Dark Horse o que mucho del material del "Living In The Material World". Inclusive en las melodías mas sencillas se revelan algunos hermosos destellos musicales al volver a escucharlas y las canciones principales están entre las mejores de su carrera como solista.


GEORGE HARRISON

"El principal problema para mi era que había hecho demasiado en 1974. Yo estaba borrado, y fisicamente, no estaba en buena forma. Cuando regresé a casa, fuí hacia el jardín y me sentí tan aliviado. Entré de nuevo, miré en el espejo y decidí: Oh, Yo no soy tan malo, después de todo."

George Harrison

Extra Texture Portada LP Original




Reseña y texto:  Wikipedia and ALLMUSIC
Traducción Rock and Blues Zone

Cat Stevens - Teaser And The Firecat (1971) Parte 1




Teaser And The Firecat es el quinto album de estudio de Cat Stevens publicado en 1971. El album contiene 10 canciones incluyendo los éxitos "Morning Has Broken", "Moon Shadow" y "Peace Train". El album fué un éxito comercial, superando las alturas alcanzadas por el album previo de Stevens: Tea For The Tillerman y alcanzando el Top 3 de el Reino Unido y los Estados Unidos y también manteniéndose 15 semanas en la cima de las listas australianas, convirtiéndose en el album más vendido del país en 1972.
Teaser And The Firecat también es el título de un libro para niños escrito e ilustrado por Cat Stevens. La historia presenta los personajes del título de la portada del album, al joven Teaser con sombrero de copa y su mascota Firecat que intentan regresar a la luna a su lugar después de que esta se cayó del cielo. Publicado en 1972, el libro ha estado fuera de impresión desde mediados de los 70´s.
En 1977, una versión animada usando la canción "Moon Shadow" y narrada por Spike Milligan se incluyó como un segmento del film Fantastic Animation Festival. En Noviembre del 2008 una "Edición de Lujo" del album fué publicada, presentando un segundo disco de demos y grabaciones en vivo.

Un Poco de historia.
Para 1971, Cat Stevens ya había estado haciendo discos por cinco años con tres sencillos colocados en las listas del Top 10 del Reino Unido. Pero no fué sino hasta el lanzamiento de Tea for the Tillerman, y el éxito del sencillo "Wild World", a finales de l970, que Estados Unidos comenzó a prestar atención y preparó el camino para todo lo que siguió.
Desde el rasgueo de apertura de "The Wind" hasta las notas de cierre de la clásica "Peace Train", el quinto álbum de Steven, Teaser and the Firecat, se mantiene como uno de sus más fuertes trabajos. El LP generó tres éxitos a través de todo el mundo, comenzando con "Moon Shadow", la cuál entró al Top 40 a principios de año. "Morning Has Broken" alcanzó el Top 10, y "Peace Train" alcanzó el No. 7 justo antes del lanzamiento del álbum.

Interior de la portada desplegable del album lp Teaser and the Firecat.


Interior de la portada desplegable del album Teaser and the Firecat. Otra versión.

"Oh, he estado sonriendo últimamente soñando con el mundo como si fuera uno, y creo que esto puede ser,  esto va a venir", canta Stevens, y esa esperanza, aunque tal vez un poco ingenua, aún suena como verdad casi medio siglo después. "Obtengo la melodía, y luego solo sigo cantando la melodía hasta que las palabras emergen de esa melodía", le dijo Stevens a un DJ en 1971. "Es una especie de estado hipnótico al que alcanzas después de un tiempo, cuando te mantienes practicándolo, donde las palabras simplemente evolucionan a partir de él. Así que toma esas palabras y solo déjalas ir en la forma que ellas quieran ".

Otras canciones, como "Tuesday´s Dead" y "Bitter Blue" llegarían a ser elementos básicos de Radio-FM y Stevens se elevaría a las grandes ligas. El se quedaría allí hasta que se alejara de su fama y carrera al final de la década.

Al igual que en sus álbumes anteriores, Teaser and the Firecat incluye la ayuda de músicos de sesión de alto nivel como Rick Wakeman de Yes en el piano y Gerry Conway (más tarde miembro de Jethro Tull y Fairport Convention) en la batería. (Rick Wakeman no apareció en los créditos del album Teaser And The Firecat sino hasta el año 2000, después de que declarara en una entrevista para la BBC  Radio 5 Live que el había accedido a tocar en la canción de Cat Stevens por £10 y que estaba"destrozado" por haber sido omitido de los créditos, agregando que el nunca recibió el dinero de cualquier modo.)

Y aunque a menudo se le agrupaba con otros cantautores de la época, el estilo y el enfoque de Stevens eran distintivamente diferentes. Su interpretación de la música folk estaba enraizada en el pop, al igual que su música pop estaba enraizada en la gente.

La respuesta a Teaser and The Firecat fué inmediata. Se convirtió en un gran éxito, perdiéndose solo el lugar superior de la lista, colocándose en el n. ° 2, preparando el del próximo año, Catch Bull at Four el único álbum número uno de Stevens en los Estados Unidos. Y en una reversión de la fortuna comercial, Teaser fue un éxito mayor en los EE. UU. de lo que fué en su natal Reino Unido. 


Cat Stevens - Teaser And The Firecat (1971) Parte 2

"Estados Unidos era como una bella durmiente para mí", resumió Stevens a la revista Sounds en 1971. "Siempre quise ingresar a Estados Unidos porque mucha influencia ha venido de allí y siempre es un gran desafío lograrlo en Estados Unidos. Pensé que llegaría al mismo escenario que quizás estoy en Inglaterra, pero las cosas realmente han ido mucho más allá de eso, porque no hay una preconcepción sobre quién es Cat Stevens. Realmente lo están tomando en valor musical y lo que sea que venga fuera registrado". 

Portada trasera del album lp de Cat Stevens: Teaser And The Firecat


En Teaser And The Firecat Cat Stevens muestra su sentir sobre el mundo y el amor en clásicos como “The Wind”, “If I Laugh”, “Morning Has Broken” o “Moonshadow”. Maestro en baladas, emplea en sus texturas folk pop puntuales sonidos caribeños o étnicos con cerebrales piezas sentimentales.
Su dócil guitarra acústica junto a la de Alun Davies se ensancha con la instrumentación folk griega que le retrotrae a sus ascendientes en “Rubylove”, con los reflexivos teclados del propio Stevens y de un no acreditado Rick Wakeman, o con los hermosos arreglos de cuerda de Del Newman. Todo ello ordenado por la producción de Paul Samwell-Smith, antiguo componente del seminal grupo The Yardbirds.
“If I Laugh” y “How Can I Tell You” (probablemente la mejor y más infravalorada balada del álbum), prodigiosas en su sensibilidad transmitida con bellas melodías, junto a éxitos como “Morning Has Broken”, “Peace Train” o “Moonshadow”, son parte de un estupendo disco de temática esencialmente romántica que no desdeña sus habituales materias sociales y espirituales.
 
Anuncio Promocional del album Teaser And The Firecat impreso por A&M Records And Tapes















La portada del album

Cat Stevens: "En cuanto a la portada, esta fué otro autorretrato pintado en mi estilo nativo. La escena fué una entrada a mi lado jokey: un personaje travieso con sombrero de copa sentado juguetona-mente  en una acera, uno de mis lugares favoritos en toda la ciudad, viendo la luna de invierno brillando con un gato de fuego para mantenerlo caliente".


Portada del libro Teaser And The Firecat por Cat Stevens
La obra de arte de Cat Stevens debe ser juzgada como amateur. Pero sus paisajes infantiles, casi vacíos y las estilizadas formas bidimensionales de Teaser And The Firecat tienen una cierta simplicidad ensoñadora y sus defectos son desenfatizados por un apropiado formato que mantiene las imágenes modestamente pequeñas y aparentemente improvisadas en el lugar apropiado. La historia, en la que Teaser And The Firecat desatoran a la luna después de que se atasca en el techo de un granero, luego la siguen por el río púrpura y son llevados sobre ella cuando se desplaza hacia el cielo para aterrizar una vez más en un "arbol espinosos rojo" - es excepcionalmente caprichosa. Una broma ingrávida, pero los subtítulos en español y francés podrían mantener a esta en algunas colecciones literarias. kirkusreviews.com






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Teaser And The Firecat book por Cat Stevens (1972)





Sticky Fingers - Una Portada Controversial



Los Rolling Stones, Sticky Fingers.
Las cubiertas de Sticky Fingers y The Velvet Underground y Nico son simples y evocadoras. Ambos encierran el mejor álbum de su respectiva banda. Y quizás lo más importante, ambas portadas son (o sugieren, supongo) el símbolo más antiguo del rock and roll: los genitales masculinos. En la portada de Sticky Fingers, todo lo que obtenemos es la foto de la entrepierna de un hombre, aunque cubierta por jeans. 
Y al igual que las calcomanias utilizadas por el Velvet Underground para revelar una sorpresa debajo, el prensado original de Sticky Fingers vino con una cierre de cremallera que funcionaba. Cuando se baja, supuestamente revelaba numerosas cosas, pero en realidad mira la cubierta interior en donde se observa la trusa de un hombre.

Mientras que la etiqueta de banana era una pesadilla de fabricación para el Velvet Underground y la MGM, la cremallera fué posteriormente abandonada por los Rolling Stones debido al daño causado a los envíos del vinil cuando fué el lanzamiento del álbum. Normalmente, los pedidos de vinilo se apilaban y se enviaban, el peso de los álbumes provocaba que el cierre se hundiera en el disco. No hace falta decir que hubo muchos clientes que no estaban muy contentos con la abolladura que les hacía perderse los acordes iniciales de "Brown Sugar" o las partes finales de "Sister Morphine". Esto fué resuelto poco después enviando el álbum con el cierre de cremallera hacia abajo, de modo que la lengueta del deslizador solo rozara con el centro del álbum, donde no había música. 

El clásiquísimo y conocido logotipo de la lengua de los Rolling Stones.

Otra razón por la cuál este album es de trascendente importancia, es que fué en en este album (concretamente en un lado de la funda interna) donde se usó por primera vez el logotipo de la banda, ahora ya inconfundible e icónico, de los labios y la lengua, el cuál fué diseñado por un estudiante de arte de Londres llamado John Pasche. También el album Sticky Fingers iba a ser su primer disco de la nueva década, su primero sin Brian Jones, y el primero para su recién formada marca Rolling Stones Records. Los Beatles acababan de disolverse, dejando al grupo sin rival serio. La banda probablemente estaba ansiosa por mantener su estatus de chico malo, pero al mismo tiempo se distanciaron del lado más oscuro de su imagen y avanzaron hacia una controversia más comercialmente viable: el sexo. 
Sabiendo que el diseño del álbum debía reflejar esto, y finalmente en control de su propio mercado trás dejar Decca Records, Mick Jagger visitó el Royal College of Art en Londres para encontrar un estudiante de diseño para contratar. El prestó atención al promedio mostrado de John Pasche y lo contrató para crear un nuevo logotipo para el grupo. El logotipo resultante de labios y lengua, basado en la gran y conocida expresión de Jagger, fué pensado como "un símbolo de protesta y [para] tener un sentimiento de anti-autoridad en realidad, de manera que este funcionara bien con ellos siendo los chicos malos del rock and roll", dijo Pasche recientemente a MTV. Siendo estos los primeros días de la marca de la banda de rock, el icónico logo nunca apareció en la portada de un álbum. Sin embargo, sí apareció en camisetas, tazas, llaveros, botones, cinturones y un número incontable de otros artículos promocionales, incluyendo los recientes orinales en el Rolling Stones Fan Museum en Alemania.

 El Modelo de la portada del Sticky Fingers

El propietario del mezclilla en la portada ha sido discutido durante mucho tiempo, y es otra parte de esta historia de rock and roll vinculada inevitablemente a Andy Warhol. Una leyenda urbana dice que fue Mick Jagger, pero no lo fue. Warhol y el artista pop Billy Name fotografiaron un puñado de modelos masculinos para la portada, incluidos algunos de los amantes de Warhol en ese momento. Uno de los posibles propietarios de la famosa entrepierna es Joe Dallesandro, protegido de Andy Warhol y el actor principal de las películas rodadas en The Factory. Sin embargo, Glenn O'Brien, uno de los asistentes de Warhol, no estuvo de acuerdo con esta opción. Según O'Brien, era Jed Johnson, amante de Andy Warhol, el verdadero dueño de los pantalones. Incluso Glenn O'Brien fue más lejos y afirmó que la trusa era su propia trusa. Pero, Jed Johnson negó la historia de O'Brien.
El último candidato es otro miembro de The Factory, Corey Tippin, pero la verdadera respuesta a la pregunta de quién se esconde detrás de los pantalones del Dedos Pegajosos (Sticky Fingers), sigue siendo un secreto.
Con el tiempo, se omitió el cierre de cremallera real, y fué reemplazado por solo la imagen de una cremallera.


Joan Baez - Gracias A La Vida (1977)



Gracias A La Vida (Joan Baez canta en español) ó Gracias A La Vida (Joan Baez sings in spanish) es un album de Folk-Rock-Latino publicado en 1974 por Joan Baez. Es su 15° album de estudio y fué lanzado bajo el sello A&M Records. Casi todas las canciones fueron cantadas en el idioma español (solo una canción en lengua catalana). Báez declaró en su momento que lanzó el álbum como un "mensaje de esperanza para los chilenos que sufren bajo el gobierno de Augusto Pinochet", a raíz de la muerte del presidente Salvador Allende. (Báez es conocida por su crítica a la política exterior de EE. UU en América Latina y ha realizado giras y ha trabajado para mejorar los derechos humanos en la región). Las canciones incluyen selecciones de los compositores chilenos Victor Jara (quien fué torturado y asesinado luego del golpe de estado del 11 de Septiembre de 1973) y Violeta Parra, quien compuso la canción que da título al disco. Asímismo la canción "No Nos Moverán" viene precedida de una introducción recitada del poema "Sube A Nacer Conmigo Hermano" del poeta Pablo Neruda.

Portada frontal del album LP Gracias A La Vida de Joan Baez 



A mediados de los 70, Joan Baez estaba en su apogeo creativo. Este disco es inusual para la cantante, es en español, totalmente dedicado a la música latinoamericana, bueno, hay un par de canciones propias de Joan. ("Las Madres Cansadas" y "Dida"), la cuál se repitió un año después con un acompañamiento más rico y a dúo con Joni Mitchell en el mejor álbum de Baez llamado "Diamonds & Rust").
En el repertorio latinoamericano, Báez se siente bastante segura, su voz suena muy impresionante, apoyada por el acompañamiento tanto de instrumentistas de jazz como de mariachis especialmente invitados.

Portada trasera del album LP Gracias A La Vida de Joan Baez

Respecto al album, respecto a Joan Báez.

Los países representados en el listado de canciones varían desde México y Cuba hasta Chile y España. El álbum fue moderadamente exitoso en los Estados Unidos, pero extremadamente exitoso en América Latina.

El álbum tiene una dedicación: "Este disco está dedicado a mi padre, que me dio mi nombre latino y cualquier optimismo sobre la vida que pueda afirmar que tengo".

Origen del Album...
"Después de muchos años usando su espléndida voz de soprano para cantar y grabar canciones tradicionales y modernas de las Islas Británicas y los Estados Unidos, y después de viajar por el mundo, cantando por y para algunos de sus pueblos más vulnerables, Joan lanzó este hermoso álbum de canciones folkloricas de América Latina, cantado mayormente en español, con una canción en Catalán.

Joan ha visto el mundo en toda su gloria y tragedia. Ella ha trabajado incansablemente por la paz en Vietnam, Irlanda y otros conflictos aparentemente sin esperanza, levantándose por el más grande potencial de la humanidad mientras veía de cerca algunos de sus mayores horrores e injusticias. Ella marchó con Martín y César, cantó a las madres que habían perdido a sus hijos y a las esposas cuyos maridos habían sido "desaparecidos" por las juntas y, a través de todo ello, ella absorbió las culturas y la música de las personas que conoció y de los amigos que hizo .

Sin duda, el legado mexicano de su padre influyó en su atracción por algunas de las canciones de 'Gracias a la vida', así como en su tiempo con César Chávez y en viajar por los países de América del Centro y América del Sur. Después de hablar con los poetas, artistas y activistas cuyas propias palabras, en algunas circunstancias, pudieron provocar su arresto, encarcelamiento o algo peor, ella armó esta poderosamente hermosa y, finalmente, trascendente colección de canciones y poemas musicalizados.

Las letras (que se pueden encontrar buscando "letras de gracias a la vida de baez"), las melodías y los ritmos en este CD se combinan con la voz de la Sra. Báez para proporcionar un paisaje musical que incluye celebración alegre, observaciones reflexivas, homenaje amoroso y dolorosa y trágica pérdida. ¡Este un album para ser atesorado y escuchado una y otra vez! "
Star Walker/Virginia USA


  1. "Gracias a la Vida" (Here's to Life) (Violeta Parra)
  2. "Llegó Con Tres Heridas" (He Came with Three Wounds) (From a poem by Miguel Hernández, musicalized by Joan Manuel Serrat)
  3. "La Llorona" (The Weeping Woman) (Traditional)
  4. "El Preso Número Nueve" (Prisoner Number Nine) (Los Hermanos Cantoral)
  5. "Guantanamera" (Joseíto Fernández, Jose Martí, adapted by Julián Orbón)
  6. "Te Recuerdo Amanda" (I Remember You Amanda) (Víctor Jara)
  7. "Dida" (Joan Baez)
  8. "Cucurrucucú Paloma" (T. Méndez)
  9. "Paso Río" (I Pass a River) (Traditional)
  10. "El Rossinyol" (The Nightingale) (Traditional Catalan song)
  11. "De Colores" (In Colors) (Traditional)
  12. "Las Madres Cansadas" (All the Weary Mothers of the Earth) (Joan Baez)
  13. "No Nos Moverán" (We Shall Not Be Moved) (Traditional)
  14. "Esquinazo Del Guerrillero" (Guerilla Warrior's Serenade) (Rolando Alarcón/Fernando Alegría)

All Flac!

Not My Upload!
All Thanxs Goes To The Original Uploader!




Let It Be - Último Album Grabado Por The Beatles?


Let It Be fué el doceavo y final album de The Beatles. Fué lanzado al público el 8 de Mayo de 1970, casi un mes después de la separación del grupo. Alcanzó el número 1 en ventas en muchos países.



LET IT BE - NOTAS HISTÓRICAS
Con cada sucesivo album, la música de The Beatles había progresado a la par con los avances en la tecnología de grabación -progresos que a menudo fueron hechos como resultado directo de la búsqueda constante de nuevos sonidos y arreglos más complejos por el grupo y su productor George Martin-. Pero en Enero de 1969, The Beatles decidieron retornar a las bases, tanto en su enfoque musical como en la forma de trabajar en el estudio. Su intención era hacer un disco tan simple como cuando ellos comenzaron en Abbey Road -tocando en vivo y capturados directamente en cinta con poco cambio en el sonido por parte del estudio.








Comenzando el 2 de Enero de 1969, ellos ensayaron en los Twickenham Film Studios para un concierto en vivo televisado propuesto. Cuando este plan fué eventualmente descartado, The Beatles se reunieron en su propio estudio en el sótano de su oficina central de Apple en el 3 de Savile Row en Londres. Mientras grababan ahí, ellos se mantuvieron fieles al principio de una actuación en vivo con una regla de no tener efectos de estudio o sobregrabación de instrumentos o voces adicionales. Dos nuevos rostros estuvieron presentes en estas sesiones: el tecladista Billy Preston y el ingeniero independiente Glyn Johns, quién había trabajado recientemente con The Rolling Stones.









Grabando en equipo prestado por EMI, su trabajo en el estudio Apple comenzó el 22 de Enero y continuó hasta el 31 de Enero de 1969. Para el fin de la primera semana de sesiones, ellos habían completado "For You Blue", "Get Back" y el Lado-B "Dont´Let Me Down". La mayoría de las otras canciones en Let It Be fueron grabadas durante los últimos dos días del mes.












Foreigner - Agent Provocateur (1984)





Agent Provocateur es el quinto álbum de estudio de la banda de rock británico-estadounidense Foreigner, lanzado el 7 de diciembre de 1984. El álbum fue el primer y único número 1 de la banda en el Reino Unido, y alcanzó el top 5 en los Estados Unidos. Aunque las ventas del álbum fueron más bajas que su trabajo anterior en los Estados Unidos, contiene el sencillo más exitoso de la banda, "I Want to Know What Love Is", que es su único sencillo número 1 en el Reino Unido y los EE. UU., Manteniéndose en el primer puesto por tres y dos semanas respectivamente. El sencillo que le siguió, "That Was Yesterday", también resultó ser un éxito considerable, llegando al número 12 en los EE. UU. El álbum fue certificado Disco de Platino en el Reino Unido por el BPI y Disco de Triple Platino en los Estados Unidos por la RIAA. 
 Le tomó a Foreigner tres años lanzar el album consecutivo a su éxito de taquilla de 1981, 4. Tal vez esa espera no fue lo suficientemente larga, porque Agent Provocateur es un excelente ejemplo de los mejores y peores rasgos del AOR: un puñado de canciones notables al lado de otras no muy buenas.


A pesar de aportar algunos riffs asesinos comparados con los cánones de los años 70 de Foreigner, el guitarrista / tecladista Mick Jones no es conocido por sus habilidades con las seis cuerdas. Su mayor fortaleza es su talento para la melodía como compositor, tecladista y productor, y todas estas cualidades son evidentes en Agent Provocateur.
Por supuesto, el vocalista y compositor Lou Gramm es indispensable como el hombre de la garganta de oro y líder de la banda. En este álbum Jones guió en gran medida las cosas detrás de la consola del estudio ayudado por Alex Sadkin. 
"I Want to Know What Love Is" se convirtió en el primer y único número uno de Foreigner, y no es difícil ver por qué. El sentimiento hipnótico y ensoñador es debido en parte a la voz principal y conmovedora de Gramm y a las voces corales de el New Jersey Mass Choir. Jennifer Holliday y Tom Bailey de los Thompson Twins también participaron. 

"That Was Yesterday", un sencillo de gran éxito, presenta un coro pegadizo y un hábil solo (lick) de sintetizador. "Reaction To Action" y "Down On Love" ambos fueron éxitos menores, pero hay una gran diferencia en la calidad entre los dos; el primero es la epítome de un AOR insulso y prefabricado formulaic), mientras que el segundo incluye un agradable coro y una cálida melodía de teclado. "A Love in Vain" y "Growing Up the Hard Way" también tienen algunos buenos momentos.

Acerca de I Want To Know What Love Is, primer sencillo 

Como una de las canciones más importantes del catálogo de Foreigner, y como uno de los temas que indudablemente recuerda a los años 80, "I Want To Know What Love Is" quedará enmarcada como una de las grandes baladas de aquella época. Una canción imposible de olvidar y número fijo en la programación de emisoras de clásicos en inglés.


Grabada en 1984 y lanzada como primer sencillo de Agent Provocateur, el quinto disco de la banda basada en Nueva York, fue un éxito inmediato y se convirtió en número 1 en más de una decena de países, incluyendo Estados Unidos, Inglaterra, Canadá y Australia. Hasta la fecha, es el tema más exitoso de la banda creada por Mick Jones (Spooky Tooth), Ian McDonald (King Crimson) y el cantante Lou Gramm.
Considerada como una de las 500 mejores canciones de la historia, por la revista Billboard, y elegida como una de las 100 mejores de la década de los 80, por el canal VH1, incluía en los coros a la agrupación Thompson Twins, la solista Jennifer Holiday y el Coro de Iglesia de Nueva Jersey.
En sus 30 años de historia, ha sido reinterpretada por solistas femeninas como Tina Arena, Mariah Carey, Gloria Gaynor, Shirley Bassey y Wynonna Judd. Recientemente, ahora una voz masculina decidió rendirle tributo a aquella inmortal balada.
Se trata del solista Ryan Adams, quien como parte del ciclo World Cafe de la radio WXPN de Filadelfia brindó su versión que llegaría a oídos del propio compositor, el guitarrista Jones, quien aseguró que le encantó.